FM| Domingo 23 Junio 2024

RADIO UNAM
PROGRAMACIÓN FM

0:00
HIMNO NACIONAL

0:03
Música Electroacústica: Pierre Henry (compositor e ingeniero de sonido)
PIERRE HENRY (1927-2017, Francia, compositor, ingeniero de sonido, artista plástico)
Deux Coups de Sonnete (Dos disparos de sonata) , evocación radiofónica inspirada en el “Journal de mes sons”(Diario de mis sonidos) y Selecciones de “Aforismos” (2005) : Je fais de la musique, (Hago música) ; La durée et l’espace, (Duración y espacio) ; Feuilleton, (De serie) ; L’année d’Orphée, (El año de Orfeo) ; Labyrinthe et ambigüité, (Laberinto y ambigüedad) ; Mes titres, (Mis títulos Escuchando) ; L’ouïe, (Escuchando) ; Comme un catalogue, (Como un catálogo) ; Les enregistrements de futuristie, (Grabaciones futuristas) ; Dieu, (Dios) ; Une maison de sons, (Una casa de sonidos) ; Un chemin de fer, (Un camino del ferrocarril) .
Int. Laure Lomongi, voz; Studio Son/Ré, realización sonora.
Música del álbum Pierre Henry: Deux Coups de Sonnete (Dos disparos de sonata) (CD 2006, sello, SIGNATURE & RADIO FRANCE) .

1:00
SERIES / TESTIMONIO DE OÍDAS

2:01
PHILIP GLASS (1937, Estados Unidos, compositor)Pruit Igoe; Thegrid
Música del álbum: Koyaanisqatsi (CD: 1998, Sello: Nonesuch Records)
Int: Albert de Ruiter, voz bajo. The Western Wind vocal ensemble. Michael Riesman, director.

2:30
PHILIP GLASS (1937, Estados Unidos, compositor) Satyagraha – Protest; Einstein On the Beach – Trial/Prison; Satyagraha – Tolstoy Far; Window of Appearances; Einstein on the Beach – Bed; Akhnaten – Epilogue; Einstein on the Beach – Knee 5
Int. The Philip Glass Ensemble. Michael Riesman, director. New York City Opera Orchestra & Chorus. Stuttgart State Opera Orchestra & Chorus. Dennis Russell Davies, director.
Música del álbum: Songs from the Trilogy (CD: 1989; CBS Records)

3:01
ARVO PÄRT (1935, Estonia)Sinfonía N° 4 “Los Ángeles” (2008) , para orquesta de cuerdas, arpa y percusión, en tres movimientos: 1. Con sublimitá; 2. Affannoso; y 3. Deciso.
Int. Orquesta Filarmónica de Los Ángeles; Dir. Esa-Pekka Salonen
(CD 2010, Alemania, sello ECM)

3:36
ARVO PÄRT (1935, Estonia)”Paz sobre ti, Jerusalén” (2003) y “Estrella de la mañana” (2007) .
Int. Ensamble vocal Ars Nova Copenhagen. Dir. Paul Hillier.
Música del álbum “Creator Spiritus” (CD 2012, Austria, sello Harmonia mundi)

3:47
JOËL GRARE (1961, Francia, percusionista)Suite para campanas “Follow”, (2002) : 1. Arco, 2. Czselawa, 3. Zam y 4. Aleteo de las alas en el cristal de la lámpara de aceite
Int. Joël Grare

4:01
Int. Schönberg Ensemble; Asko Ensemble; Amsterdam Sinfonietta; Nederlands Blazers Ensemble; Nieuw Ensemble; Dir. Reinmbert de Leeuw. (Rainbert de Leeu) .
Música del álbum “Sofia Gubaidulina: Stimmen— verstummen: Now Always Snow”. (31 CDs 2006, Shönberg Ensemble; Et’cetera & Radio Nederland, Países Bajos) .

4:39
GALINA USTVOLSKAYA (17 junio 1919 – 22 diciembre 2006, Rusia)Sonata para violín y piano (1952)
Int. Vera Beths, violín; Reinbert de Leew, piano.
Música del álbum “Galina Ustvoloskaya: Octet, Trio, Sonata for violin and piano”
(31 CDs 2006, Shönberg Ensemble; Et’cetera & Radio Nederland, Países Bajos) .

5:01
CHARLES TOMLINSON GRIFFES (1884-1920, EUA, compositor y pianista)Sonata (1. Feroce, 2. Allegretto con moto; 3. Allegro vivace) ;
Imágenes de tres tonos, Opus No 5 (I. El lago por la tarde; II. El valle de los sueños; III. Vientos nocturnos) ;
De Profundo (Tiempo Rubato) ;
Bosquejos Romanos (III. Las fuentes de Acqua Paola)
Int. Michael Lewin, piano.
Música del álbum: CHARLES TOMLINSON GRIFFES: Obras para piano, Volumen 1 (CD 1999, Sello: naxos) .

5:29
JUDITH LANG ZAIMONT (1945 EU)Chroma – Northern Lights (Croma – Aurora Boreal) (1985)
Int. Orquesta Sinfónica Nacional Eslovaca; Dir. Kirt Trevor
Stillnes – Poem for Orchestra (Quietud – Poema sinfónico para orquesta) (2004)
Int. Orquesta Sinfónica Nacional Eslovaca; Dir. Kirt Trevor
Música del álbum “Judith Lang Zaimont: Chroma, Sinfonía 2, Stilness” (CD 2010, EU; naxos) .

6:00
HIMNO NACIONAL

6:18
MÚSICA MEXICANA DE CONCIERTO
SAMUEL ZYMAN (1956, México)
Concierto N° 2 ‘De Minería’ (2008) para flauta y orquesta, en 3 movimientos.
Int. Marisa Canales, flauta;
Orquesta de las Américas; Dir. Benjamín Juárez Echenique

6:49
MÚSICA LATINOAMERICANA DE CONCIERTO
MARTHA LAMBERTINI (1937-2019 Argentina compositora)
Una Ofrenda Musical (I, II, III) .
Int. Trío Neos: Eleonor Weingartner, clarinete; Ana María Tradatti, piano; y Wendy Holdaway, fagot.
Música del álbum ‘Mujeres de las Américas’ (CD 2000, México, Quindecim Recordings & Cultural UNAM)

7:00
CÁPSULAS Peso colibrí (992) 2’56”

7:03
MÚSICA MEXICANA DE CONCIERTO
ALFONSO DE ELÍAS (1902-1984, México, compositor y pianista)
Cuarteto de Cuerdas No. 2 en Sol Mayor (1961) : I. Moderato, II. Andante con moto, IV. Allegretto
Int: Cuarteto de Cuerdas Ruso-Americano
Música del álbum: Cuartetos mexicanos Desconocidos / Cuarteto de cuerdas ruso-americano (CD: 1998, México, Sello: Quandecim Recordings)

7:32
MÚSICA MEXICANA DE CONCIERTO
ANA LARA (1959, México, compositor)
Icaro (para flauta de voz) .
Int. Horacio Franco (1978, México, Flautista, y director) .
Música del álbum: Horacio Franco/música mexicana para Flauta de Pico Volumen

7:38
MÚSICA MEXICANA DE CONCIERTO
ARMANDO LUNA (1964-2015, México, compositor)
Sonata de Cámara Num. 3 (I. Ofrenda; II: Mojiganga; III. Duelo; IV. Guateque)
Música del álbum: Guateque (CD: 2008, sello, CONACULTA-FONCA)
Int: Cuarteto Nacional de Clarinetes de México: Diego Cajas, primer clarinete. Paula Hernández, primer clarinete. Luis Mora, primer clarinete. Alejandro Moreno, clarinete bajo

8:01
CÁPSULAS/ Éxtasis Dalí (406) 4’59”

8:07
“DOMUS MEA” Canto gregoriano de la Catedral de Riga, (Letonia)
Durante la Edad Media, que esta predominantemente orientada hacia la cultura cristiana, monasterios y catedrales servían como los centros principales de la Ciencia y la Cultura. Su material principal fueron los cantos utilizados en los servicios regulares de la Iglesia y como parte de la liturgia. Este es también el caso del Misal de Riga, un manuscrito único; el primer documento musical escrito en la historia de Letonia que contiene un repertorio gregoriano que difiere hasta ciento punto de otros tradicionales locales de aquellos momentos. Las diferencias no son grandes, pero son significativas; principalmente tienen que ver con la estructura de los intervalos de la melodía, las notas repetidas las modificaciones del texto. En general, en comparación con las primeras melodías de todas las tradiciones gregorianas de la Baja edad Media, como las de Riga, Leipzig, Hamburgo, Esztergom, Engelberg y Passau, muestran cambios en los intervalos que suelen estar relacionados con la pérdida de las notas mi y si. En la literatura musical, este fenómeno se denomina ‘dialéctica coral germánica’, aunque se expresa de manera diferente en cada una de las tradiciones enumeradas anteriormente.

8:09
Selecciones de la Misa en dedicación a la Iglesia, de la Catedral de Riga.1. Salve el Día Santo; 2. Es Terrible; 3. Kyrie eleison; 4. Gloria cum tropo; 7. Alleluia, la voz del júbilo. (CD 2016, Letonia; sello: GEO) .
Int. Schola Cantorum Riga; Coro de niñas Tiara, de la Catedral de Riga; Dir. Gutars Pranis.

8:29
“DOMUS MEA” Canto gregoriano de la Catedral de Riga, (Letonia)

8:33
22 de junio de 2024: 50 años sin Darius Milhaud, compositor francés
(Aix-en-Provence, 1892 – Ginebra, 1974) Uno de los músicos más prolíficos del siglo XX, autor de más de cuatrocientas cincuenta obras en todos los géneros. Gran impulsor del famoso Grupo de los Seis, durante su primera época revolucionó la música incorporando temas populares y ritmos de jazz. Sus sinfonías son obras de madurez, recibiendo un tratamiento más serio e incorporando técnicas politonales, pero sin romper nunca con el sistema tonal. Autor de una inmensa producción, sus obras numeradas alcanzan la cifra de 443, de todos los géneros, caracterizándose por su escritura anti germánica, aportando en cambio elementos mediterráneos.
Pacem in terris op, 404 es una sinfonía coral para alto, barítono, coro y orquesta de Dairus Milhaud. Aunque a menudo se identifica sólo por sú título y número de obra, se considera la decimetercera y útlima sinfonía de Milhaud. Escrita en 1963, incorpora el texto escrito por el papa Juan XXIII en su encíclica del mismo año, que comenzaba con las palabras que Millhaud utiliza como título. La grabación que los ofrecemos es el estreno mundial producido en Salt Lake City, con la Orquesta Sinfónica de Utah, el Coro de la Universidad de Utah, y Maurice Abravanel dirigiendo, con el compositor presente.

8:35
DARIUS MILHAUD (1892-1974, Francia)Selecciones de Pacem in terris (Paz en la Tierra) op, 404, sinfonía coral para alto, barítono, coro y orquesta en siete partes: 1. Pacem in terris (Paz en la Tierra) ; 2. In hominis iuribis (En los derechos del hombre) ; 7 Cum gravosso,os igitur (Cuando es pesado, por la tanto)
Int. Florencde Kopleff, contralto; Louis Quilico, barítono; Orquesta Sinfónica de Utah, el Coro de la Universidad de Utah. Dir. Maurice Abravanel
(CD 1993, EU; Vanguard Classics)

9:00
22 de junio de 2024: 50 años sin Darius Milhaud, compositor francés

9:05
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN
En esta ocasión escucharemos el disco Violonchelo de Colores 2 de Pilar Gadea.
En este disco encontramos canciones tradicionales de Latinoamérica y algunos poemas musicalizados. Su propósito es que los más pequeños puedan conocer sobre el violonchelo y su sonido, ya que es algo que pocas veces se tiene oportunidad de escuchar. Este material musical es el complemento de un libro en el cual se les enseña a los pequeñines cómo tocar el instrumento, el modo en que se colocan las manos sobre él, pero sobre todo tiene como finalidad despertar el interés por el Violonchelo.

9:06
PILAR GADEA (1961 México, violonchelista y educadora)El caimán y el mono; buen viaje; la araña; el gato; caballito de anís; la viejecita; el elefante; las tortugas; luna; la niña docta.
TRADICIONAL
Los diez perritos; mi burrito; la media muerte; el tambor de la alegría; san Pantaleón; aquel caracol; la viudita; cinco ratones; paloma mía; la huerta de toronjil.
Int. Ildefonso Cedillo; violonchelo; Carlos López, Sergio Vázquez, piano; Maryèn González, arpa; Ángel Álvarez, guitarra.
Música de álbum Violonchelo de colores 2 (CD 2000, sello, Música UNAM con el FONCA)

9:29
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN

9:34
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN
Gilda, Cesar y Valentín son Los Hermanos Rincón, ellos han cantado y creado canciones para niños desde hace muchos años. a estos hermanos les gusta ofrecer una experiencia variada y muy rica a los odios de los niños, son tantas las creaciones que tienen que han grabado poco más de 20 discos, entre ellos hay canciones de juegos, rondas y juegos tradicionales mexicanos.
Su música ya tiene presencia en muchos lugares del mundo. también han tenido participación en radio, televisión y teatro lo que ha hecho que niños de diferentes culturas y regiones estén aprendiendo y conociendo más sobre los niños mexicanos, sus juegos y sus tradiciones.

9:35
VALENTÌN RINCÓN (1938 México, compositor, músico, guitarrista, pianista)El niño robot; pajarito cola blanca: ay, ay. ay; Fanfarinfas va con efe;
La pelota, Gusanito medidor; La infantina está enfadada; Rock del changuito; el columpio; lagartija; Pasteles de lodo.
Int. Valentín Rincón, contrabajo, voz, guitarra, charango, Andrés Rincón, primera guitarra, banjo, piano, xilófono, contrabajo, sintetizador, voz, Cesar Rincón, guitarra, voz, Mónica Flores, voz, xilófono, metalófono, vibráfono, percusiones, Lucia Avilez, voz.
Música del álbum: Los Hermanos Rincón y su Niño Robot (CD 1995, México, Pentagrama)

9:56
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN

10:01
MÚJERES EN LA MÚSICA: YLVA SKOG, compositora sueca
Ylva Skog (1963, Suecia) originalmente estudió piano en la Academia de Música de Örebro, pero lo dejó para concentrarse en algo que le apasionaba mucho más: la composición. Tomó clases privadas por un año con el compositor Ander Nilsson hasta que fue aceptada en el Real Colegio de Música en 1994. Para 1999 obtuvo el título de Maestra de finas artes en Música.
Las obras de Skorg abarcan muy diversos formatos, incluyendo la música electroacústica. Su música es frecuentemente interpretada en su país natal, Suecia, y alrededores también; un ejemplo es que su música de cámara y sus obras corales han sido presentadas en los países nórdicos, Inglaterra, Alemania, Francia, España, Italia y los Estados Unidos, por mencionar algunos.
A continuación, escucharemos el ‘Concierto para violín’ de Ylva Skog, el cual es una obra bastante optimista y luminosa. En él, Ylva Skog emplea cortos y eficientes fragmentos melódicos, dejando que toda la sección instrumental los repita y gire alrededor de ellos.

10:03
YLVA SKOG (1963 Suecia, compositora)Concierto para violín No. 1, en 3 movimientos: 1. Svegliato – amabile – bizzaro – infernale – pastoso; 2. Sostenuto con delizatezza – Piú mosso ma tranquillo – appassionato; 3. Inquieto ma distinto – con brio.
Int. Cecilia Zilliacus, volín; Orquesta Sinfónica de Helsinborg; Dir. Anna Maria Helsing.
Música del álbum Cecilia Zilliacus///Conciertos para violín contemporáneos
(CD, 2017, Suecia, Sello: dB Productions)

10:34
MÚJERES EN LA MÚSICA: YLVA SKOG, compositora sueca

10:35
CÁPSULAS/ Ráfagas Pensamiento (365) 1’26”

10:37
MUJERES EN LA MÚSICA: ZARA LEVINA, compositora ucraniana
Zara Levina (1906-1976, Ucrania) fue una niña prodigio: a los 8 años de edad debutó con su primer recital de piano, terminando sus estudios en el Conservatorio Odessa a los catorce años para después estudiar composición en Moscú, siendo alumna de Reinhold Glière [se pronuncia Glier] y de Nikolai Myaskovsky.
Levina pudo ser testigo de varios acontecimientos importantes de la historia mundial: presenció las dos Guerras Mundiales, así como la Revolución Rusa. Ella murió en Moscú en 1976 siendo una respetada y altamente interpretada compositora, adorada tanto por músicos como por el público conocedor de sus composiciones. Sus romances se han colocado en un lugar especial en el repertorio ruso de música contemporánea.
El primer concierto para piano de Zara Levina fue escrito en 1942 y estrenado en 1945. La composición tiene tres movimientos los cuales recuerdan a la tradición romántica de los conciertos para piano. El virtuosismo y las multifacéticas partes de este instrumento recuerdan a los conciertos para piano de Sergei Rachmaninoff y a la energía y claridad de la instrumentación de una larga orquesta de Rimsky-Korsakov. Ciertamente, es una obra homenaje. Con un toque de melancolía, retrata al mundo entero en el centro de una vida positiva.

10:39
ZARA LEVINA (1906-1976, Ucrania, compositora y pianista)Concierto para piano y orquesta No. 2 (1975) , en un movimiento (moderato sostenuto più mosso (Allegro) – Meno mosso. Lyruico – Allegro -Andante – Allegro.
Int. Mara Lettberg, piano; Orquesta Sinfónica de Radios de Berlín; Dir. Ariane Matiakh.
Música del álbum Levina: Conciertos de Piano (CD, 2017, Austria, Sello: Capriccio)

10:58
MUJERES EN LA MÚSICA: ZARA LEVINA, compositora ucraniana

11:00
SERIES / VIOLETA Y ORO (Grabado) 28′

11:30
CÁPSULAS/ Peso colibrí (996) 3’12”

11:34
14 de junio de 2024: 430 años sin Orlando de Lasus, compositor belga
El compositor flamenco Orlando de Lassus muere el 14 de junio de 1594 en Munich.
Junto con Palestrina y Victoria, Orlando di Lasso es considerado el líder de la escuela romana en su época de madurez musical. Su nombre viene a completar la gran tríada de la música polifónica del siglo XVI, de la que también forman parte Palestrina y Tomás Luis de Victoria. La obra de Orlando di Lasso, que junto con la de Palestrina señala el pleno y esplendoroso refinamiento de la tradición polifónica del siglo XVI, es una de las más amplias y conocidas.

11:35
ORLANDO DE LASSUS (1532-1594, Flandes)Madrigales italianos
Int. Ensamble vocal de Alsfeld; Dir. Wolfgang Helbich
(CD 1981, Alemania, sello Teldec)

11:51
14 de junio de 2024: 430 años sin Orlando de Lasus, compositor belga

11:52
CÁPSULAS/ Éxtasis Dalí (406) 4’59”

12:00
SERIES / OFUNAM

13:34
MÚSICA VOCAL A CAPELLA: ROOMFUL OF THEETH
Roomful of Teeth (“Cuarto lleno de dientes”) es un conjunto vocal fundado en 2009 por Brad Wells. Su misión es ‘explorar el potencial expresivo de la voz humana’. El conjunto se reúne anualmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts, donde han estudiado el canto de garganta Tuvan, el canto a la tirolesa, el canto de garganta inuit, el pansori coreano, el canto gregoriano, el cantu a tenore sardo, la música indostaní, el canto persa y el canto clásico, con algunos de los mejores artistas y

13:35
WILLIAM BRITTELLE (1977, EU)Entre los minotauros;
JUDD GRENSTEIN (1979, EU)
Montmartre; AEIOU; Corre lejos.
Int: ROOMFUL OF TEETH: Martha Cluver y Estelì Gomez, sopranos; Caroline Shaw y Virginia Warnken, contralto; Eric Dudley, tenor; Avery Griffin, barítono; Dashon Burton, bajo barítono; Cameron Beaucham, bajo; Brad Wells, director.
Música del álbum: Roomful of teeth (CD 2012, Estados Unidos, New Amsterdam Records)

13:59
MÚSICA VOCAL A CAPELLA: ROOMFUL OF THEETH

14:03
CÁPSULAS/ Trayecto Sonoro (268) 3’06”

14:07
MÚJERES EN LA MÚSICA MEXICANA: Las Montoneras Colectiva: Música mixta para saxofón tenor y medios electrónicos.
Las Montoneras es una colectiva femenina de compositoras, intérpretes, maestras, musicólogas y gestoras culturales mexicanas, que buscan visibilizar el trabajo en las Mujeres en la música.
En 2024, están cumpliendo tres años. Y ya tienen un primer álbum discográfico. En esta sesión escucharemos la primera parte del álbum. Y la próxima semana, la segunda parte.
La primera obra que abre este álbum “Las Montoneras, colectiva” se titula Safaxofofofonofo: El tiempo elástico, de Lucía Esnaurrizar Escalante (1993, Ciudad de México, México, compositora, ilustradora y filósofa) .
Sobre esta obra, la musicóloga Maby Muñoz Hénonin escribió:
“El tiempo en la música es el escenario de la acción la condición de posibilidad para que pueda reproducirse el sonido. Es el pulso del metrónomo que marca el avance a semejanza del cronómetro, pero es también el tiempo dentro del tiempo; el recorrido del discurso sonoro.
En ese mundo, el pulso, unas veces flexible y otras implacable, ordena el flujo de ideas. Puede ser tan incisivo como una gota, unas veces flexible y otras implacable, ordena el flujo de ideas. Puede ser tan incisivo como una gota, pero tan elástico como un movimiento de cámara lenta donde el gesto se libera de las ataduras del tiempo mismo y genera una idea propia.
El tiempo elástico es justamente un juego entre la regularidad del tiempo interno y el gesto que estira el pulso. Es una exploración sonora en un mundo metronomizado y la reflexión sobre un proceso creativo del mundo emocional que se espejea en la reflexión de los procesos creativos de Lucía Esnaurrizar
“El tiempo elástico es una obra múltiple en significados y en motores de inspiración creativa. En ella se conjuntan reflexiones y los procesos emocionales que lo atraviesan. Todo esto teñido por un ánimo lúdico, que juega ya desde el título y su lenguaje de efes”

14:10
LUCÍA ESNAURRIZAR ESCALANTE (1993, Ciudad de México, México, compositora, ilustradora y filósofa) .Safaxofofofonofo: El tiempo elástico.
Int. Alma Rodríguez Romero, sax tenor.
Música del álbum “Las Montoneras Colectiva. Música para saxofón tenor y medios electrónicos” (CD 2022, México; Urtext Digital Classics) .

14:17
MÚJERES EN LA MÚSICA MEXICANA: Las Montoneras Colectiva: Música mixta para saxofón tenor y medios electrónicos.

14:18
La segunda obra de este álbum de Las Mononeras, es Pigmalión, de Maglog Orozco González (1991, Ciudad de México, México, compositora y actriz) .Sobre esta obra, la musicóloga Maby Muñoz Hénonin escribió:
“Según la mitología griega, Pigmalión, rey de Chipre, dedicó buena parte de su vida a esculpir mujeres, ya que no podía encontrar entre las mortales a la mujer perfecta, hasta que un día se enamoró de Galatea, la más bella de sus creaciones…
“El mito ha sido revisitado, actualizado e interpretado una y otra vez en el largo camino de la cultura occidental. Uno de estos caminos interpretativos ha sido conocido como el efecto Pigmalión, que puede tener dos caras: una positiva que lleva al cumplimiento de una meta gracias a las expectativas de otros, y una negativa que afecta la autoestima y distorsiona la imagen propia a través de juicios, expectativas e ideas depositadas en nosotros. En ambos casos, la construcción de elementos de la persona es externa y a veces, impuesta.
“La pieza Pigmalión tiene como sustento narrativo esta idea de las expectativas externas que crean o modifican la propia personalidad o el comportamiento. Voces que se instalan en la mente diciendo cómo debes ser, preguntas que rondan el pensamiento: ¿cuánto de lo que soy está construido por otras personas? ¿Cómo me ve la sociedad o cómo creo que me ve? Este ruido interno está representado por la pista, en la que, además de la bruma, puede percibirse un tictac que marca el paso del tiempo que se va mientras esas voces impiden avanzar o tergiversan la personalidad.

14:21
MAGLOG OROZCO GONZÁLEZ (1991, Ciudad de México, México, compositora y actriz) .Pigmalión.
Int. Alma Rodríguez Romero, sax tenor.
Música del álbum “Las Montoneras Colectiva. Música para saxofón tenor y medios electrónicos” (CD 2022, México; Urtext Digital Classics) .

14:27
MÚJERES EN LA MÚSICA MEXICANA: Las Montoneras Colectiva: Música mixta para saxofón tenor y medios electrónicos.

14:31
MÚJERES EN LA MÚSICA MEXICANA: Las Montoneras Colectiva: Música mixta para saxofón tenor y medios electrónicos.
La tercera obra que abre este álbum “Las Montoneras, colectiva” se titula Intiución se Diluye en lo Evanescente, de Aleyda Moreno Ramírez (1982, Ciudad de México, México, compositora e improvisadora) .
Sobre esta obra, la musicóloga Maby Muñoz Hénonin escribió:
“La intuición es esa forma de conocimiento que se nutre de todo aquello que ha sido internalizado; las experiencias vitales que se van integrando tanto al cuerpo como al inconsciente y que constituyen un modo de interactuar con el mundo. Es una forma de comprensión o percepción formada desde lo empírico, y que se contrapone a lo racional. De ahí su potencia creativa.
“En esta obra, Aleyda moreno explora esas voces del cuerpo y del inconsciente, puestas en sonido, huyendo intencionalmente de cualquier estructura formal, proceso compositivo académico e incluso de convenciones de escritura. Como ella misma afirma, en esta exploración ‘trata de plasmar una gestualidad no afianzada en la métrica. Una gestualidad más fluida que emana desde un impulso del gesto percibido como tiempo, un instante percibido como color, instante, forma; vinculado a lo visual, lo gráfico’
“En Intuición también se pone de manifiesto una de las principales lpíneas creativas de Moreno: la sinestesia. En varias de sus obras se ha ocupado de la relación color-sonido y aquí se plasma una extensión de este modo de percepción bidireccional en el que se pueden establecer relaciones entre color, forma, textura, plasmados en la partitura gráfica. El resultado auditivo es el sonido de esta imagen sin ritmo ni alturas, que emana de la improvisación de la intérprete.”

14:33
ALEYDA MORENO RAMÍREZ (1982, Ciudad de México, México, compositora e improvisadora) .Intiución se Diluye en lo Evanescente.
Int. Alma Rodríguez Romero, sax tenor.
Música del álbum “Las Montoneras Colectiva. Música para saxofón tenor y medios electrónicos” (CD 2022, México; Urtext Digital Classics) .

14:42
MÚJERES EN LA MÚSICA MEXICANA: Las Montoneras Colectiva: Música mixta para saxofón tenor y medios electrónicos.

14:43
La quinta piezas del álbum es Heavy Brathing, para saxofón y cinta; de Gabriela Maravilla (1994, Ciudad de México, México, filósofa, compositora y especialista en Historia del Arte.Sobre esta obra, la musicóloga Maby Muñoz Hénonin escribió:
“Heavy brathing es la exploración sonora de una idea y de un sentimiento encarnados en la dificultad de respirar; en lo difícil, amargo y doloroso que se hace el peso de la mirada del otro. La acción física y la mirada que cosifican, anulan y fragmentan el cuerpo y poco a poco, el ser mismo.
“Según estadísticas públicas, México es uno de los países con mayor consumo de pornografía en el mundo. Un alto porcentaje de varones se inician en esta actividad a tempranas edades y eso provoca un sesgo cognitivo en el modo de relacionarse con sus parejas, e incluso en las formas de aproximarse a mujeres y niñas. La experiencia amorosa y sexual está mediada por ese tipo de contenidos que normalizan modos de relación violentos o utilitarios y que muchas veces provocan la cosificación de las mujeres, que se las vea sólo como cuerpos desechables: cosas que se pueden mallugar, maltratar, tirar e incluso matar.
“Las estadísticas no lo revelan, porque de la experiencia personal hay pocas estadísticas, pero en charlas y confidencias es fácil enterarse de cómo esta cultura se ha instalado en la vida privada.
“El reto de esta pieza fue retratar tales experiencias en música y tratar de transformar estas reflexiones en un objeto artístico. Para ello se recurrió a una cinta que en momentos tiene referencias más o menos explícitas a los contenidos de la pornografía, pero entrecortadas y distorsionadas. Sobre la cinta, el saxofón interpreta un alpinea melódica rápida y que da poco tiempo a la respiración para la intérprete se agite y consiga transmitir la sensación de ahogo o tapamiento que esta cultura ejerce sobre las mujeres”.

14:46
GABRIELA MARAVILLA (1994, México, compositora, filósofa especialista en Historia del Arte) .Heavy Brathing, para saxofón y cinta.
Int. Alma Rodríguez Romero, sax tenor.
Música del álbum “Las Montoneras Colectiva. Música para saxofón tenor y medios electrónicos” (CD 2022, México; Urtext Digital Classics) .

14:50
MÚJERES EN LA MÚSICA MEXICANA: Las Montoneras Colectiva: Música mixta para saxofón tenor y medios electrónicos.

14:51
La cuarta obra del álbum “Las Montoneras Colectiva. Música para saxofón tenor y medios eléctricos” (CD 2023; México; Urtext digital classics) es Venus Escarlata, de Jimena Contreras (1986, Ciudad de México, México, compositora y productora música. Fundadora de Archay Recording Studios, en la Ciudad de México) .Sobre esta obra, la musicóloga Maby Muñoz Hénonin escribió:
“Según cifras de organismos oficiales, en México aproximadamente el 66% de las mujeres mayores de 15 años han sufrido violencia de algún tipo; un 44% han sido agredidas de su pareja; y, en promedio, cada día mueres 10 mujeres en el país por agresiones intencionales calificadas como violencia contra las mujeres.
“Esta realidad tan aterradora como cotidiana es narrada a diario por las redes sociales y los medios de comunicación, que se han convertido en una ventana a esa verdad que nos pega con fuerza pero que trata de ocultarse: se calcula que aproximadamente el 99% de los delitos de violencia sexual no son denunciados.
“Venus escarlata retoma las voces de medios de comunicación y nos invade con ellas un movimiento estéreo que inunda el espacio auditivo. El saxofón y la saxofonista se integran al flujo sonoro como escuchas de esa abrumadora información y la protagonista marcha simbólicamente para exigir justicia; las llaves percutidas del saxofón son sus pisadas. Transita en el tiempo y de pronto hay un detonador, una frase enunciada que trata de anular el mar de cifras…. En este punto hay una improvisación cuyo objetivo es ser vehículo de la reacción emocional de la intérprete ante lo que acaba de escuchar.
“Las voces continúan: tipos de violencia, estadísticas, datos, nombres concretos, vidas truncadas. El saxofón, dando voz a la intérprete concreta o a una mujer imaginada o real, vuelve a hacer sonar su voz improvisada, su emoción ante la violencia. A ella se unen consignas de marchas y mujeres pidiendo ser escuchadas hasta que las consignas y la música se disuelven en el pesado silencio de aquellos que escuchan”

14:54
JIMENA CONTRERAS (1986, Ciudad de México, México, compositora y productora música. Fundadora de Archay Recording Studios, en la Ciudad de México) .Venus Escarlata, para saxofón y electrónica.
Int. Alma Rodríguez Romero, sax tenor.
Música del álbum “Las Montoneras Colectiva. Música para saxofón tenor y medios electrónicos” (CD 2022, México; Urtext Digital Classics) .

14:59
MÚJERES EN LA MÚSICA MEXICANA: Las Montoneras Colectiva: Música mixta para saxofón tenor y medios electrónicos.

15:01
CÁPSULAS/ Listo para Rodar (50) 3’58”

15:06
Ordo Virtutum – Hildegard Von Bingen – Sequentia
HILDEGARD VON BINGEN (Alemania, 1098-1179) fue una polifacética abadesa, física, filósofa, naturalista, compositora, poetisa y lingüista del medievo. Sus padres eran muy creyentes y la entregaron a la Iglesia como un diezmo cuando ella tenía ocho años, y desde este momento Hildegard fue muy devota, afirmando que su espíritu religioso crecía lentamente y que le permitía tener visiones, por lo cual se le trataba como una persona en conexión con lo divino, y esto le permitió evadir restricciones de la iglesia medieval con las mujeres predicadoras y dedicarse a la filosofía y a la ciencia. Además, se le atribuyeron varios milagros en vida e incluso otros después de su muerte, por lo que actualmente es considerada una Santa.
Esta mujer tan singular, era también una compositora consumada y entre los años 70 y 80 se rescataron sus composiciones musicales y es autora de uno de los repertorios de música medieval más extensos. Sus composiciones son audaces y se apartan de los estilos de la época, son obras que abarcan amplios registros, con melodías muy trabajadas, donde la música es tan importante como la poesía.
Una de sus obras más influyentes es Ordo Virtutum u Orden de las virtudes, que es un drama litúrgico que se incluye en la parte final de Scivias, la primera obra profética de Hildegard von Bingen. Presenta una lucha muy particular, que libran dieciséis Virtudes contra el Diablo, un combate de fuerzas extraterrenas: Humildad, Caridad, Temor de Dios, Obediencia, Fe, Amor, Castidad, Inocencia, Rechazo del mundo, Amor celestial, Disciplina, Modestia, Piedad, Victoria, Discreción y Paciencia contra el Ángel caído. Todos pugnan por conquistar a un alma. Un alma que, pese a que quiere alcanzar el Reino de Dios, debe primero salir al mundo, conocerlo y, apoyada en las Virtudes, seguir el camino que le lleve hasta Dios. Además de estos personajes principales, un coro de Almas y un coro de Profetas también se hace presente en algunos momentos de la obra.
Ordo Virtutum está escrita en verso dramático y contiene 82 melodías diferentes, que están construidas más silábicamente que las canciones litúrgicas de Hildegard. En 1998el conjunto de música medieval Sequentia grabó esta obra compuesta por von Bingen bajo la dirección del legendario intérprete y maestro Benjamin Bagby, y de la intérprete y co fundadora del conjunto Barbara Thornton.

15:09
HILDEGARD VON BINGEN (1098-1179 Alemania)Prologue: Qui sunt hi, qui ut nubes? (¿Quiénes son éstos, que son como nubes?)
Processional of Embodied Souls (Procesión de las almas encarnadas)
Scene 1: O Nos Peregrine Sumus (Oh, somos peregrinos)
Scene 1: O Dulcis Divinitas (Oh dulce Divinidad) (…sigue…)
Scene 1: O gravis labor (Oh, trabajo pesado)
Instrumental Dance I
Scene 2: Ego Humilitas (Yo humildad)
Instrumental Dance II
Instrumental lament
Int. Sequentia, Dir. Benjamin Bagby& Barbara Thornton; y las voces de: Ellen Hargis, Eric Mentzel, Frank Kelley, Franz-Joseph Heumannskämper, Janet Youngdahl, John Fleagle, Lena SusanneNorin, Lydia HeatherKnutson, MariaJonas, Marianne Nielsen, Mark McSweeney, Nancy Mayer, Pamela Dellal, Paul Guttry, Rebecca Bain, Stephen Grant, Suzanne Ehly, William Hite.
Música del álbum: Ordo Virtutum- Hildegard Von Bingen-Sequentia (2 CDs 1998, Alemania, Deutsche Harmonia Mundi & BMG Classics)

15:59
Ordo Virtutum – Hildegard Von Bingen – Sequentia

16:03
CÁPSULAS/ Garbanzo libro (151) 5’00”

16:09
MÚSICA TRADICIONAL DEL MUNDO: AFGANISTÁN
Hoy en día la música afgana todavía se conserva, mantiene los elementos de la música antigua de la India, Turquía y Rusia, así como restos de la música antigua griega. En los valles más altos y apartados de Pamir, algunas sonoridades muy inusuales dan testimonio de esta civilización de Asia Central, que recuerdan esos frescos abandonados en los desiertos ventosos que muestran exactamente músicos e instrumentos que aún viven en Afganistán. Las tradiciones musicales son las más sorprendentes y antiguas desde las de las tribus indias hasta las más desarrolladas en sus estructuras, estilo y carácter a las formas primitivas de la música occidental. Existe un verdadero sincretismo cultural en Afganistán, monedas adornadas con patrones griegos, iraníes, hindúes, búdicos, y romanos. Las lenguas también son un mosaico: el Pashtu de origen iraní es hablado por casi la mitad de la población, la tercera parte habla persa (dari) . Los turcomanos afganos, los kalash de Nuristán y los hazaras hablan cada uno su propia lengua según su cultura. La música popular afgana está hecha de estas culturas fusionadas. En cuanto a la música clásica, proviene de la altísima admiración que los afganos sienten por los músicos del norte de la India desde la época de los emperadores mongoles.
Muchos músicos afganos tocan música clásica del norte de la India con instrumentos indios o afganos y son aclamados tanto en Kabul, Delhi o Benarés.

16:11
MÚSICA POPULAR AFGANASolo de Zer-barhali; Canto acompañado por Ritchak y Zer-barhali; Solo de Toolah acompañado de Tabla; Música del norte tocada en el Rabab; Música clásica afgana de la tradición del norte de la india tocada en el Rabab; Solo de tambor acompañado en la Tabla; Música del norte tocada en el Rabab.
Int. Mohammad Naim, canto y Ritchak; Malang Najrabi, Zer-barhali; Abdul Jabar, Toolah; Mohammad Omar, Rabab; Abdul Majeeb, Tumbur; Muhammad Wali, Tabla.
Música del álbum: Afghanistan (CD 1990 Francia, Playa Sound)

16:53
MÚSICA TRADICIONAL DEL MUNDO: AFGANISTÁN

16:54
CÁPSULAS Éxtasis Dalí (402) 4’54”

17:02
ESPECIAL EZLN (MESA REDONDA EN RTS)

18:33
PAUL LUETKEMAN (ca. 1555-ca. 1611) , AUTOR ANÓNIMO, VINCENZO ALBRICI (1631-1696) y JOHANN VIERDANCK (ca. 1605-1646) Obras instrumentales del álbum “Musica báltica”
Int. Música Antigua de Colonia
Dir. Reinhard Goebel
(1999, sello Archiv produktion)

19:02
GEORGE FRIEDERIC HANDEL (1685-1759, Alemania) Selección de Arias para contratenor de “Mesías”, “Israel en Egipto”, “Muzio Scaevola” y “Rodelinda”
Int. Russell Oberlin, contratenor;
Albert Fuller, clavecín;
Orquesta de Cámara Barroca;
Dir. Thomas Dunn
(1959, Unión Europea, sello Deutsche Grammophon)

19:31
CÁPSULAS/ Poemas MC (1632) 3’04”

19:35
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791, Austria) Dos obras para oboe y cuerdas: Cuarteto en fa mayor, K. 370 y Adagio, K. 580a
Int. Paul Goodwin, oboe
Ensamble “Terceto”
(1997, Alemania, sello Harmonia Mundi)

20:02
Synopsis, by ZENTRAL QUARTETT
Fundado en 1973, este cuarteto de la antigua Alemania Oriental ejemplifica la perseverancia de un pueblo que se negó a doblegarse ante el totalitarismo. Al principio se llamaban Synopsis, pero en 1984 cambiaron su nombre por el de Zentral Quartett, en referencia al Comité Central. Publicado por primera vez en 1990 con una distribución muy limitada, este CD es posiblemente la mejor de las
varias grabaciones del grupo hasta la fecha. Lo que distingue a este colectivo sin piano ni bajo es su mezcla de free jazz con melodías alegres, himnos y ritmos punzantes. Se trata de vanguardistas para quienes el centro se mantiene, y para quienes el humor se combina con un arte consumado para producir algo que trasciende las partes. Los cuatro músicos contribuyen por igual, ya sea escribiendo composiciones, haciendo solos o simplemente añadiéndose al sonido del grupo.

20:03
CONRAD BAUER (1930 Alemania) ERNST-LUDWIG PETROWSKY (1943 Alemania) GÜNTER SOMMER (1943 Alemania) ULRICH GUMPERT (1945 Alemania)Krisis Eines Aweisan (Crisis del Aweisan) , Auf der Elbe Schwimmt Ein Rosa Krokodils (Un cocodrilo rosa nada en el Elba) ; Petting Zu (Take IV) (Acariaciando a Zu – toma 4) ; Take IV (Toma 4) ; Mehr Aus Teutschen Landen (Más de Tierras Alemanas) .
Int. Zentral Quartett: Ernest-Ludwig Petrowsky, saxofón; Conrad Bauer, trombón; Ulrich Gumpert, piano; Günter Sommer, batería, percusiones.
Música del álbum: Synopsis (CD 2008 – Inatkt Records – Alemania)

20:41
CÁPSULAS/ Cómo Ves / Revista (583) 3’33”

20:46
KOCH-SCHÜTZ-STUDER: Life Tied (Vida atada)
Escucharemos algunas piezas del trio musical “Koch-Schütz-Studer” y su álbum “Life Tied” (Vida atada) este grupo proveniente de Suiza tiene una propuesta que toma sus riesgos en cada momento y no tiene miedo de experimentar tanto en el ámbito acústico como en el electrónico. En este proyecto podemos notar su gran juego con la percepción del escucha, el uso de elementos familiares y su fusión con improvisación. En este disco podemos encontrar ocho expediciones en el mundo de “Hardcore Chambermusic”, el CD clásico del grupo que marcó por decirlo así, el inicio en 1995. Estas piezas son grabaciones en vivo, cuidadosamente elegidas y ensambladas para dar origen a una nueva experiencia auditiva en el mundo de la improvisación, sonidos ambient, música electrónica, rock y jazz.
En los últimos diez años el grupo suizo ha viajado por el mundo y se ha presentado en grandes festivales de jazz y numerosos clubes. Las grabaciones de “Life Tied” (Vida atada) muestran como la experiencia artística se ha hecho formativa, como incide en el proceso de improvisación y como todo esto se mezcla con el placer del experimento y aventura musical.

20:48
HANS KOCH (Suiza) /// MARTIN SCHÜTZ (Suiza) /// FREDY STUDER (Suiza)No time for dinner; Life tied;
Int. Koch-Schütz-Studer: Hans Koch, vientos, electrónicos. Martin Schütz, cello, electrónicos, Fredy Studer, batería, percusión.
Música del álbum: Life Tied (Vida atada) (CD 2004, Suiza, Intakt)

20:59
KOCH-SCHÜTZ-STUDER: Life Tied (Vida atada)

21:02
Jazz Estadounidense: Elvin Ray Jones
ELVIN RAY JONES (Pontiac, Míchigan; 9 de septiembre de 1927-Englewood, Nueva Jersey; 18 de mayo de 2004, EU) fue uno de los bateristas de jazz más influyentes de la era post-bop. Empezó a mostrar interés por la percusión a temprana edad, cuando observaba marchar a las bandas de los circos en su ciudad natal. Sirvió en el Ejército de los Estados Unidos entre 1946 y 1949 y posteriormente tocó en una banda de Detroit liderada por Billy Mitchell. Jones se mudó a Nueva York en 1955 y trabajó como músico de sesión para Charles Mingus, Teddy Charles, Bud Powell y Miles Davis.
Desde 1960 hasta 1966, Jones fue miembro del cuarteto de John Coltrane y participó en la grabación de álbumes como A Love Supreme. Luego de su trabajo con Coltrane, Jones lideró varios grupos pequeños, algunos bajo el nombre de The Elvin Jones Jazz
Machine. Durante su carrera, Jones grabó con sus dos hermanos, los músicos de jazz Thad Jones y Hank Jones. Al final de su carrera, trabajó con artistas jóvenes de jazz, incluyendo a Bill Frisell. Jones inició su carrera profesional en 1949, tocando durante un breve periodo de tiempo en el club Grand River Street de Detroit. En 1955, luego de una fallida audición para la banda de Benny Goodman, encontró trabajo en Nueva York al unirse a la banda de Charles Mingus, con la cual lanzó el álbum J is for Jazz.

21:04
ELVIN RAY JONES (Míchigan 1927 – Nueva Jersey 2004, EU, baterista) – Not yet (1988) ; Have You Seen Eleven? (1988) ; Angel Eyes (1946) ; Ding-A-Lin – Ding (1992) .
Musica del album: Youngblood (CD 1992, Enja Records, New Jersey)
Int. Elvin Jones, batería; Johsua Redman, saxofón tenor; Javon Jackson, saxofón tenor; Nicholas Payton, trumpeta; George Mraz, bajo.

21:33
Jazz Estadounidense: Elvin Ray Jones, baterista & Fletcher Henderson, pianista
FLETCHER HENDERSON (Cuthbert (Georgia) , 18 de diciembre de 1897 – Nueva York, 28 de diciembre de 1952, EU) fue un pianista y arreglista estadounidense, músico clave para el desarrollo de la “big band” (gran orquesta) . Su madre era profesora de piano y le inició en el instrumento. Su padre y su hermano también eran músicos. Hasta 1920, su único interés musical era la música clásica. En 1920, se traslada a Nueva York para terminar sus estudios de química y, una vez allí, conseguir trabajo como químico. Sin embargo, debido al hecho de ser de raza negra no consigue trabajo y comienza a trabajar como músico en un barco del río Hudson. Finalmente consigue un empleo en la editorial de música “Pace Handy Music Company” y acaba siendo el director musical de la compañía “Black Swan”.
Fletcher Henderson hizo venir de Chicago a Louis Armstrong, que en aquel tiempo solo era un joven cornetista que había tocado con la banda del maestro King Oliver. Louis Armstrong sólo permanecería con Henderson hasta finales de 1925, pero sería tiempo suficiente para revolucionar el concepto musical de Henderson.

21:34
FLETCHER HENDERSON (Georgia 1897 – NY 1952, EU, pianista y arreglista)Dicty Blues (1923) ; Copenhagen (1924) ; Alabamy Bound (1925) ; Money Blues (1973) ; The Stampede (1926) ; Jackass Blues (1926) ; The Chant (1926) ; The Henderson Stomp (1926) .
Int. Fletcher Henderson, piano; Jimmy Harrison, voz; Fletcher Henderson’s Orquesta, grupo musical.
Música del álbum: Sweet and Hot (CD 2006, Le Chant du Monde, Italia)

21:58
Jazz Estadounidense: Elvin Ray Jones, baterista & Fletcher Henderson, pianista

22:00
LA HORA NACIONAL

23:02
JESSE STACKEN (1978 Estados Unidos) Solstice; Magnolia; Aquatic House; the Whip
Música del álbum: Magnolia (CD 2010, Fresh Sound New Talent)
Int. Jesse Stacken, piano; Eivind Opsvik, bajo; Jeff Davis, batería

23:31
CÁPSULAS/ Trayecto Sonoro (272) 3’32”

23:36
JON LLOYD (1948 Inglaterra) Blues for; Method; Xis
Música del álbum: Four and five (Cd 1999, Suiza, Hat Hut)
Int. Jon Lloyd, saxofones; Stan Adler, chelo; Marcio Mattos, bajo; Paul Clarvis, batería

00:00
FIN DEL DÍA

RADIO UNAM
Domingo 23 de junio de 2024