FM | Sábado 1 mayo 2021

RADIO UNAM
PROGRAMACIÓN FM

PROGRAMACIÓN ENLAZADA CON AM LAS 24 HORAS DEL DÍA.
0:00
HIMNO NACIONAL

0:03
KEITH JARRETT (1945, EUA; compositor, saxofonista y pianista) “Spheres: 7º movimiento” & “The Windup”
Int. Keith Jarrett, piano; Jan Garbarek, saxofón Soprano; Palle Danielsson, contrabajo; Jon Christensen, bateria.

00:20
JUAN CARLOS RUÍZ (1959, México; compositor y fagotista) “La tumba de Edgar Poe”, “Fracturas internas”, “En busca de la imagen”
Int. Culto sin Nombre: Juan Carlos Ruíz, fagot y programación; Rosa Macotela, piano y voz; Karina Cortés, violín; Vicente Sánchez, percusiones.

00:46
MARILYN MAZUR (1958, Dinamarca, percusionista, compositora, bailarina, vocalista y líder de banda) Dunun Song; Joy Chant; Mother Drum; Mountain Breath;
Creature Walk; Spirit of Air; Música del álbum Elixir (2008, ECM)
Int. Marilyn Mazur, percusiones; Jan Garbarek, saxofón soprano y flauta

1:01
SERIES / TESTIMONIO DE OÍDAS

2:02
PANDELIS KARAYORGIS (1962 Grecia) Transit; Two ophony; elastic; Seventh Wonder; Curt’s Escape; Stray Line
Música del álbum: System of 5 (2011, Suiza, Hat Hut)
Int. Matt Langley, saxofones; Jeff Galindo, trombón; Pandelis Karayorgis, piano; Jef Charland, contrabajo; Luther Gray, batería

2:44
MISHA ALPERIN (1956-2018 Ucrania-Noruega) Tuesday; Tango
Música del álbum: Night (2002, Alemania, ECM)
Int. Misha Alperin, piano, claviola; Anja Lechner, chelo; Hans-Kristian Kjos Sorensen, percusiones

3:02
RAFAL SARNECKI (1982 Polonia) The Student Protest; the Mad man rambles again; Hermeto; The tower of Babel
Música del álbum: The Madman Rambles again (2011, España, FreshSound)
Int. Rafal Sarnecki, guitarra; lucas Pino, saxofón; Pawel Kaczmarczyk, piano; Wojciech Pulcyn, bajo; Lukasz Zyta, batería

3:36
MICHAEL SIMON (1969, Estados Unidos) New York encounter; House of thouhgs; Sabor íntimo
Música del álbum: New York Encounter (2009, España, Fresh Sound)
Int. Michael Simon, trompeta; Miguel Zenón, saxofón alto; Peter Brainin, saxofón tenor; Edward Simon, piano; Andy González, bajo; Boris Kozlov, bajo; Marlon Simon, batería; Roberto Quintero, guitarra, percusiones y voz.

4:02
JULE STYNE (1905-1994 Inglaterra) Everything coming up roses; You’ll never get away form me; Together; Little Lamb; Some people; Mama’s talkin’ soft; Cow song
Música del álbum: Gypsy (2010, España, Fresh Sound)
Int. Herb geller, saxofones; Thad Jones, trompeta, Hank Jones, piano; Soctt LaFaro, bajo; Elvin Jones, batería

4:35
VARIOS COMPOSITORESTree quarter boogie; Flying home; In the Bag; Hamp’s Boogie Woogie no. 1; Loose Wig; Blow top blues; Rockin’ in rhythm
Música del álbum: Jivin the vibes (2005, Italia, Le chant du monde)
Int. Lionel Hampton, percusiones, Paul Howard’s Quality Serenaders; Louis Amstrong with les Hite’s orchestra; Benny Goodman Quartet; Teddy Wilson and his orchestra; Lionel Hampton and his orchestra

5:01
CÁPSULAS/Poemas MC (1257) 3’30”

5:05
VARIOS COMPOSITORESDomino; Getting personal; Impromptune; My foolish heart
Música del álbum: Getting Personal (1992, Canadá, Justin time)
Int. Nelson Symonds Quartet

5:37
TODD GARFINKLE (1928, Middlesex, Massachusetts,Estados Unidos) Jun; Release for those who seek It; Minor Attempts
Música del álbum: Further Attempts (1995, Estados Unidos, M.A. Recordings)
Int. Todd Garfinkle, piano y sirena; Shigeo Sugiyama, chelo y bajo; Tomohiro Yahiro, batería y tabla

6:00
HIMNO NACIONAL

6:11
MÚSICA TRADICIONAL DEL MUNDO: ARMENIA
Canciones tradicionales de Armenia, del álbum Les Maîtres de Musique d’Arménie (2001)
Int. Anna Mayilian, soprano; Hovhannes Darpinian, tar;
Hagop Khalatian, kamantché; Varazdat Hovhannissyan y Armen
Ghazarian, doudouk; Robert Durunts, percusiones.

6:37
CÁPSULAS/Éxtasis Dalí (224) 5′

6:42
MÚSICA TRADICIONAL DEL MUNDO: TRANSILVANIA EXPRESS
Manele, música moderna rumana. Y Mary, suite de temas, improvisaciones y arreglos sobre música klezmer, rumana, búlgara, celta e irlandesa. Piezas del álbum Transilvania Express (2003)
Int. Ensamble Orkestina

7:01
CÁPSULAS/Ráfagas Pensamiento (186) 5’06”

7:06
TRADICIONAL MÉXICANA: MICHOACÁN
ANTIOCO GARIBAY (¿?-1976, México, arpista)
El aguadulce; Las abejas; La torbellina; El veinte; La samba Amalia; La Malagueña; El gusto saleño; La huilota.
Música del álbum: Antioco Garibay y su conjunto de arpa grande La Polvadera (CD 1999, sello, CORASON, México) .
Int. Antioco Garibay, arpa grande, Leandro Corona, 1er. violín, 2a voz, Vicente Hernández, voz prima, guitarra de golpe, Isaías Corona, tamboreador, José Jiménez, 2o violín, voz.

7:35
CÁPSULAS/Garbanzo Libro (52) 4’58”

7:40
TRADICIONAL MÉXICANA
GERARDO TAMEZ (1948, México, compositor, guitarrista)
Tierra mestiza
La consejera
ANONIMO
La petenera (Son Huasteco)
MACEDONIO ALCALÁ (1831-1869, México, violinista, pianista, compositor)
Dios nunca muere
Música del álbum: Sonaranda – Son que ara y anda… (CD 2002, sello, Ediciones M, México)
Int. Sonaranda: Anastasia Guzmán Vázquez, guitarra, jarana huasteca, jarana jarocha, guitarra de golpe, vihuela, caracol, Álvaro López Cruz, tambores tarahumaras de agua, zapoteco, mixteco, chontal, náhuatl; jícara, raspadores, sonajas, conchas de tortuga, güiro, platillos d´rbouka, sasara, cántaros, Darío Federico, Lynn, bajo, caracol, Roberto Panzera Arballo, violin.

7:59
1 MINUTO AJUSTE

8:06
CÁPSULAS/ Quién volviera (26) 4’21”

8:11
1o de mayo: DÍA INTERNACIONAL DE LOS TRABAJADORES
El Día Internacional de los Trabajadores, también conocido como Día del Trabajo en la mayoría de los países y a menudo denominado Primero de Mayo, es una celebración de los trabajadores y las clases trabajadoras que es promovida por el movimiento sindical internacional y ocurre cada año el Primero de Mayo (1 de mayo) .
Si bien puede pertenecer a una tradición de festivales de primavera, la fecha fue elegida en 1889 por razones políticas por el Congreso Socialista Internacional Marxista, que se reunió en París y estableció la Segunda Internacional como sucesora de la anterior Asociación Internacional de Trabajadores. Adoptaron una resolución para una “gran manifestación internacional” en apoyo de las demandas de la clase trabajadora por la jornada de ocho horas. La fecha había sido elegida por la Federación Estadounidense del Trabajo para continuar una campaña anterior por la jornada de ocho horas en los Estados Unidos, que había culminado con el asunto Haymarket, que ocurrió en Chicago el 4 de mayo de 1886. El Primero de Mayo se convirtió posteriormente en un evento anual. La Sexta Conferencia de la Segunda Internacional de 1904, llamó a “todas las organizaciones del Partido Socialdemócrata y los sindicatos de todos los países a manifestarse enérgicamente el primero de mayo por el establecimiento legal de la jornada de ocho horas, por las demandas de clase del proletariado, y por la paz universal”.
El primero de mayo es un día festivo nacional en muchos países del mundo, en la mayoría de los casos como “Día Internacional de los Trabajadores” o un nombre similar. Algunos países celebran el Día del Trabajo en otras fechas importantes para ellos, como Estados Unidos y Canadá, que celebran el Día del Trabajo el primer lunes de septiembre.

8:13
Para amenizar esta celebración internacional, les ofrecemos dos selecciónes de música contemporánea de compositores vivos: “Workers Union” (1975) , de LOUIS ANDRIESSEN (1939, Países Bajos) Y “Winnsboro Cotton Mill Blues” (1979) , de FREDERIC RZEWSKI (1938, en Westfield, Massachusetts, EU)
Workers Union (1975) es una composición de Louis Andriessen destinada a cualquier grupo de instrumentos que suene fuerte; Andriessen no quería perjudicar a las orquestas al proporcionar una lista de instrumentos.
Es una pieza melódicamente indeterminada; esto significa que no hay clave ni melodía definida. La pieza es muy estricta rítmicamente, con solo una guía para subir o bajar los tonos. Las secciones pueden repetirse tantas veces como desee el director, lo que da como resultado diferentes longitudes de interpretación. Cada instrumento toca notas diferentes que siguen el mismo ritmo y patrones ascendentes o descendentes. Esto crea una pieza atonal con muchas frases polifónicas. Hay puntos en la pieza donde el conjunto se divide en dos grupos. Los grupos alternan líneas antes de volver a reunirse. Si se ejecuta correctamente, la pieza suena mecánica ya que la instrumentación funciona al unísono perfecto.

8:14
LOUIS ANDRIESSEN (1939, Países Bajos) Workers Union (1975) . Música del álbum “Gigantic Dancing Human Machine. Bang on a Can plays Louis Andriesen” (“Gigantesca máquina humana bailarina. Bang on a Can interpreta a Louis Andriessen”) (CD 2002, EU, sello: Cantaloupe Music) .
Grabación ‘en vivo’ por ‘Bang on a Can’ : Robert Black, bajo; David Cossin, vibráfono; Lisa Moore, piano; Mark Stewart, guitarra eléctrica; Wendy Sutter, cello; Evan Ziporyn, clarinete bajo.

8:30
despide y

8:31
1o de mayo: DÍA INTERNACIONAL DE LOS TRABAJADORES
Frank Huan, pianista y educador, escribe sobre el compositor FREDERIC RZEWSKI (1938, EU) y su obra”Winnsboro Cotton Mill Blues” :
“Me interesan las obras programáticas, piezas que contienen una historia, porque creo que el propósito inherente de la música es transmitir y expresar ciertas emociones. Con este fin, también tengo predilección por la música de protesta, obras que comentan temas sociales y políticos.
“La música de protesta tiene una larga historia de conectar y resaltar temas importantes de nuestra vida diaria. Vimos esto con el auge de las canciones pacifistas durante la guerra de Vietnam. En la música artística occidental, compositores como Shostakovich incorporarían elementos de protesta en su música para comentar las estrictas y duras leyes de censura durante la dictadura de Stalin. Todos estos esfuerzos fueron para crear conciencia sobre los grandes problemas que estaban sucediendo en ese momento. “Siempre me fascina que el arte tenga el poder de provocar una respuesta tan poderosa y emocional.
“Un compositor que me habla en un nivel similar es el pianista y compositor estadounidense Frederic Rzewski. Aunque compone en una amplia variedad de estilos que van desde el neorromántico, el jazz, la improvisación y técnicas de piano extendidas, es conocido principalmente por su trabajo en canciones de protesta. He estado interpretando una de sus obras más populares: Winnsboro Cotton mill Blues.
“En esta pieza, Rzewski describe una escena de la década de 1930 cuando los trabajadores de la fábrica textil en Winnsboro, Carolina del Sur, comenzaron a cantar letras para reflejar las dificultades del trabajo en las fábricas y promover la camaradería entre los trabajadores.
“Destacados artistas de blues como Lead Belly y Pete Seeger han cantado esta pegadiza canción folclórica. En la versión de Rzewski, utiliza esta melodía mientras emplea técnicas ‘Extendidas’ poco convencionales para imitar los sonidos del molino; ¡esto incluye que el pianista use sus palmas y brazos para lograrlo!”

8:33
FREDERIC RZEWSKI (1938, EU) “Winnsboro Cotton Mill Blues” (1979) , (versión para dos pianos) . Música del álbum “Junctions. Split Second piano ensamble” (“Cruces. Conjunto de piano Split Second”) (CD 2007, México; sello: Urtext) .
Int. Split Second piano ensamble: Roberto Hidalgo & Marc Peloquin, pianos.

8:44
1o de mayo: DÍA INTERNACIONAL DE LOS TRABAJADORES

8:45
CÁPSULAS/Trayecto Sonoro (83) 3’04”

8:49
1º de mayo del 2021: 235 años de “Las Bodas de Fígaro” de Wolfgang Amadeus MozartEstreno_1786_Las Bodas de fígaro, de W. A. Mozart, en Viena, Austria.
Las bodas de Fígaro (en italiano: Le nozze di Fígaro) K. 492, es una ópera buffa (ópera cómica) en cuatro actos compuesta en 1786 por Wolfgang Amadeus Mozart, con un libreto italiano escrito por Lorenzo Da Ponte. Se estrenó en el Burgtheater de Viena el 1 de mayo de 1786. El libreto de la ópera se basa en la comedia teatral de 1784 de Pierre Beaumarchais, “El día loco o Las bodas de Fígaro”. Cuenta cómo los sirvientes Figaro y Susanna logran casarse, frustrando los esfuerzos de su empleador mujeriego, el Conde Almaviva, por seducir a Susanna; y enseñándole una lección de fidelidad.
Piedra angular del repertorio de la ópera, aparece constantemente entre los diez primeros en la lista Operabase de las óperas más representadas.

8:50
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791, Austria) Arias: “Deh vieni, non tardar” (“¡Oh! No te demores”) ; y “Non piu andrai” (“No te irás más”) ;
De la ópera Las bodas de Fígaro K 492 (1786) , en 4 actos. Música del álbum “Mozart Arie & Duetti” (CD 2006, Canadá, sello: CBC Records) .
Int. Isabel Bayrakdarian, soprano; Russell Braun, barítono; Orquesta de la Compañía de Ópera Canadiense; Dir. Richard Bradshaw.

9:07
MÚSICA PARA NIÑES Y NO TAN NIÑES
En la siguiente hora escucharemos a compositores que utilizaron la infancia como leitmotiv para realizar su trabajo.
Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel, op. 28 es un poema sinfónico (es decir toda una trama) de Richard Strauss. Se trata de una crónica de las desventuras y travesuras de Till Eulespiegel, un héroe popular campesino del folklor del norte de Alemania y Holanda. Till tiene dos temas que son interpretados por: el corno francés y el clarinete. El tema del corno es una melodía que alcanza un clímax, cae hacia abaja y finaliza con tres notas largas y fuertes, cada vez más graves. El tema del clarinete es astuto y zalamero, lo cual sugiere a un embaucador, haciendo muy bien lo que mejor sabe hacer.

9:08
RICHARD STRAUSS (1864-1949, Alemania) “Las divertidas aventuras de Till Eulenspiegel”, Op.28 (1895) (grabación de 1957) (CD 1992, sello Music & Arts)
Int. Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam; Dir. Otto Klemperer

9:23
CÁPSULAS/ Cómo ves?/ Al Aire / (402) 2’01”

9:26
MÚSICA PARA NIÑES Y NO TAN NIÑES
Seguiremos scuchando a compositores que utilizaron la infancia como leitmotiv para realizar su trabajo.
Pedro y el lobo (1936) de Sergei Prokofiev es una historia para niños con música y texto adaptado por él, con un narrador acompañado por la orquesta. (El compositor la escribió en tan solo 4 días) . Su dotación instrumental y a la vez personajes son: flauta, (pájaro) ; oboe (Pato o Ganso) ; clarinete (gato) , abuelo (fagot) ; Cazadores (3 cornos franceses) ; Pedro (instrumentos de cuerda: violín, violas, violonchelos y contrabajos) ; Lobo (timbales y bombo) .

9:27
SERGEI PROKOFIEV (1891-1953 Rusia) Pedro y el lobo (1936) . Música del álbum: Pedro y el Lobo (CD 1994, sello INBA)
Int. Enrique Alonso Cachirulo, narrador; Orquesta Sinfónica Nacional; Dir. Enrique Arturo Diemecke

9:58
1 MINUTO AJUSTE

10:04
JOCUS POCUS 56′

11:02
ÉRIC ALFRED LESLIE SATIE (17 de mayo de 1866 – 1 de julio de 1925) , que firmó su nombre ERIK SATIE después de 1884, fue un compositor y pianista francés.
Satie fue un artista influyente en la vanguardia parisina de finales del siglo XIX y principios del XX. Fue un precursor de movimientos artísticos posteriores como el minimalismo, la música repetitiva y el Teatro del Absurdo, mientras que su acuñación de 1917 “música de muebles” presagiaría el desarrollo de la música ambiental y de fondo.
Un excéntrico, Satie fue presentado como un “gymnopedista” en 1887, poco antes de escribir sus obras más famosas, las composiciones para piano Gymnopédies. Más tarde, también se refirió a sí mismo como un “fonometrista” (que significa “alguien que mide los sonidos”) , prefiriendo esta designación a la de “músico”, después de haber sido llamado “un técnico torpe pero sutil” en un libro sobre compositores franceses contemporáneos, publicado en 1911.
Además de su obra músical, Satie dejó un conjunto de escritos, habiendo contribuido con trabajos para una variedad de publicaciones desde el dadaísta 391 hasta la crónica de la cultura estadounidense Vanity Fair. Aunque en su vida posterior se enorgullecía de publicar su obra con su propio nombre, a finales del siglo XIX parece haber utilizado seudónimos como Virginie Lebeau y François de Paule en algunos de sus escritos publicados.

11:04
ERIK SATIE (1899-1925, Francia, compositor, pianista y escritor) 3 Gimnopedias (1888) : 1. Lenta y doloroso; 2. Lento y triste; 3. Lento y grave
5 Gnosienes (1893) : 1. Lento; 2. Con entonación; 3. Lento; 4. Lento; 5. Moderato
Música del álbum “Satie: Piano works. Daniel Varsano, Philippe Entremont”
[Grabado en marzo de 1979, en la Iglesia de du Liban, en París] (CD editado en 1992, Austria y Holanda; sello: Sony) .
Int. Daniel Varsano, piano.

11:29
1 MINUTO AJUSTE

11:34
CÁPSULAS/Peso Colibrí (803) 2’44”

11:38
JOHANN LUDWIG BACH (14 de febrero de 1677 – 1 de mayo de 1731, Alemania violinista y compositor) .
Nació en Thal cerca de Eisenach. A la edad de 22 años se trasladó a Meiningen y finalmente fue nombrado cantor allí y más tarde maestro de capilla. Escribió una gran cantidad de música y supervisó regularmente actuaciones, tanto en Meiningen como en las cortes vecinas.
Fue primo tercero de Johann Sebastian Bach, quien hizo copias de varias de sus cantatas y las interpretó en Leipzig. La cantata ‘Denn du wirst meine Seele nicht in der Hölle lassen’, BWV 15, (“Porque no dejarás mi alma en el infierno”) , que alguna vez se pensó que era de Johann Sebastian, y que figuraba como BWV 15 en el catálogo de obras de Wolfgang Schmieder, ahora se cree que es de Johann Ludwig.

11:39
JOHANN LUDWIG BACH (14 de febrero de 1677 – 1 de mayo de 1731, Alemania violinista y compositor) .’Das ist meine Freude’ (Esta es mi alegría) . Música del álbum “60 años del Coro de niños de Windsbacher” (CD 2005, Alemania, sello: Rondeau) .
Int. Coro de niños de Windsbacher; Dir. Karl-Friedrich Beringer, director.

11:44
despide y 1º de mayo 2021: 290 años sin JOHANN LUDWIG BACH

11:45
JOHANN LUDWIG BACH (14 de febrero de 1677 – 1 de mayo de 1731, Alemania violinista y compositor) .Concierto en Re mayor, para 2 violines, 2 oboes, cuerdas y bajo continuo, en 3 movimientos: 1. Allegro; 2. Adagio; 3. Allegro. Música del álbum “Bachiana. Musica antiqua Köln & Reinhard Goebel” (CD 2001, Alemania, sello: Deutsche Grammphon. Colección Archive) .
Int. Musica Antiqua Köln; Dir. Reinhard Goebel

11:53
1º de mayo 2021: 290 años sin JOHANN LUDWIG BACH

11:54
1 MINUTO AJUSTE

11:55
CÁPSULAS/EN CLAVE MUSICAL 5′

12:06
SVETLANA SAVIC (1971, Serbia) es profesora asociada y directora del Departamento de Composición de la Facultad de Música de Belgrado. Desde 2011 es profesora en los estudios interdisciplinarios de la Universidad de Arte de Belgrado. Ha colaborado con reconocidos artistas, conjuntos y orquestas serbios y extranjeros. Sus composiciones fueron encargadas para el Festival de Música de Belgrado (BEMUS) , la Revista Internacional de Compositores, el Festival de Violonchelo y otros festivales en Serbia, Estados Unidos, Austria, Israel, Lituania, Rusia, Grecia, Japón, Sudáfrica …
Svetlana Savic ganó el premio “Stevan Mokranjac” (2014) y el “Compositor del año 2016” de Musica Clásica.

12:07
En “Sobre lobos y trenes” nos enfrentamos a todo un espectro de procedimientos formales: un juego lingüístico y musical, una intervención radiofónica en la narración y significado del texto; y la voz solista en toda su intimidad e inmediatez. En esta composición, Svetlana Savic crea una forma musical compleja, hecha de múltiples canciones / poemas, diferentes estados de ánimo, emociones, mundos poéticos que dicen mucho en un lapso de tiempo relativamente corto. La forma musical que encontramos aquí y en otras partes de la obra de Svetlana Savic está dando a luz la metáfora de múltiples mundos y universos, donde diversos segmentos que están a primera vista conectados en un todo lineal son, de hecho, paralelos entre sí, interrumpiendo el narratividad lineal del tiempo de la música tradicional.Svetlana Savic dijo que simplemente “hizo clic” con los poemas de Jelena Marinkov y que esta conexión es “para siempre”. Cuando escribió su composición “Sobre lobos y trenes” estaba en un estado de euforia y delirio. Svetalana dice: “Antes de terminarlo no podía dormir y siempre lloro cuando lo escucho”. Esta composición es una visión de la conexión profunda entre la música y la poesía, estos son dos ejes de nuestra transformación emocional y artística del mundo.

12:08
SVETLANA SAVIC (1971, Serbia) On Wolves and Trains (Sobre lobos y trenes) , (2016) para voz, electrónica y violochelo eléctrico.Poemas de Jelena Marinkov. [Grabado en 2016, en el Estudio de Sonido de la Facultad de Música, en Belgrado; Productor: Srdan Hofman].

12:21
despide y presetna piezas

12:22
Diana Krull, nacida el 26 de julio de 1930 en Tallin, fallecida el 24 de septiembre de 2013 en Estocolmo, fue una lingüista y compositora sueca. Krull, que era de ascendencia estonia, estudió piano y composición desde principios de la década de 1950 y estuvo activa como profesora de música y compositora, con música de cámara y para instrumentos solistas. A principios de la década de 1970, estudió varios idiomas, así como lingüística general y fonética. En 1988, defendió su disertación en fonética en la Universidad de Estocolmo y luego continuó dedicándose a la investigación en el tema, especialmente en fonética acústica y percepción y prosodia del habla.
Diana Krull se convirtió en profesora asociada en su investigación “Propiedades acústicas como predictores de respuestas perceptivas: un estudio de oclusiones sonoras suecas. Investigación fonética experimental en el Instituto de Lingüística de la Universidad de Estocolmo, (1988) ; “Correlaciones duracionales de cantidad en sueco, finlandés y estonio: evidencia entre lenguas para una teoría de la dispersión adaptativa”
(1994) ; “Patrones de segundo locus formante y coarticulación consonante-vocal en el habla espontánea” (1998) ; entre varios más.
Nuestros colegas radioastas suecos encontraron esta pequeña joya, -su Cuarteto para dos violines, clarinete y cello (1955) – en el fondo de sus archivos. Diana Krull comenzó como pianista / compositora, pero desafortunadamente para el mundo de la música cambió de carrera y se convirtió en profesora de lingüística. Por eso su catálogo de obras es muy reducido. La grabación es del estreno de 1955 en Estocolmo, Suecia. Ahora solo podemos especular si ser una compositora en un mundo musical dominado por hombres tuvo algo que ver con su cambio.

12:24
DIANA KRULL (1930-2013, Suecia, lingüista y compositora) Cuarteto para dos violines, clarinete y cello (1955) [Grabación 1955, Estocolmo, Suecia].
Int. Gert Craaford e Inge Lindstedt, violines; Eric Andersson, clarinete; Åke Olofsson, violonchelo.

12:32
despide y

12:33
La compositora Charlotte Bray se ha convertido en un talento distintivo y destacado de su generación. Con una ambición desinhibida y un deseo de comunicarse, su música es estimulante, inherentemente vívida y ricamente expresiva con intensidad lírica. Bray ha sido interpretada por numerosos conjuntos y orquestas de clase mundial, incluida la Orquesta Sinfónica de la BBC, la Royal Opera House Covent Garden, la London Sinfonietta y el Birmingham Contemporary Music Group.
En mayo de 2019 se estrenó Germinate, un triple concierto encargado por Investec International Music Festival. Red Swans Floating se estrenó en junio de 2019, encargado por Tonhalle Düsseldorf para las fuerzas combinadas del notabu ensemble y Spectra Ensemble (Gent) . También en junio, el pianista Pierre-Laurent Aimard estrenó Bring Me All Your Dreams en el Aldeburgh Festival. La segunda grabación de Bray, un disco de obras de cámara y en solitario, se lanzó en 2018 en el sello Richard Thomas Classical. At the Speed ??of Stillness, la grabación debut de Bray está disponible en NMC Records. Sus muchos elogios incluyen el premio de composición de la Royal Philharmonic Society; Premio Lili Boulanger; Premio del Círculo de Críticos; nombrado en The Evening Standard’s Most Influential Londoners (2011) ; Miembro honorario del Conservatorio de Birmingham y nombrada Alumna del Año (2014) .

12:35
Nota del programa de Charlotte Bray:”En esa agitada mañana de agosto de 2015, cuando comencé a trabajar en el concierto para violonchelo, abandoné mi musa celestial y me fugé con una forma más terrenal. De repente, me encontré como un rehén inesperado pero extrañamente dispuesto a la realidad. Todas las ideas que habían enmarcado la estructura de una pieza astronómica desaparecieron en su propio agujero negro cuando el impacto emocional de los hechos reales se apoderó de mí.
“Había leído las devastadoras noticias sobre el desayuno: ISIS había destruido la antigua ciudad de Palmira, incluido el histórico y helenístico Primer Templo de Bal y el Templo de Baalshamin, que datan del 323-31 a. C. Profundamente conmovida y horrorizada por este acto de vandalismo aparentemente sin sentido, mi creatividad musical tomó una nueva dirección.
“Comencé a investigar y descubrí que Palmyra se originó como una parada para los viajeros cansados ??y cubiertos de polvo que cruzaban el desierto sirio. También conocí su variado y tumultuoso pasado: como una antigua civilización griega, posteriormente convertida al cristianismo en la era bizantina (330-1450 d. C.) , alterada por los árabes en 1132 y casi totalmente destruida por los timuríes en 1400; dejando las ruinas con las que nos familiarizamos.
“Aunque su destrucción formó inevitablemente el punto focal de las noticias, este acto bárbaro hizo poco para desviar la atención del horror y el sufrimiento humanos que se padecen en la región. En términos de motivación, la demolición de los templos supuso un comienzo para la obra, formando su cuerpo las crisis humanitarias emergentes. El uso de la indignación moral como motivación para el arte, aunque nuevo para mí, proporcionó un medio por el cual pude tratar de comprender tales eventos trágicos y traumáticos y crear algo con lo que otros puedan relacionarse igualmente. El deseo de situar la obra en hechos reales fue, sentí, abrumador y también importante. Dicho esto, la pieza es un reflejo completamente abstracto de la situación y del conflicto en su sentido más amplio. El poder, la identidad, la religión, la humanidad y el territorio son igualmente importantes para la motivación detrás de la pieza. En última instancia, es una exploración a través de los medios a mi disposición creativa, a través del sonido y la imaginación, y no es programática en ningún sentido”.

12:37
CHARLOTTE BRAY (1982, Reino Unido) Falling into the Fire (Cayendo al Fuego) (2015) para violonchelo solista (discretamente amplificado) , timbales, 3 percusión, arpa, cuerdas. [Grabación: Sala de Conciertos Reales de la BBC, 2016].
Int. Guy Johnson, cello; Orquesta Sinfónica de la BBC; Dir. Sakari Oramo.

13:00
SERIES / LA ARAÑA PATONA 28′

13:33
NOVEDADES DISCOGRÁFICAS : Concierto-Rapsodia para cello y orquesta de ARAM KHACHATURIAN
En 1961, Khachaturian concibió una tríada de conciertos instrumentales: para violín, para violonchelo y para piano.
El violonchelo era un instrumento que Khachaturian amaba de la mejor manera desde la infancia. El compositor comenzó como violonchelista. Conocía muy bien todas las capacidades del instrumento y percibía su expresividad especialmente profunda.
El Concierto-Rapsodia para violonchelo y orquesta fue escrito en una explosión de inspiración en una forma de desarrollo libre. El compositor encontró una estructura bastante rígida que conectaba el principio del desarrollo rapsódico de la música basado en una luz libre de fantasía con importantes elementos de estilo sonata que añaden una clara lógica de pensamiento sinfónico al conjunto. La textura musical del concierto- rapsodia es rica en temas expresivos que crecen desde un solo núcleo prosódico que tiene características nacionales brillantes.

13:34
NATALIA SHAKHOVSKAYA (27 de septiembre de 1935-20 de mayo de 2017) , (Artista Nacional de la URSS) , fue una violonchelista rusa. Estudió en la Escuela de Música Gnessin y más tarde en el Conservatorio de Moscú bajo la tutoría de Semyon Kozolupov y Mstislav Rostropovich.SHAKOVSKAYA ganó algunos de los concursos de violonchelo más importantes en Rusia y en el extranjero, incluidos; el Primer Premio y la Medalla de Oro en el Concurso Internacional Tchaikovsky en 1962. Y siguió una carrera activa como solista en recitales y con las mejores orquestas y directores de todo el mundo.
SHAKOVSKAYA enseñó en el Conservatorio de Moscú desde 1962 (y como Jefa de la Cátedra de Violonchelo y Directora del Departamento de Contrabajo desde 1974) . Más de cuarenta de sus estudiantes han ganado concursos internacionales.
Shakhovskaya dio clases magistrales en todo el mundo y fue miembro del jurado en concursos internacionales. Y fue profesora titular de la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid.

13:35
ARAM KHACHATURIAN (1903-1978, Rusia) Concierto-Rapsodia para violonchelo y orquesta (1961-64) en Re menor. (CD editado en 2011, en Rusia, por el sello MEAO???. Grabación histórica, en la Sala de Conciertos del Conservatorio de Moscú, el 5 de enero de 1975) .
Int. NATALIA SHAKHOVSKAYA (1935- 2017, Rusia) , violonchelo; Orquesta Sinfónica de la Unión Soviética; Dir. ARAM KHACHATURIAN (1903-1978, Rusia)

13:59
NOVEDADES DISCOGRÁFICAS : Concierto-Rapsodia para cello y orquesta de ARAM KHACHATURIAN

14:05
CÁPSULAS/Poemas MC (1258) 3’04”

14:09
GUITARRA MEXICANA: EL BARROCO. SANTIAGO DE MURCIA.
La Nueva España como colonia española fue obviamente influenciada artísticamente por los gustos y modas europeos. Esto significó que, además de los instrumentos populares de italia, como las cuerdas frotadas, también vino a América la guitarra española, conocida hoy como guitarra barroca. Aquí gozó de gran éxito y se fundió con las culturas predominantes de la región, la indígena y la negra.
Los habitantes de la Nueva España, principalmente españoles y mestizos, gozaron de las composiciones provenientes de España, que aunque siempre llegaban con cierto retraso por la tardanza en el transporte de las nuevas desde Europa siempre reflejaban el acontecer cultural de aquel continente. Entre los compositores que llegaron a sonar a América provenientes del otro lado del mar estuvo el madrileño Santiago de Murcia, hijo de constructores de guitarras y que terminó convirtiéndose en el maestro de la Reina María Luisa Gabriela de Saboya, esposa del Rey Felipe V. La música de Murcia que escucharemos a continuación fue encontrada en México por el investigador Gabriel Saldívar y por ello fue nombrada Códice Saldivar IV.
En esta grabación, hecha en 1996 en la Sala Nezahualcóyotl por Isabelle Villey, guitarrista francesa y Enrique Barona, mexicano, podremos no solo escuchar la guitarra española, sino la jarana y la guitarra guapanguera, esto debido a que las versiones modernas que tenemos de estos instrumentos son en gran medida cápsulas del tiempo organológicas que reflejan los instrumentos que llegaron originalmente a Veracruz durante la colonia y fueron replicadas por los indígenas de generación en generacion, con muy pocos cambios.

14:11
SANTIAGO DE MURCIA (1673-1739, España, guitarrista y comositor) Folías Ytalianas; La amable; Sarao o Bailete de el Retiro; Los Ymposibles.
Música del álbum: LA GUITARRA EN EL MÉXICO BARROCO (CD: 1996, México. Editado por: FONCA/UNAM)
Int: Isabelle Villey, guitarra barroca; Enrique Barona, jarana y guitarra huapanguera.

14:33
despide y GUITARRA MEXICANA: EL BARROCO. SANTIAGO DE MURCIA.

14:34
MÚSICA MEXICANA ELECTROAÚSTICA: DE VEZ EN VEZ
Los primeros impulsos de la música electroacústica mexicana pueden datarse desde los años sesenta con las obras del compositor Carlos Mabarak, Héctor Quintanar y Raúl Pavón, y con la creación de los laboratorios experimentales del Conservatorio Nacional de Música y de la (otrora) Escuela Nacional de Música de la UNAM. De estas escuelas, surgió una generación de creadores dedicados a componer música para sintetizadores, computadoras y programas de audio.

14:36
GUILLERMO DE MENDÍA (1955, México, compositor) Life is nothing but a dream (La vida no es nada màs que un sueño) (1993)
CARLOS SANDOVAL (1956, México, compositor)
Homenaje (1991)
ROBERTO MORALES (1958, México, compositor)
Mineral de Cata (1990)
ROBERTO MEDINA (1955, México, compositor)
Marina (1990)
Música del álbum: De vez en vez. Música electroacústica mexicana (CD: 2001, sello Quindecim Recordings, país: México)
Int: Guillermo de Mendía, sintetizador y computadora. Carlos Sandoval y Roberto Medina, dat. Roberto Morales, flautas prehispánicas y computadora.

15:01
MÚSICA MEXICANA ELECTROAÚSTICA: DE VEZ EN VEZ

15:03
CÁPSULAS/Peso Colibrí (802) 3’24”

15:08
NOVEDADES DISCOGRÁFICASMUJERES EN LA MÚSICA : GALINA USTWOLSKAYA, compositora rusa
Medio siglo separa el momento en que Utswolskaya compuso su tercera sinfonía y la cuarta sinfonía de Shostakovich, no 50 años cualesquiera, sino 50 años del siglo XX. Un tiempo durante el cual el mundo experimentó tremendos trastornos. Uno de los más importantes ocurrió en el campo intelectual. Lo que parecía en los años treinta para muchos (no sólo en la ex Unión Soviética) un futuro brillante, se había convertido en los ochenta, en un pasado infame y vergonzoso; y de hecho tan infame que uno sólo se puede esperar tímidamente que la retribución por el engaño y los pecados del siglo XX no resultaran tan graotescos, y que hay que rezar a Dios por la salvación. Esto es exactamente lo que hace Galina Utswolskaya en su Tercera Sinfonía. Como el título de la obra, ¡Jesús Mesias, Salvanos!, no solo concierne a su propia salvación, sino que Ustswolskaya logra estas cualidades porque es ante todo una compositora que utiliza medios puramente musicales.

15:09
El texto recitado de la Sinfonía (traducido del latín) se origina en una personalidad notable, el monje alemán de Reichenau, Hermann der Lahme [Hermannus Contractus] que vivió entre 1013 y 1054. El monje estaba casi completamente discapacitado; no podía hablar, y no pudo vivir mucho tiempo. Pero, por un breve periodo, logró escribir excelentes tratados sobre temas de matemáticas, astronomía y música, así como oraciones e himnos a la Virgen María. El hecho de que Galina Utswoslkaya musicalice el texto de este autor en tres de sus cinco sinfinas (2, 3 y 4) , y que estas obras tengan su origen en una ciudad que hasta hace poco llevaba el nombre de Lenin hablan por sí mismas.La Sinfonía Núm. 3 (de casi 19 minutos de duración) consiste en un solo movimiento, y en esencia es claramente una oración de salvación. La oración exige concentración y esfuerzo selectivo; cuanto mayor es el esfuerzo, el resultado es más profundamente eficaz.

15:10
GALINA USTWOLSKAJA (1919-2006, Rusia-Tartaria) Sinfonía No 3 ‘Jesús Mesías, libéranos; Jesús Mesías, ¡sálvanos!’ (1983) , en un solo movimiento. [Grabación en vivo del 18 de diciembre de 1998. Salón de Residencias ‘Hércules’, en Münich, Alemania. Música del álbum “Live Recordings: Ustwolskaya, Rihm, Zimmermann” (CD editado en el 2001, en Alemania, por el sello discográfico Col Lengo; colección “Música Viva”) .
Int. Valeri Schestjanoi, recitador; Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión Bávara; Dir. Markus Stenz.

15:29
NOVEDADES DISCOGRÁFICAS
MUJERES EN LA MÚSICA : GALINA USTWOLSKAYA, compositora rusa

15:35
MUJERES EN LA MÚSICA : MARÍA TANASE, cantante rumana
MARIA TANASE nació en el año 1913, de nacionalidad rumana, Tanase se convitiró en una de las cantantes más populares en Rumania y, además, se le atribuye la creación de un nuevo género músical que es, en pocas palabras, completamente único. Elle reunió y re-trabajo distintos temas tradicionales de diversas regiones de Rumania y, en ese proceso, se las apropió, ofreciendo un nuevo sonido. En el núcleo de su arte se encuentra la fatalista filosofía de la música folk rumana con la idea central de la transitoriedad del existir.
Su voz era capaz de transmitir la emoción más extrema; de la desesperación, pasando por el sarcasmo más amargo, la tristeza y la alegría. En buena parte de su trabajo se hace prensaje el mensaje que dicta lo transitorio del sufrimiento diario de la gente ordinaria. Maria Tanase falleció en el año 1963. Actualmente es recordada cómo una figura emblemática de la cultura rumana del siglo XX.
A continuación, una serie de piezas inspiradas en su trabajo realizadas por el compositor rumano, Alexander Balanescu.

15:37
ALEXANDER BALANESCU (1954, RUMANIA, violinista y compositor) Turning wheels (Ruedas cambiantes) ; Interlude (Interludio)
Música del álbum: Maria T (CD, 2005, Estados Unidos, Sello: Mute)
Int. Cuarteto Balanescu (Rumania)

15:58
MUJERES EN LA MÚSICA : MARÍA TANASE, cantante rumana

16:00
SERIES / ESQUINAS AZAR (RTS DEL MARTES) 12′

16:13
FANNY HENSEL (1805-1847, Alemania) Cuatro canciones para piano, Op. 2 (2015, Berlin Classics)
Int. Matthias Kirschnereit

16:34
CÁPSULAS/Garbanzo Libro (53) 4’59”

16:40
Int. Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión de Berlín
Dir. Christopher Wilkins

16:55
CÁPSULAS/Éxtasis Dalí (225) 4’59”

17:06
OLIVIER MESSIAEN (1908-1992, FranciaConcierto a Cuatro (1995, Deutsche Grammophon)
Int. Catherine Cantin, flauta;
Heinz Holliger, oboe;
Yvonne Loriod, piano;
Mstislav Rostropovich, violoncello;
Orquesta de la ópera de la Bastilla
Dir. Myung-Whun Chung

17:32
WOJCIECH KILAR (1932-2013, Polonia) “Exodus”, para orquesta y coro mixto (1997, Naxos)
Int. Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio Polaca, de Cracovia
Coro de la Radio y Televisión Polaca, de Katovice
Dir. Antoni Wit

17:56
CÁPSULAS/Poemas MC (1258) 3’04”

18:04
SERIES / MUNDOFONÍAS

19:00
SERIES / ISLAS RESONANTES

19:55
CÁPSULAS/Quién volviera (27) 1’53”

20:00
SERIES / R-DRAMAS Talpa, adaptación del cuento de Juan Rulfo. Tercer lugar en la categoría de Radiodrama en la Bienal de Radio de 2002. Duración: 27’36”.Tanilo Santos sufre una enfermedad terrible y decide ir a Talpa a pedirle a la Virgen el milagro de su curación. Lo acompañan su esposa y su hermano que, sin que Tanilo lo sepa, desean su muerte para poder entregarse a su amor prohibido
Adaptación, guion y realización: Néstor Vázquez. Radio Universidad de Tlaxcala, México.

20:28
CÁPSULAS/ Cómo ves?/ Al Aire / (402) 2’01”

20:36
JAZZ: STANDARS TRIOAhora les presentamos un trio neoyorkino: Standards.
Standards Trio fue un proyecto que nació en 1984 con la colaboración de músicos estadounidenses como el pianista Keth Jarreth, el bajista Gary Peacock, y el baterista Jack Dejohnette.
Dentro de su historia, lo más particular de este trío, no sólo fue su dominio y talento sobre la improvisación, sino sus conciertos que eran todo un espectáculo alucinante. Estos incluían el peculiar balbuceo y las curiosas expresiones faciales de Keith Jarret, y también algunos bailes mientras los músicos se dejaban llevar por sus interpretaciones sobre el swing y el jazz
Lamentablemente, en el 2014, el grupo confirmó a la revista Jazz Magazine su separación por desacuerdos desconocidos entre sus integrantes, sin embargo, Keith Jarreth sigue siendo uno de los jazzistas más activos y reconocidos.
Escuchemos a continuación, un par de obras que interpretaron en1985 en el Palacio de Congresos de París.

20:37
NED WASHINGTON (1901-1976, Estados Unidos, compositor) Stella by Starlight (1958)
AROLD ADAMSON (1906-1980, Estados Unidos, letrista, compositor)
Muy joven para estar estable
Música del álbum: Standars live (CD: 2008, sello EMC RECORDS)
Int: Keith Jarreth, piano. Gary Peacock, bajo. Jack Dejohnette, batería.

20:58
JAZZ: STANDARS TRIO

21:01
FUSIÓN MEXICANA: CABEZAS DE CERA
Grupo CABEZAS DE CERA (1995, México) :
Selección de obras del álbum: “Hermandad” (Fonarte Latino, 2012) :
“Danza de la lluvia”; “Rock Mahal”; “Éxodo desierto adentro”; “Día de feria”.
Int. Francisco Sotelo: Arpa de 12 cuerdas, violín, caxixi, tambor kitai, salterio prisma, arco eléctrico, handsonic & percusiones; Mauricio Sotelo: Charrófono, chapman stick, jarana prisma & duarpa.

21:29
FUSIÓN MEXICANA: CABEZAS DE CERA

21:35
CÁPSULAS/Trayecto Sonoro (84) 2’48”

21:39
FUSIÓN MEXICANA: CABEZAS DE CERA
REFREE, CABEZAS DE CERA, JUAN PABLO VILLA & SILVIA PÉREZ CRUZ Del álbum “Vientos y Lugares” (2008, Infusiones Musicales) .
Textos de: José Moreno Villa, J. López Álavez, Concha Méndez, Josep Carner, León Felipe, José Bergamín.
“Agua del destierro”; “Canción Mixteca”; “Sombras y sueños”; “I’hora baixa de desembre”; “¿Quién me trajo?”; “Soneto al revés”.
Int. Raúl Fernández, guitarra, piano y voz; Mauricio Sotelo, chapman stick, charrófono y jarana prisma; Juan Pablo Villa, voz; Silvia Pérez Cruz, voz; Francisco Sotelo, percusión electrónica, tambor kitai; Ramses Luna, saxofón soprano y wind midi.

21:59
FUSIÓN MEXICANA: CABEZAS DE CERA

22:05
CINE SONORO-DISCOTECA 55′

22:07
NILS FRAHM (Alemania, 1982) Selección de la banda sonora: “Victoria” (2015)
[sello: Erase Tapes, 2015]

23:05
NOCTURNO ROCK -DISCOTECA 55′

23:07
THE WAILERS (Jamaica, 1963) Simmer Down
BOB MARLEY & THE WAILERS (Jamaica, 1974)
Rebel Music (Rebel Music, 1986)
SUMO (Argentina, 1981)
Night& Day (corpiños en la lmadrugada, 1983)
ELZA SOARES (Brasil, 1930)
Maria da Vila Matilde (A Mulher Do Fim Do Mundo, 2015)

23:33
AL DI MEOLA (Estados Unidos, 1954) Rebels(Opus, 2018)
OOIOO (Japón, 1995)
GamelKamasu(Gamel, 2013)
SONS OF KEMET (Inglaterra, 2011)
My Queen is Ada Eastman (Your Queen Is a Reptile, 2018)
RAGGADEATH (Canadá)
Dance withtheDevil(Raggadeath, 1997)

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FIN DEL DÍA
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RADIO UNAM
Sábado 1° de mayo de 2021