FM| Sábado 30 noviembre 2024

RADIO UNAM
PROGRAMACIÓN FM

00:03
MEREDITH MONK (1942, E U, cantante, compositora, coreógrafa, bailarina, directora escénica y actriz) .Clusters 1; Strtand (gathering) ; inter Variation, Cloud code; Shift; Mapping; Summer Variation; Vow; Clusters 2; Falling, Burn; Strand (Inner Psalm) ; Autumn Variation; Ledge Dance, Traces, Respite; Ascent.
Int. Meredith Monk & Vocal Ensemble: Ellen Fisher, Katie Geissinger, Ching Gonzalez, Meredith Monk, Bruce Rameker, Allison Sniffin, voces; Bohdan Hilash, woodwinds; John Hollenbeck, percussion; Allison Sniffin, violín. Todd Reynolds Quartet: Todd Reynolds, violín; Courtney Orlando, violín; Nadia Sirota, viola; Ha-Yang Kim, violoncello. The M6: Sasha Bogdanowitsch, Sidney Chen, Emily Eagen, Holly Nadal; Toby Newman, Peter Sciscioli, voces; Heather J. Buchanan, Director.
Música del álbum: “Songs of Ascension” (CD 2011, Alemania; ECM) .

01:01
SERIES / TESTIMONIO DE OÍDAS

02:01
ELISABET RASPALL (1966 España) Legrand París; Amagat; nonom; A la penombra; La tristesa del cactus
Música del álbum: El petó (2011, España, Raspall R.)
Int. Elisabet Raspall, piano; Chris Cheek, saxofones

02:31
JULIA HÜLSMANN (1968 Alemania) Takin leave; The Last night; Son Taksim; The Struggle is over; You open my eyes
Música del álbum: Fasil (2009, Alemania, ECM)
Int. Marc Sinan, guitarra; Yelena Kuljic, voz; Lena thies, viola; Julia Hülsmann, piano; Marc Muellbauer, contrabajo; Hwineixh Köbberling, percusiones

3:01
VARIOS COMPOSITORESBlack silence; Active; Close; Reactive; Homage to Greene; The Whispering fores
Música del álbum: Dream logic (2012, Alemania, ECM)
Int. Eivind Aarset, guitarras, percusiones y electrónica, Jan Bang, samples y electrónica

3:27
VARIOS COMPOSITORESReflexión; Secret World; Un des sens
Música del álbum: Prysm Five (2010, Francia, Plus loin Music)
Int. Rosario Giuliani, saxofón alto; Prism

4:01
MARCELO ZARVOS (1959 Brasil) Baio for the left wing; Fort he New Year; olga benario; Abrigo
Música del álbum: Dualism (cd, 1995, Estados Unidos, M.A.)
Int. Marcelo Zarvos, piano; Peter Epstein, saxofón

4:33
JIMMY GREENE (1975 Estados Unidos) Sense of urgency; Soul Music; Home
Música del álbum: Live at smalls (2010, Estados Unidos, Smalls Live)
Int. Jimmy Greene, saxofón: Xavier Davies, piano; Ugonna Okegwo, bajo; Gregory Hutchinson, batería
5.04 ID’s/ESonora

5:06
CHRISTY DORAN (1949 Irlanda) Holly; Dreaming for the people; Cerberus’ Dance
Música del álbum: OM (1976, Alemania, ECM)
Int. Urs Leimgruber, saxofones; Christy Doran, guitarras; Bobby Burri, contrabajo; Ferdy Studer, batería

5:32
VARIOS COMPOSITORESNo zero: in three parts; entelechy; Now; Fig foot; Vocal Tracked
Música del álbum: Not two, not one (1999, Alemania, ECM)
Int. Paul Bley, piano; Gary Pecock, contrabajo; Paul Motian, batería

6:00
HIMNO NACIONAL

6:16
CÁPSULAS/ Trayecto Sonoro (297) 3’32”

6:20
TRADICIONAL (EGIPTO) .Oh tren llévame a la tierra de mi amada; La chica de las trenzas negras; Retarda; Nada me importa más que mi corazón amado; Mar del pasado.
Int. Mohammed Mourad Migally, rababah; Youssef Ali Bakash, cantos, daf; Ramadan Hassan, vocales, rababah; Mustafa Abdel Aziz, arghul, Fawy Amhad Othman, rababah; Hanafi Mohammed Aly, tabla; Qenawi Bakhit Qenawi, mizmar; Ramadan Atta, mizmar; Djad al- rabb Mahmoud, tabla baladi.
Música del álbum: “The musicians of the Nile”. (CD; 2006. E.U. Sello: Long Distance) .

7:03
TRADICIONAL (ARGENTINA)
HOMERO EXPÓSITO (1918-1987, Argentina, poeta y letrista) /
DOMINGO FEDERICO (1916-2000, Argentina, compositor, bandoneonista y director de orquesta) .
Yuyo verde.
JOSÉ GONZÁLES CASTILLO (1885-1937, Argentina, letrista, dramaturgo y libretista) / ENRRIQUE DELFINO (1895-1967, Argentina, compositor, pianista y director de orquesta) .
Griseta.
HOMERO EXPÓSITO (1918-1987, Argentina, poeta y letrista) / ARMANDO PONTIER (1917-1983, Argentina, director de orquesta y compositor) .
Trenzas.
TRADICIONAL
Forastera.
ANTONIO SPINA (Argentina, compositor) .
Tu olvido.
HORACIO SANGUINETTI (1914-1957, Argentina, letrista) / JOSÉ DAMES (1907-1994, Argentina, bandoneonista y compositor) .
Nada.
LEOPOLDO DÍAZ VÉLDEZ (1917-2007, Argentina, cantante, poeta, letrista y recitador) / TITO RIBERO (1915-1984, Argentina, músico y compositor) .
La milonga y yo.
Int. Rudy Flores, guitarra; Nini Flores, bandoneón y acordeón.
Música del álbum: “Serenata Porteña”. (CD 1997, sello Long Distance) .

7:28
CÁPSULAS/ Violencia VS Mujer (8) ”’

7:33
TRADICIONAL (ARGENTINA) .ADOLFO PÉREZ POCHOLO (1897-1977, Argentina, bandoneonista, director y compositor)
Dulce amanecer; La compuerta; Pasó por mi lado; Ya veremos (algún día) ; María Luisa
CHARLO
Fueye
GABRIEL RIVANO (1958, Argentina, bandoneonista, guitarrista, flautista y compositor)
Por los 100 barrios porteños; Tema para Cecilia.
Int. Hayadée Pérez y Gutiérrez de Rivano, voz; Raúl del Castillo, flauta; Leonardo Ferreyra, violín; Carlos Diner, cello; Carlos Vega, contrabajo; Gabriel Rivano, guitarra, flauta traversa y bandoneón; Martín Pontyrer, saxo barítono; Adolfo Pérez Pocholo, Víctor Angulo, bandoneones; Marino García Pirillo, guitarra; Romeo Piluso, flauta traversa; Elvino Vardaro, Roberto Guisado, Teodoro Guisado Doroto, violines; Edgar Cardozo, bajo eléctrico; Armando de la Vega, guitarra eléctrica; Abel Rogantini, piano eléctrico; Víctor Villadangos, guitarra.
Música del álbum: “Gabriel Rivano Tradición”. (CD 1999, Argentina, sello Acqua Records) .

8:03
CÁPSULAS/ Ráfagas Pensamiento (390) 2’39”

8:07
30 noviembre 2024: 70 AÑOS SIN WILHELM FURTWÄNGLER, director de orquesta
Wilhem Furtwängler fue un director de orquesta y compositor alemán nacido en 1886. Es ampliamente reconocido como uno de los más grandiosos directores de orquesta del siglo XX. Furtwängler nacio en Berlín, su padre era arqueólogo, y su madre pintora, por lo cual, pudo procurarse una robusta educación desde temprana edad.
A pesar de que Furtwängler consolidó su fama a través de su carrera como director, intentó, en algún momento, labrar una carrera cómo compositor. De hecho, comenzó a dirigir para poder realizar lo mismo con sus propias obras. A los 20 años ya había compuesto diferentes piezas. Lamentablemente, no fueron muy bien recibidas, y, junto a la incertidumbre financiera de una carrera cómo compositor, Furtwängler terminó optando por centrarse en su carrera como director.
Furtwängler fue el director principal de la Orquesta filarmónica de Berlín de 1922 a 1945, y después, de 1952 a 1954, también fue director principal de la orquesta de Gewandhaus en la ciudad de Leipzig, al este de Alemania. De igual modo, fue director invitado de otras renombradas orquestas, cómo la Filarmónica de Viena. A continuación, una selección del concierto para piano y orquesta de Robert Shumann, dirigido por Wilhelm Furtwängler.

8:09
ANTON BRUCKNER (1824-1896 Austria, organista, compositor y maestro)Tres movimientos de la Sinfonía núm. 5 (1876) , en su versión original: 2. Adagio – Sehr langsam; 3. Scherzo molto vivace; 4. Finale. Allegro – Allegro moderato
Int, Orquesta Filarmónica de Viena; Dir. Wilhelm Furtwängler (1886-1954, Alrmania) .
Música del álbum ‘BRUCKNER – Symphonie 5. Iener Philarmoniker, Furtwängler’ (CD 1995 grabación remasterizada de la grabación en vivo el 19 de agosto de 1951, EMI)

8:59
30 noviembre 2024: 70 AÑOS SIN WILHELM FURTWÄNGLER, director de orquesta

9:03
CÁPSULAS/Poemas MC (1685) 3’32”

9:08
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDÉS TAMBIÉN: Amparo Ochoa
MARÍA AMPARO OCHOA CASTAÑOS, más conocida como AMPARO OCHOA (Culiacán, Sinaloa, México, 29 de septiembre de 1946? – Culiacán febrero de 1994) fue una cantante mexicana, perteneciente a la generación de cantautoras de la década de 1960, figura de la entonces naciente Nueva Canción. Amparo Ochoa inició su carrera a sus 19 años desarrollándose como cantante y más tarde como maestra rural en las comunidades de Sinaloa, sin dejar a un lado su pasión musical, desempeñándose durante algunos años como profesora de canto.
Es en los años 1960 donde el movimiento del que ella forma parte, La nueva canción, toma fuerza desarrollando una corriente como forma de protesta y con un gran compromiso social, a este mismo movimiento participaron grandes canta-autores como lo fue Víctor Jara, Violeta Parra, Atahualpa y Gabino Palomares.
Amparo Ochoa utilizó la música como un medio para darles voz a los campesinos, los indígenas, las mujeres y todas aquellas poblaciones vulneradas. Entre sus obras destacan “La maldición de la Malinche” la cual fue escrita por Gabino Palomares y popularizada por ambos, en la letra se encuentra un sentir sobre la conquista y la colonización en el continente americano, así como la influencia extranjera invasiva.

9:10
AMPARO OCHOA (1946? -1994 México)País Con Rey, Los Tres Gorrioncitos, El Papalote Azul, El Gurisito, Mi Arbolito, Protesta Infantil, SapínSapén, Mundo Al Revés, Vaquerito, Canción Para Mi Niño
Int. Amparo Ochoa, voz; Alejandro Portillo, piano; Humberto Flores, trompeta; Armando Hernández, fagot; Gerardo Tamez, contrabajo y guitarras; Coro Unión Nacional Infantil.
Música del álbum: ‘Amparo Ochoa canta con los niños’ (1980, México, Discos Pueblo & FonArte Latino)

9:45
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDÉS TAMBIÉN: Amparo Ochoa

9:46
CÁPSULAS/ Ráfagas Pensamiento (386) 4’16”

9:51
MÚSICA PARA PEQUENIÑES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN: Roxana Río
ROXANA RÍO, autora, compositora e intérprete mexicana. Roxana Río nació en Veracruz, México de World Music y representante de la Nueva Canción Mexicana. Con 5 álbumes en su repertorio, Roxana Río, ha conquistado un amplio público intercontinental.
Creó y perteneció al grupo Teorema. Participó en concursos juveniles, estudió y canto. Estudió en California y participó en radio, interpretación, teatro y televisión. Después dejó Estados Unidos, para vivir en Madrid y comenzar una vida nueva de composiciones que lanzó en su primer disco.

9:52
ROXANA RÍO (1968, Veracruz, México) – Sonreír no es Difícil, Abajo Arriba, Gusanita y su Paseo, El Picaflor.
Int. Roxana Rio, voz; Ensamble de Tony Carmona
Música del álbum: Tararí (CD 2012, Madrid, sello: Hasarana Music)

9:58
MÚSICA PARA PEQUENIÑES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN: Roxana Río

10:00
JOCUS POCUS 58′

11:00
CÁPSULAS/ Garbanzo libro (168) 5’00”

11:06
24 noviembre 2024: 90 años de ALFRED SCHNITTKE (1934-1998, Rusia-Alemania)
El 24 de noviembre de 1934 nació Alfred Schittke, en Rusia. Fue un prolífico compositor, considerado uno de los más importantes músicos tardo soviéticos.
Era hijo de padre judío alemán, periodista, originario de Fráncfort del Meno, y de madre perteneciente a los alemanes del Volga.
Alfred vivió la mayor parte de su existencia en la URSS, exceptuando los años de su pre adolescencia, que residió en Viena, porque su padre fue redactor de prensa en la capital austriaca hasta 1948.
Su educación musical se inició también en Viena, en 1946, según su biógrafo Alexander Ivashkin, donde argumenta: “Se enamoró de la música que es parte de la vida, parte de la historia y cultura, parte del pasado que todavía está vivo”.
Alfred, al entrar en total contacto con la música, escribió en sus memorias: “Sentí cada momento, como un enlace con la cadena de la historia: todo era multidimensional; el pasado representaba un mundo de fantasmas omnipresentes, y yo no era un bárbaro sin ninguna conexión, sino el consciente poseedor de la tarea de mi vida”.
Esta vivencia en Viena le dieron una cierta experiencia espiritual y disciplina para las actividades de su futuro profesional.
Fueron Schubert y Mozart a quienes tuvo siempre en mente como referencias musicales.
En 1948 su familia se mudó a Moscú, donde se graduó en composición en el Conservatorio de la misma capital, en 1961, donde también impartió clases de 1962 a 1972. De ahí en adelante, se ganó la vida, principalmente como compositor de bandas sonoras de cine, con aproximadamente unas 70 partituras, escritas en un periodo de 30 años. Más tarde se convirtió al cristianismo y fué poseido por hondas creencias místicas que influenciaron fuertemente su música.

11:08
ALFRED SCHNITTKE (1934-1988, Rusia-Alemania, compositor, pianista, profesor y músico) .Cuarteto de cuerdas No.2 (1980) , en sus partes: I. Moderato; II. Agitato; III. Mesto y IV. Moderato.
Int. The Tale Quartet: Tale Olsson, violín I; Patrick Swedrup, violín II; Ingegerd Kierkegaard, viola; Helena Nilsson, chelo.
Música del álbum: “Schnittke: Strings Quartets Nos.1-3. – Tale Quartet”. (Schnittke: Cuarteto de cuerdas Nos.1-3. – Cuarteto Tale) . (CD; 1990, Suiza. Sello: BIS) .

11:30
24 noviembre 2024: 90 años de ALFRED SCHNITTKE (1934-1998, Rusia-Alemania)

11:34
24 noviembre 2024: 90 años de ALFRED SCHNITTKE (1934-1998, Rusia-Alemania)
Schnittke vivió en la URSS por 4 decenios, pero tras varios viajes a Europa y Estados Unidos, abandonó su tierra natal, en 1989, al ser invitado para dar clases de composición en Hamburgo. Dos años después, le sería concedido uno de los galardones de la última edición de los Premios Lenin, aunque él los rechazó, renegando por completo de la deriva musical soviética, pues pocos meses después la URSS se hundiría.
En 1961 ingresó a la Unión de Compositores, y rápidamente, se convirtió en uno de los más prominentes compositores de bandas sonoras del cine soviético y junto con Rodión Schderín sentó las bases de una modernidad aceptable dentro de la política cultural soviética.
Aunque hasta mediados de los ochenta, su música fue vista con recelo, por parte de la unión de compositores de la URSS, sus obras siempre se estrenaron con puntualidad, exceptuando su Sinfonía No. 1, donde, dado este recelo, se maquilaron varios ataques contra él y sus obras.
Entre las influencias de Alfred, destaca Shostakóvich, con quien mantuvo una relación tortuosa, así como la de Prokófiev y la vanguardia europea de la primera mitad del siglo, cuya música pudo estudiar, y a partir de dicho estudio, empezó a componer de acuerdo a estructuras seriales, y tiempo después, simplificaría su estilo componiendo en un estilizado poliestilismo, donde según sus propias palabras resumió: “El objetivo de mi música es la unificación de la música seria y la música ligera, aunque me rompa el cuello haciendolo”.
Finalmente, fallece el 3 de agosto de 1998, a los 63 años de edad, por motivos de salud.

11:37
ALFRED SCHNITTKE (1934-1988, Rusia-Alemania, compositor, pianista, profesor y músico) .Canon in Memory of I. Stravinsky (1971) . (Canon en memoria de I. Stravinsky) .
Int. Kronos Quartet: David Harrington, violín; John Sherba, violín; Hank Dutt, viola y Joan Jeanrenaud, chelo.
Música del álbum: “Kronos Quarter performs Alfred Schnnittke. The complete strings quartets” (El Cuarteto Kronos interpretando a Alfred Schnittke. Los cuartetos de cuerdas completo) . (CD,1998, Alemania. Sello: Nonesuch) .

11:44
24 noviembre 2024: 90 años de ALFRED SCHNITTKE (1934-1998, Rusia-Alemania)
ALFRED SCHNITTKE (1934-1988, Rusia-Alemania, compositor, pianista, profesor y músico) .
Collected songs where every verse is filled with grief (1984-85) . (Colección de canciones donde cada verso está lleno de dolor) .
Int. Kronos Quartet: David Harrington, violín; John Sherba, violín; Hank Dutt, viola y Joan Jeanrenaud, chelo.
Música del álbum: “Kronos Quarter performs Alfred Schnnittke. The complete strings quartets” (El Cuarteto Kronos interpretando a Alfred Schnittke. El cuarteto de cuerdas completo) . (CD,1998, Alemania. Sello: Nonesuch) .

11:52
24 noviembre 2024: 90 años de ALFRED SCHNITTKE (1934-1998, Rusia-Alemania)

11:55
CÁPSULAS/EN CLAVE MUSICAL 5′

12:01
CÁPSULAS/ Murmullo de Sirenas (25) 4’55”

12:07
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN UNESCO 2023: 12.1 LETONIA
Andris DzenTtis (n.1978) se siente más a gusto con las composiciones de gran formato, tanto en términos de tiempo como de composición, en las que puede tomarse su tiempo y disfrutar plenamente de las ilimitadas posibilidades de color disponibles con una orquesta y las voces corales variadas, rindiéndose así a un flujo de tiempo sin prisas y un mensaje presentado secuencialmente. Su lenguaje musical es contemporáneo y romántico, muy expresivo y a la vez reservado y contemplativo. Las obras de DzenTtis son una parte esencial de la vida concertística de Letonia, pero también han ganado una amplia resonancia internacional y se interpretan regularmente en importantes festivales en el extranjero, como “Warsaw Autumn” (1997, 2013) , “Gaida” (1998, 2002) en Vilnius, “MaerzMusik” de Berlín (2003) , “Nyyd” 2003 en Tallin, varios festivales de música nueva “Arena” en Riga, Festival de Música de Bergen 2005, “Klangspuren Schwaz” 2005, “Time of Music” en Viitasaari (2006) , “ISCM World Music Days” en Hong Kong, Beijing y Tartu (2007, 2018 y 2019) , “Estonian Music Days” 2011, “Tallinn Music Week” (2011) ) , entre otros.
Las obras de DzenTtis se han incluido en los repertorios de los conjuntos más renombrados de Letonia, así como en los de conjuntos y músicos líderes en el extranjero, incluido el conjunto de percusión “Kroumata” (Suecia) , el Cuarteto de cuerdas de Silesia (Polonia) , “Paragon Ensemble” (Escocia) , “Pierrot Lunaire” Ensemble Wien, orquesta sinfónica de Boston y orquesta sinfónica “Gewandhaus” bajo la dirección de Andris Nelsons y “Ensemble Modern” con los directores Peter Eiitviis, Anu Tali y Clemens Heil.
Recibió tres veces el premio más alto en música de Letonia, el Gran Premio de Música de Letonia, en 2006 por su obra sinfónica vocal “Fides. Spes. Caritas”, en 2014 por su concierto para saxofón y orquesta “E (GO) ” y nuevamente en 2022 por su segunda sinfonía “Viento cálido”. www.dzenitis.webs.com

12:10
El Credo es una parte significativa de la liturgia, representando una voluminosa y conceptualmente responsable declaración de fe en Dios y sus obras. La creencia es un valor fundamental y evidente, ya que significa ser consciente de la existencia de las cosas. Ya sea en contextos religiosos o no religiosos, es difícil no creer en nada.La creencia es la afirmación de nuestra existencia y realidad como parte de este mundo, que existe por una razón. Este texto hace referencia a la versión del Credo adoptada por la Iglesia de Constantinopla en el año 381.
El Coro de la Radio de Letonia posee un mecanismo de voces puro y delicado que puede lograr casi cualquier cosa. Sus personalidades brillantes son excepcionales.
Esta obra está dedicada a ellos.

12:11
ANDRIS DZENTTIS (1978, Letonia)Credo
Int. Coro de la Radio de Letonia, State Chamber Orchestra “Sinfonietta Riga”, Marta Sparnina violín, Ivo Kruskops vibráfono, Sigvards Klava conductor.
OP / RADIO Y PRODUCCION / DISCOTECA / TRIBUNA INTERNACIONAL / 12.1_Dzenttis_Credo_S301124_(14’10”)

12:25
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN UNESCO 2023: 12.1 y 12.2 LETONIA

12:26
ALISE RANCANE (Letonia) es una compositora de música contemporánea que ha estado involucrada en varios proyectos de música acústica y electroacústica. Ha estado escribiendo música para conjuntos de música de cámara, creando partituras de música electrónica y experimentando con el sonido y el espacio en varios proyectos e instalaciones de sonido. También ha colaborado con artistas visuales y ha escrito música para teatro.En 2021, se graduó de la Academia de Música de Letonia Jazeps VTtols con una maestría en composición, donde estudió con Rolands Kronlaks y Janis Petraskevics. Como parte del programa Erasmus, estudió en el Royal College of Music de Estocolmo, composición con Per Martensson y música electroacústica con Mattias Petersson.
Ha mejorado sus conocimientos en varias clases de maestría. De 2013 a 2016 participó en clases magistrales de composición en Madona como parte del Festival de Música de Letonia. En diversas clases de maestría, la compositora ha incrementado sus conocimientos en el campo de la espacialización del sonido – en 2018, participó en el curso intensivo NORD+MIX en Lituania (durante las clases de maestría se creó una composición para viola y electrónica) .
Como oyente, participó en el festival de música contemporánea AFECT en Tallin y en el simposio internacional November Space en Estocolmo, donde se prestó atención a las tecnologías de espacialización del sonido. En 2019, creó la composición pax animi para la Orquesta de Altavoces de Berlín. En 2021, participa en clases magistrales en Spatial Audio Week (Helsinki) y Nordplus IMMEDIA (Vilnius) .
La compositora también participa en diferentes proyectos como intérprete de música electrónica. Está interesada en la programación musical en tiempo real y en varias formas posibles de interpretar música electrónica.

12:29
Alise Rancane “Ars magna” interpretada por Rudolfs Bacans (tenor) y Alise Rancane (electrónica) .La primera versión de la composición Ars Magna se escribió para coro y electrónica en 2019 y fue interpretada en línea por Latvian Radio Choir. En 2023, el compositor hizo una versión para una voz y electrónica, y la pieza se interpretó ante una audiencia en vivo como parte del Festival de Música Contemporánea JVLMA deciBels.
Los medios musicales de expresión de la pieza están subordinados al texto, donde se alternan verdades algorítmicas con secciones musicales de corazón duro.

12:31
ALISE RANCANE (Letonia)Ars magna (2019)
Int. Rudolfs Bacans, tenor; Alise Rancane, electrónica.
OP / RADIO Y PRODUCCION / DISCOTECA / TRIBUNA INTERNACIONAL / 12.2_Rancane_Ars_Magna_S301124_(9’42”’)

12:41
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN UNESCO 2023: 12.2 LETONIA

12:42
CÁPSULAS/ Peso Colibrí (1018) 2’07”

12:45
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN UNESCO 2023: 13.1 Lituania
Diana Cemeryte (n. 1974, Lituania) se graduó en teoría musical en el Conservatorio de Vilnius en 1994, mientras que en el 2000 terminó sus estudios de maestría en composición con el prof. Osvaldas Balakauskas en la Academia Lituana de Música y Teatro. En 1998-2001 trabajó como editora y presentadora del programa clásico de la Radio Nacional Lituana. Entre 2003 y 2006 estudió musicología en la Universidad Johann Wolfgang Goethe de Frankfurt en Main. Diana Cemeryte participó en numerosos cursos de composición y cursos de canto gregoriano impartidos por Toshia Hosokawa, Helmut Lachenmann, Beat Furrer, Brian Ferneyhough, Godehard Joppich y muchos otros.
Es invitada habitual en festivales y conciertos de música contemporánea en Lituania, Austria, Chipre, Serbia, Polonia, Alemania, Colombia y Gran Bretaña. Sus composiciones se presentan en varios festivales internacionales, por ejemplo, Kasseler Musiktage (2005, 2009) , Cursos internacionales de verano para música contemporánea en Darmstadt (2006) , Festival Gaida (2005) , Festival internacional Thomas Mann (2017) , International Review of Composers en Belgrado (2019, 2021) , Baltic Music Days Festival (2021) , Sacrum Profanum Festival (2022) y otros. Sus obras incluyen música de cámara, música coral, obras orquestales y dos óperas para niños. Como compositora independiente, Diana Cemeryte vive actualmente cerca de Frankfurt en Main.

12:47
“2020 comenzó como cualquier otro año. En enero visité el museo de Johann Sebastian Bach y la iglesia de Santo Tomás en Leipzig (Alemania) , donde el compositor trabajó y compuso durante mucho tiempo. Luego llegó marzo y todos en Europa quedamos encerrados entre las cuatro paredes de la cuarentena. No había conciertos, ni estrenos, ni vida cultural. Una vida cultural débil ardía solo en línea. Intuitivamente comencé a buscar conciertos de la iglesia de Santo Tomás y poco a poco comencé a vivir con la música de Bach. Especialmente armonicé con el Aria “Meine Seele wartet” (“Mi alma espera al Señor”) de la cantata “Desde las profundidades llamo, Señor, a Ti”. Esta música simplemente me abrumaba, seguía resonando permanentemente en mi cabeza y obviamente exigiendo ser transformada a los nuevos sonidos… Así, mi pieza comienza como el Aria de Bach con el compás 12 sobre 8 y el tempo Lento. El motivo melódico de esta aria es muy importante para toda la obra – es la clave de toda la pieza. También la pulsación rítmica – una secuencia de notas negras y corcheas del piano es muy importante para mí. El aria de Bach incluye una hermosa melodía de coral protestante “Herr Jesu Christ, du hochstes Gut” (“Señor Jesucristo, tu bien supremo”) , cuyo fragmento también utilicé en las partes de flauta y clarinete al final de mi obra”.

12:49
DIANA CEMERYTE (1974 Lituania) “Meine Seele wartet” (Mi alma está esperando) (2020)
Int. Ensembles SYNAESTHESIS
OP / RADIO Y PRODUCCION / DISCOTECA / TRIBUNA INTERNACIONAL / 13.1_Cemeryte _Mi alma está esperando_S301124_(8’42”)

12:58
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN UNESCO 2023: 13.1 Lituania

13:00
SRIES/LA ARAÑA PATONA 28′

13:30
CÁPSULAS/Violencia VS Mujer (9) ”’

13:36
NEW MEXICAN MUSIC FOR SAXOPHONE QUARTET
SIGMA Project es un cuarteto de saxofones español que nos visita con regularidad desde noviembre de 2012, y que ha trabajo en el desarrollo y estreno de alrededor de 15 obras de compositoras y compositores mexicanos.
En este álbum “New Mexican Music for Saxofone Quartet: Ibarra, Vázquez, Paredes, Fuentes, Torres Maldonado. SIGMA Project” se encuentran seleccionadas 5 obras, para mostrar el amplio abanico de generaciones, así como la gran variedad de estéticas musicales. Estas piezas de Arturo Fuentes, Víctor Ibarra, Hilda Paredes, Javier Torres Maldonado y Hebert Vázquez, han sido promovidas por SIGMA Project, están dedicadas y escritas específicamente para ellos, y las han estrenado en diversos ciclos, festivales y conciertos.

13:37
Hila Paredes (1957 México – Inglaterra) descubrió que el saxofón tiene muchas más posibilidades expresivas que las imaginadas anteriormente al explorar sus expresiones espacializadas. Dice la compositora: “Inicialmente, la obra está concebida para tener al público en el centro y a los músicos moviéndose alrededor. No se trata de un movimiento al azar; se trata de que las distintas posiciones de los saxofonistas respondan a las diferentes secciones de la pieza y a las diversas texturas que estas proponen”. Su partitura titulada “Espacios Intemporales”, inicia con una nota pedal compartida por los cuatro instrumentos, que, en la ejecución en vivo, ‘viaja’ alrededor del público. Además, hacer lucir el virtuosismo de los intérpretes y las técnicas extendidas de ejecución: multifónicos, notas con mucho aliento y sin altura, y elementos percusivos con las llaves de los instrumentos.

13:38
HILDA PAREDES (1957 México – Inglaterra)”Espacios Intemporales”, para cuarteto de saxofones.
Int. SIGMA Project: Andrés Gomis, saxofón soprano/tenor; Ángel Soria, saxofón alto; Alberto Chaves, saxofón tenor; Josetxo Silguero, saxofón barítono / soprano.
Música del álbum “New Mexican Music for Saxofone Quartet: Ibarra, Vázquez, Paredes, Fuentes, Torres Maldonado. SIGMA Project” (CD 2022 EU, mode records) .

13:56
NEW MEXICAN MUSIC FOR SAXOPHONE QUARTET

13:57
CÁPSULAS/ Peso Colibrí (1019) 3’26”

14:04
NEW MEXICAN MUSIC FOR SAXOPHONE QUARTET
Continuaremos escuchando este álbum discográfico “New Mexican Music for Saxofone Quartet: Ibarra, Vázquez, Paredes, Fuentes, Torres Maldonado. SIGMA Project” (CD 2022 EU, mode records) .
“Grande Équerre (Plaza Grande) : ensayo sobre la negación”, de Víctor Ibarra (1978 México) tiene como una de sus características principales una serie de cambios de dotación instrumental; es decir, de combinación de saxofones, que pasa, incluso, por la dotación básica de soprano, alto, tenor y bajo, lo que concede a la obra unja enorme variedad tanto de timbres como de registros. Inicia con lo que podría percibirse como una serie de llamadas, interrumpidas por tensos silencios. Si bien se enfatiza aquí el registro profundo de los saxofones graves (nótese la utilización de un saxofón bajo y dos saxofones barítonos) , muy pronto, sin embargo, el compositor combina los registros instrumentales extremos, obteniendo así una variada paleta sonora.
A lo largo de la obra, es evidente que el empleo de numerosos, variados y exigentes recursos de producción sonora no están reñidos con la expresividad, elemento que da origen a una serie de cambiantes estados de ánimo que en cierta medida siguen la división tripartita de la obra.
El compositor establece un diálogo entre la música y el pintor Antoni Tâpies a través del análisis del arquitecto Juan José Lahuerta, a propósito de la obra Grande Équerre (Plaza Grande) de Tâpies.
En dicho texto, Lahuerta describe el cuadro mediante la imposición de una triple negación. La primera: en donde el cuadro simboliza un bastidor de madera con tablones gastados, agujeros de clavos en las cuatro esquinas; un cuadro al revés, en donde el anverso sucumbe al reverso y lo visual a lo táctil. La segunda negación, más breve, en donde nos tropezamos con la equis, símbolo de tachado, la negación misma o la superstición. Y la tercera, más breve aún: el cuadro como una ventana, para mirar hacia afuera. Del otro lado, quizás habría la nada.

14:07
VÍCTOR IBARRA (1978 México)”Grande Équerre (Plaza Grande) : ensayo sobre la negación” (2014)
Int. SIGMA Project: Andrés Gomis, saxofón soprano/alto; Ángel Soria, saxofón barítono/alto; Alberto Chaves, saxofón barítono/soprano; Josetxo Silguero, saxofón bajo/tenor.
Música del álbum “New Mexican Music for Saxofone Quartet: Ibarra, Vázquez, Paredes, Fuentes, Torres Maldonado. SIGMA Project” (CD 2022 EU, mode records) .

14:20
NEW MEXICAN MUSIC FOR SAXOPHONE QUARTET
Hebert Vázquez (1963 Uruguay – México) , compuso “Bajo la Higuera” (2020) para la dotación tradicional del cuarteto de saxofones: soprano, alto, tenor y barítono. El compositor comenta que el título y el trayecto sonoro de su pieza tienen como ancla el episodio central de la vida de Siddhartha Guatama, es decir, su tránsito hacia la iluminación. En la ciudad de Bodhgaya, en el noreste de la India, Siddhartha Guatama se sienta en una higuera con el propósito de no levantarse hasta haber alcanzado el estadio superior de conciencia al que aspira. Hay en esta historia cierto paralelismo con las tentaciones de Jesús en el desierto. En el caso de Siddhartha, la entidad tentadora (o demonio) se llama Mara. Siddhartha resiste todo acoso y a los 45 días de su meditación, despierta (en muchos sentidos) , se ilumina y se convierte en Buda, a los 35 años de edad.
“Bajo la Higuera” (2020) se compone de texturas apretadas en cierta forma homogéneas, destacando la ausencia de solos para los saxofones individuales. Esas texturas se sustentan también en complejas combinaciones de modos de producción sonora. Hay una sección aérea (solo soplos) que simboliza el triunfo de Siddhartha y la llegada de la paz interna. Su sección final es un tranquilo oleaje, que finalmente se va deteniendo poco a poco, dejando la impresión de un trayecto (más interno que físico) que concluye.

14:22
HEBERT VÁZQUEZ (1963 Uruguay – México)”Bajo la Higuera” (2020)
Int. SIGMA Project: Andrés Gomis, saxofón soprano; Ángel Soria, saxofón alto; Alberto Chaves, saxofón tenor; Josetxo Silguero, saxofón barítono.
Música del álbum “New Mexican Music for Saxofone Quartet: Ibarra, Vázquez, Paredes, Fuentes, Torres Maldonado. SIGMA Project” (CD 2022 EU, mode records) .

14:36
NEW MEXICAN MUSIC FOR SAXOPHONE QUARTET
“Influx” (2012) de Arturo Fuentes (1975 México – Austria) fue compuesta atraído por lo que él llama “La maleabilidad, la flexibilidad y esa especie de liquidez” del instrumento. En palabras del compositor: “Percibí de inmediato la fluidez que tiene el cuarteto de saxofones y que es, a la vez, como un arma de doble filo. Tenemos por un lado una sonoridad que es muy redonda, que puede ser muy empática, entre los saxofones y por el otro, puede dar lugar a la monotonía. He tratado de explorar en “Influx” todo lo que alude a las texturas, a la parte rítmica que es potentísima en los saxofones graves (por ejemplo, un intricado dúo rítmico entre el saxofón bajo y el barítono) y a la vez el registro tan amplio del ensamble de saxofones. En cuanto a la agilidad del saxofón y el virtuosismo, creo que se trata de cualidades que conforman un eje que puede dividir una dialéctica para el compositor y para el intérprete. Se puede llegar a un virtuosismo circense, o se puede integrar ese virtuosismo a las cualidades que he mencionado”

14:38
ARTURO FUENTES (1975 México – Austria)”Influx” (2012)
Int. SIGMA Project: Andrés Gomis, saxofón soprano; Ángel Soria, saxofón barítono; Alberto Chaves, saxofón alto con string drum; Josetxo Silguero, saxofón bajo.
Música del álbum “New Mexican Music for Saxofone Quartet: Ibarra, Vázquez, Paredes, Fuentes, Torres Maldonado. SIGMA Project” (CD 2022 EU, mode records) .

14:48
NEW MEXICAN MUSIC FOR SAXOPHONE QUARTET
La materia sonora de “Masih” (2013) , de Javier Torres Maldonado (1968 México – Italia) contiene una destacada componente eólica, hecha de aires diversos y diversificados, lograda a través de una bien balanceada combinación de aire y de alturas determinadas en los saxofones junto con sonidos percusivos.
Aire, alturas y sonidos percusivos se combinan, se alternan, convergen y se separan para producir un discurso musical en varios planos simultáneos.
Masih es un término de la lengua indonesia que significa ‘aún’, ‘todavía’, ‘sigue’. Y también, un casi anagrama de Sigma, dice el compositor. Así la obra guarda una relación directa con el cuarteto.

14:49
JAVIER TORRES MALDONADO (1968 México – Italia)”Masih” (2013)
Int. SIGMA Project: Andrés Gomis, saxofón soprano; Ángel Soria, saxofón alto; Alberto Chaves, saxofón tenor; Josetxo Silguero, saxofón barítono.
Música del álbum “New Mexican Music for Saxofone Quartet: Ibarra, Vázquez, Paredes, Fuentes, Torres Maldonado. SIGMA Project” (CD 2022 EU, mode records) .

14:59
NEW MEXICAN MUSIC FOR SAXOPHONE QUARTET

15:03
CÁPSULAS/ Poemas MC (1686) 3’31”

15:08
Mujeres en la Música: Marina Rosell y el humanismo en la melodía
Hay canciones que logran hacerte sentir que todo va a estar bien. A veces la letra puede incluso tener el mensaje contrario, “la veu exquisita” como califican la voz de Marina Rosell, la cantautora de quien hablaremos hoy, sin duda tiene que ver con el efecto endulzante parecido al que buscan las madres con las canciones de cuna, pero hay algo más en su música y se trata de al menos dos factores más: por un lado, la intención de provocar empatía y sensibilidad; por otro lado, la mezcla gentil de géneros como la habanera y la nova cançó. El contexto de Marina Rosell también se despliega en los últimos años del franquismo, cuando la música era contundente sí o sí, desde el grito de libertad que representaba poder expresar las distintas represiones o tristezas a través del arte. La música empezó a diversificarse desde el catalán y otras lenguas españolas, transmitiendo mensajes importantes de sus sociedades a través de cantautores como Marina Rosell. Ahora bien, hay algo muy particular acerca del género que Marina escoge particularmente para el disco “Vistas al mar”. “La habanera” género presente en varios territorios empezando por Cuba y llegando hasta Latinoamérica por la historia colonial de España, es una peculiar forma de militancia de nuestra cantautora. Primero tenemos que mencionar lo suave y flexible que es este género al tener un ritmo lento de 60 pulsaciones por minuto, un compás binario y una cantada compartida a coro usualmente. Después que las letras que, están intervenidas en algunas canciones de este disco por la pluma de Marina, provocan nuestra cercanía con algunos contextos históricos difíciles que hemos atravesado como sociedades multiculturales. De “Vista al mar” sobresale el deseo de compartir sentir, visión, atención hacia lo más importante de la vida que es con quienes la compartimos.

15:11
MARINA ROSELL (Marina Rossell i Figueras) (1954, Castellet y Gornal, Barcelona) .Mi madre fue una mulata; Guarda esa flor; De qué hablas habanera; El Meu Avi; El adiós del soldado.
Int. Maurici Villavecchia, piano, acordeón Hohner; Eduard Iniesta, guitarras, mandola, tambur Cümbus, tours, baglamas, saz turko, lauto, voces; Roger Blavia, percusiones orgiinales, Sónia Zurriaga, acordeón Bugari Armando; Melquiades V. Obregón, bajos; Jaume Sisa; voces en 11; Cristina Vilallonga voz en 8; Port Bo, voces en 5; Carlos Canos voces en bonus track; Dir. Maurici Villavecchia.
Música del álbum: Vista al mar (CD 2006 Barcelona, World Village) .

15:27
Mujeres en la Música: Marina Rosell y el humanismo en la melodía

15:30
CÁPSULAS/ Cómo ves / Centrales (51) 5’06”

15:36
Mujeres en la Música: Marina Rosell y el humanismo en la melodía
Las habaneras, aun viniendo de una época en donde el mundo era otro, son percibidas necesarias para suavizar algunas diferencias radicales de nuestra sociedad, se sienten necesarias para suavizar las asperezas de las vicisitudes cotidianas. De ahí que varias de las canciones que escuchamos en el disco, exceden lo personal y tocan temas transversales a la humanidad. El canto y las adaptaciones que construye Marina Rosell sobre grandes historias de amor sirven para abrirnos camino en un tiempo de compartir reflexiones y sentires. En entrevista con la revista Clarín, Marina compartió algunos de los temas que residen en las canciones de este disco y es muy admirable que en casi la totalidad deposite un mensaje sobre las vicisitudes de las fronteras, del viaje inherente entre culturas que tuvo origen en el fenómeno colonial que dio vida a las habaneras. Pero no se trata de un fenómeno muerto, las repercusiones del tránsito, la violencia, la falta de aceptación de la diferencia sigue dando cabida a líneas de fuego, y es así que Marina sigue cantando con suavidad sobre las injusticias, los miedos y los dolores colectivos, como en el caso de la canción Ruta de Estrellas. La maravilla es que la pausa, el ritmo lento, la ternura en la voz y la ejecución de las y los intérpretes, nos brinde un espacio de serenidad entre todo el caos.

15:38
MARTIRIO (MARÍA ISABEL DE LA CINTA) (1954, Huelva, España) .Rosina; La paloma; La golondrina; Llop de mar; Ruta de estrellas.
Int. Maurici Villavecchia, piano, acordeón Hohner; Eduard Iniesta, guitarras, mandola, tambur Cümbus, tours, baglamas, saz turko, lauto, voces; Roger Blavia, percusiones orgiinales, Sónia Zurriaga, acordeón Bugari Armando; Melquiades V. Obregón, bajos; Paco Ibáñez; voz en 9; Carlos Canos voces en bonus track; Dir. Maurici Villavecchia.
Música del álbum: Vista al mar (CD 2006 Barcelona, World Village) .

15:55
Mujeres en la Música: Marina Rosell y el humanismo en la melodía

15:56
CÁPSULAS/Trayecto Sonoro (296) 3’18”

16:00
SERIES / ESQUINAS AZAR (RTS DEL MARTES) 12′

16:15
AUTORES ANÓNIMOSSelección de canciones de la Antigua Rusia
Int. Coro Masculino de Moscú;
Dir. Anatoly Grindenko
(1996, Francia, sello Opus 111)

16:30
Poesía en Voz Alta

17:00
SERIES / SABEN LAS PALABRAS 28′ (RTS DEL LINES)

17:30
SERIES / GABINETE DE CURIOSIDADES 15′

17:46
ERNESTO CAVALLINI (1807-1874, Italia) “Fiori rossiniani” del álbum “Rossini y España. Música para clarinete de la España romántica”
Int. Joan Enric Lluna, clarinete;
Nigel Clayton, piano
(2001, sello Harmonia Mundi)

18:02
SERIES / MUNDOFONÍAS

19:01
SERIES / ISLAS RESONANTES

19:52
ajuste cápsula 7 minutos

20:02
presenta radiodrama (ojo ya no hay texto de contexto) .

20:03
SERIES / R-DRAMAS Ninfosis – DURACION: 34’00”

20:39
CÁPSULAS/ Ráfagas Pensamiento (386) 4’16”

20:44
MUJERES EN EL JAZZ: Nina Simmone, cantante, pianista y compositora
Nina Simone fue una de las más dotadas vocalistas de su generación, así como una de las más eclécticas. Simone fue cantante, pianista y escritora de canciones; variaba entre géneros musicales como jazz, blues, pop, R&B y góspel; siempre con una pasión, honestidad emocional y sobria técnica vocal que mantuvo a lo largo de su carrera.
Nina Simone, nacida como Eunice Kathleen Waymoon (1933-2003 EU) , desde joven decidió que su carrera sería la música. Empezó tocando en un bar de Nueva Jersey donde rápidamente ganó una serie de leales seguidores gracias a la mezcla que ofrecía de jazz, blues y los clásicos de la música popular estadounidense, llevándola a dar pequeñas giras por conocidos bares de la costa este de los Estados Unidos. Así, firmó un contrato con el sello discográfico Bethlehem Records.
Con la salida de cada uno de sus primeros álbumes, Simone iba ganando notoriedad por sus poderosas presentaciones en vivo. Esta primera etapa de la cantante es caracterizada porque dominaba los estándares del jazz de aquella época, los cuales tendremos el gusto de escuchar a continuación en interpretación de esta gran cantante, Nina Simone.

20:46
NINA SIMONE (1933-2003 EU, compositora, pianista y cantante)Central Park Blues
DUKE ELLINGTON (1899-1974, EU, compositor, pianista y líder de big band)
Mood Indigo (Humor índigo) ; Solitaire (Solitaria) .
Int. Nina Simone, voz.
Música del álbum Nina Simone Deluxe (3 CDs 2013, México. Sello: Music Brokers)

20:59
MUJERES EN EL JAZZ: Nina Simmone, cantante, pianista y compositora

21:04
FUSIÓN: CABARET MODERN
La palabra holandesa “spiegeltent” se compone de dos elementos: “spiegel”, “espejo” y “tent”, “tienda” o “carpa”. En este sentido, la traducción literal del término sería “tienda espejo”. Sin embargo, una adaptación más adecuada sería “carpa”, una carpa itinerante que se viste de espejos, elegantes y coloridas telas, luces y múltiples objetos de color que sirven de ornato a una estructura de madera. Esta construcción posibilita la conformación de un escenario perfecto para una gran variedad de presentaciones artísticas.
El 17 de marzo de 2003, München, Alemania alojó la carpa Magic Mirror (“Espejo mágico”) , una spiegeltent de 26 metros de diámetro con capacidad para 1100 invitados. Todos los continentes han sido anfitriones de este escenario itinerante, aunque Europa es su espacio predilecto. En esa fecha, ahí se realizó la grabación de Cabaret modern (“Cabaret moderno”) .
Abrimos nuestro espacio musical Fusión con una selección de siete piezas de la producción discográfica Cabaret modern. A night at the magic mirror tent (“Cabaret moderno. Una noche en la carpa Espejo mágico”) .

21:06
ANDRÉ MARIUS MONTAGARD (Francia, 1888-1963, poeta, compositor) /// CHARLES L. F. COURTIOUX /// JEAN-LOUIS COSTES (Francia, 1954, compositor, artista de performance) – Ouverture. Maréchal, nous voilà! Die Stadt und die Mafia (“Obertura. ¡Mariscal, aquí estamos! La ciudad y la mafia”)
GEORG KREISLER (Austria, 1922-2011, cantautor, compositor)
– Zu leise für mich (“Demasiado tranquilo para mí”)
PAOLO CONTE (Italia, 1937, compositor)
– Via con me (“Ven conmigo”)
SERGE GAINSBOURG (Francia, 1928-1991, cantante, compositor, actor)
– SS in Uruguay (“SS en Uruguay”)
MABEL WAYNE (Estados Unidos, 1890-1978, compositora) /// L. WOLFE GILBERT (Ucrania, 1886-1970, compositor)
– “Ramona”
JEAN-LOUIS COSTES (Francia, 1954, compositor, artista de performance)
– Couché sur le Lit (“Acostado en la cama”)
MICHAEL CARR (Gran Bretaña, 1905-1968, compositor) /// JIMMY KENNEDY (Irlanda, 1902-1984, compositor) /// PAUL MISRAKI (Turquía, 1908-1998, compositor)
– On ira pendre notre linge sur la ligne Siegfried (“Colgaremos nuestra ropa en la línea Siegfried”)
Int. Alex Haas, voz, bajo. Noël Akchoté, guitarra, voz. Giovanna Cacciola, voz. Jean-Louis Costes, voz, piano. John Greaves, voz, bajo eléctrico. Red, voz, guitarra. Charlie O., piano, armonio, voz. Christian Ludwig Mayer, acordeón. Stefan Noelle, voz, tarola.
Música del álbum: Cabaret modern. A night at the magic mirror tent (“Cabaret moderno. Una noche en la carpa del espejo mágico”) . (CD, 2003, Alemania, sello Winter &Winter) .

21:29
FUSIÓN: CABARET MODERN

21:30
CÁPSULAS/ Éxtasis Dalí (428) 5’00”

21:36
FUSIÓN: CABARET MODERN
Una spiegeltent, como el “Espejo mágico”, está hecha de madera, se cubre con lonas, es aderezada con vidrios con plomo, espejos cortados y detalles en terciopelo. Desde inicios del siglo XX, estas carpas han sido utilizadas para bailar y catar vinos. En las ferias de Bélgica, la spiegeltent era el lugar preferido para divertirse. Actualmente, son pocas las carpas de esta naturaleza las que se conservan. La familia Van Rosmalen posee una colección de estos espacios itinerantes, entre los cuales está el “Espejo mágico”, escenario de la grabación Cabaret modern (“Cabaret moderno”) , producción discográfica protagonista de Fusión esta noche. Este disco es un proyecto colectivo cuya dirección estuvo a cargo de Noël Akchoté, quien también participa como guitarrista y cantante.
En seguida presentamos una selección más de Cabaret modern. A night at the magic mirror tent (“Cabaret moderno. Una noche en la carpa Espejo mágico”) . Comenzamos con “Tomorrow belongs to me” (“El mañana me pertenece”) . La letra fue escrita por Fred Ebb y la música es trabajo del estadunidense John Kander. Johh Kander es compositor de varios musicales de Broadway, entre ellos destacan “Chicago” y “Cabaret”. De este último, por cierto, forma parte “Tomorrow belongs to me” (“El mañana me pertenece”) .

21:38
JOHN KANDER (Estados Unidos, 1927, compositor) /// FRED EBB (Estados Unidos, 1928-2004, letrista de musicales) – Tomorrow belongs to me (“El mañana me pertenece”)
LOU REED (Estados Unidos, 1942-2013, poeta, cantante, guitarrista, compositor)
– All tomorrow’s parties (“Todas las fiestas de mañana”)
MISCHA SPOLIANSKY (Rusia, 1898-1985, compositor) /// FRITZ ROTTER (Austria, 1900-1984, escritor, compositor)
– Es ist nie zu spät für eine schöne Stunde (“Nunca es tarde para una hora agradable”)
PHILIPPE SARDE (Francia, 1948, compositor)
– La Grande Bouffe (“La gran comida”)
CANCIÓN TRADICIONAL
– Les Trois Orfèvres (“Los tres orfebres”)
ENNIO MORRICONE (Italia, 1928, compositor, director de orquesta) /// GHIGO DE CHIARA (Libia, 1921-1995, escritor) /// MAURIZIO COSTANZO (Italia, 1938, periodista, presentador de televisión, libretista, guionista)
– Se telefonando (“Llamando”)
JEAN-LOUIS COSTES (Francia, 1954, compositor, artista de performance)
– Marschall, hier bin ich (“Mariscal, aquí estoy”)
Int. Alex Haas, voz, bajo. Noël Akchoté, guitarra, voz. Giovanna Cacciola, voz. Jean-Louis Costes, voz, piano. John Greaves, voz, bajo eléctrico. Red, voz, guitarra. Charlie O., piano, armonio, voz. Christian Ludwig Mayer, acordeón. Stefan Noelle, voz, tarola.
Música del álbum: Cabaret modern. A night at the magic mirror tent (“Cabaret moderno. Una noche en la carpa del espejo mágico”) . (CD, 2003, Alemania, sello Winter &Winter) .

21:59
FUSIÓN: CABARET MODERN

22:02
CINE SONORO-DISCOTECA 58′

22:05
CARTER BURWELL (Estados Unidos,1954)Selección de la banda sonora de: Corazón de Caballero (2001)
QUEEN (Inglaterra, 1970)
We Will Rock You
WAR (Estados Unidos, 1978)
Low Rider
RANDOLPH CHARLES BACHMAN (Canadá, 1943)
Turner Overdrive , Takin’ Care Of Business
DAVID BOWIE (Inglaterra, 1947- Estados Unidos, 2016)
Golden Years
HEART (Estados Unidos, 1970)
Crazy on you
ERIC CLAPTON (Inglaterra, 1945)
Further On Up The Road
RARE EARTH (Estados Unidos, 1960)
Get Ready
[Sello Discográfico: Columbia, 2001]

22:28
CARTER BURWELL (Estados Unidos,1954)Selección de la banda sonora de: Corazón de Caballero (2001)
SLY AND THE FAMILY STONE (Estados Unidos,1966)
I Want To Take You Higher
THIN LIZZY (Irlanda,1969)
The Boys Are Back In Town
CARTER BURWELL (Estados Unidos,1954)
One Of Your Own
ROBBIE WILLIAMS (Inglaterra,1974) QUEEN (Inglaterra, 1970)
We Are The Champions
DAN POWELL (Inglaterra)
Pieces
THIRD EYE BLIND (Estados Unidos,1933)
Eye Conqueror
[Sello Discográfico: Columbia, 2001]

23:11
NOCTURNO ROCK -DISCOTECA 47′

23:11
JENNY HVAL (Noruega, 1980)Spells (Spells, 2018)
DERADOORIAN (Estados Unidos, 1986)
Saturnine Night (Find The Sun, 2020)
CARLA DAL FORNO (Australia, 2010)
So Much Better (Look Up Sharp, 2019)
WHITE LIGHT (Inglterra, 1982)
I Want You To Know Me (Whale, 2021)

23:34
HOLLY HERNDON (Alemania, 1980)Last Gasp (Proto, 2019)
CARL STONE (Estados Unidos, 1953)
Au Jus (Stolen Car, 2020)
CIRCUIT DES YEUX (Estados Unidos, 1988)
Vanishing (io, 2021)
NUHA RUBY RA (Inglaterra, 19-)
My Voice (My Voice, 2022)
GANG GANG DANCE (Estados Unidos, 2001)
Crime Seed (Meditations on Crime, 2022)

00:00
FIN DEL DÍA

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Sábado 30 de noviembre de 2024