FM| Sábado 19 octubre 2024

RADIO UNAM
PROGRAMACIÓN FM

00:05
STEPHAN MICUS (1953, Alemania, multi instrumentista, compositor e investigador musical) .On the way; The fist night; The first day; The second night; The second day; The third night; The third day; On the way back.
Int. Stephan Micus, setar, shakuhachi, macetas, ney, suling y voz.
Música del álbum “Stephan Micus – Athos: A journay to the holy mountain” (CD 1994, Alemania ECM)

00:53
CÁPSULAS/ Éxtasis Dalí (425) 5’00”

01:01
SERIES / TESTIMONIO DE OÍDAS

02:01
MILES DAVIS (1926-1991 Estados Unidos) So what; Freddie Feeloader; Flamenco Sketches (Alternative Version)
Música del álbum. Kind of blue (CD 1997, Estados Unidos, Sony)
Int. Miles Davis, trompeta; Julian Cannonball, saxofones; John Coltrane, saxofón; Wynton Kelly, piano; Bill Evans, piano; Jimmy Cobb, batería

02:32
GIOVANNI GUIDI (1985 Italia) City of broken dreams; Leonie; Late blue; Ocean View; City of broken dreams Var.
Música del álbum: City of broken dreams (CD, 2013, Alemania, ECM)
Int. Giovanni Guidi Trío

3:01
SARAH KIRKLAND (Estados Unidos) Fragmentos de Penélope, meditación sobre la identidad, la memoria y lo que significa volver a casa. Ciclo de canciones sobre textos de Playwright Ellen McLaughlin e inspirado en la Odisea.
Música del álbum: Penelope (CD 2010, Estados Unidos OctoberStone)
Int. Shara Worden, voz; Orquesta de Cámara Signal; Dir. Brad Lubman

3:28
CARL LUDWIG HÜBSCH (1966 Alemania) Module Modulations
Música del álbum: The Creators bend a master plan (CD 2010, Alemania, NEOS)
Int. Gerry Hemingway, batería; Carl Ludwig Hübsch, tuba; Matthias Schubert, saxofón tenor; Wolter Wierbos, trombón

4:01
KETIL BJORNSTAD (1952 Noruega) The River
Música del álbum: The River (CD 1997, Alemania, ECM)
Int. Ketl Bjornstad, piano; David Darling, chelo

5:01
JUAN GARCÍA HERREROS (1977 Colombia) Señor C.P. Huellas; Impuso interno; Cuerpo y alma
Música del álbum: Snow Owl (CD 2013, Austria, Inner Circle)
Int. Juan García Herreros, bajo; Jonathan Powell, trompeta; Hector Martignon, piano; Conrar Schrenk, guitarra; Klaus Dickbauer, clarinete bajo

5:35
RALPH TOWNER (1940 Estados Unidos) Waltz for Debby; I Fall in love too Easily; Magic Pouch; Magnolia Island; Nightfall
Música del álbum: Open Letter (CD 1992, Alemania, ECM)
Int. Ralph Towner, guitarras; Peter Erskine, batería

6:00
HIMNO NACIONAL

6:16
Canciones tradicionales de Armenia, del álbum Les Maîtres de Musique d’Arménie (2001) Int. Anna Mayilian, soprano; Hovhannes Darpinian, tar;
Hagop Khalatian, kamantché; Varazdat Hovhannissyan y Armen
Ghazarian, doudouk; Robert Durunts, percusiones

7:03
ENSAMBLE DE PERCUSIONES COSTA RICA (1993) Música del álbum Percusión (CD 2000, Costa Rica)
Vals; Son; Delirium Soko; Marimbando; Tango en Fuga.
Int. Ensamble de percusiones Costa Rica

7:23
CÁPSULAS/ Trayecto Sonoro (292) 3’53”

7:27
Selección del álbum Música Arabo-Andaluz (CD 1977, sello HMC) Int. Ensamble Atrium Musicae de Madrid, Eduardo Paniagua, rabab, nay, surnay, day, tarrija, tar. Argul; Christina Ubeda, jalalil, tar, nay, tarrenas, qraqeb, jank; Pablo Cano, rabab, tar, qanun, al-urgana; Beatriz Amo, tar jalalil, sinj, bandayr, gaita, gsbah, bardun; Luis Paniagua, tambor, darabukka, ud, zil, rebab, tabl, d’znoutch; Carlos Paniagua, Dir. Gregorio Paniagaua.

7:47
CÁPSULAS/ Ráfagas Pensamiento (383) 3’34”

7:51
Música del álbum Místico Mediterráneo, que fusiona el arte de los italianos Paolo Fresu y Daniele Di Bonaventura, con los cantos tradicionales de Córcega. Este álbum fue editado en 2011, y contiene obras de la inspiración de diversos compositores, entre ellos, Bruno Coulais y Jean-Claude Acquaviva.Int. Paolo Fresu, trompeta y fiscorno; Daniele Di Bonaventura, bandoneón; y el Ensamble de Voces Corsas A Filetta.

8:04
CÁPSULAS/ Peso Colibrí (1012) 1’09”

8:06
19 de octubre de 2024 108 AÑOS de EMIL GILELS, pianista ruso
Emil Gilels fue un destacado pianista soviético, nacido un día como hoy, el 19 de octubre de 1916. Es recordado como uno de los pianistas más extraordinarios del siglo XX. Desde niño se manifestó su genio musical, ya que tenía una increíble audición que le permitía replicar notas musicales de manera precisa sin tener referente alguno de qué nota y escala había escuchado en primer lugar. Cuando tenía tan solo 6 años, comenzó a estudiar piano con Yakov Tkach, eminente pedagogo musical. Su aprendizaje y destreza avanzaban a un ritmo muy rápido, siendo todavía un infante, era capaz de tocar piezas de Löschhorn, Mozart, y Clementi.
A los 12 años comenzó sus estudios en el conservatorio de Odessa. Ahí fue donde el pianista polaco, Arthur Rubinstein, lo escucho tocar por primera vez, y, quedó tan impresionado, que no sólo le ofrecería su apoyo y tutelaje, sino que, también, fue el comienzo de una amistad entre dos de las personalidades musicales más destacadas del siglo pasado. Gilels es recordado por su impecable técnica e interpretación soberbia de algunas de las más exigentes piezas de piano escritas en la historia entera de la música.

8:08
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827, Alemania, compositor, director de orquesta y pianista) .Sonata para piano No. 23 en Fa menor, Op. 57: I. Allegro assai/Adagio/Allegro; II. Andante con moto; III. Allegro, pero sin prisa/Presto
Int. Emil Gilels, piano
Música del álbum: Emil Gilels Recital en Florencia, 6 de noviembre de 1951 (CD 2001, EU; Unidos Music & Arts Programs of America) .

8:29
19 de octubre de 2024 108 AÑOS de EMIL GILELS, pianista ruso

8:30
CÁPSULAS/ Éxtasis Dalí (424) 4’59”

8:36
19 de octubre 2024 37 AÑOS sin JACQUELINE DU PRÉ, chelista inglesa
Jacqueline Du Pré fue una violonchelista inglesa, nacida, un día como hoy 19 de octubre, pero de 1945. Se cuenta que, a los 4 años, escucho por primera vez el sonido de un violonchelo a través de la radio y que, acto seguido, le pidió a su madre uno de “esos”. Comenzó a recibir lecciones por parte de su madre, antes de entrar a la escuela de violonchelo de Londres, con tan solo 5 años de edad. Su talento y habilidad se desarrollaron con premura, siendo todavía una niña, habría de participar en diferentes concursos musicales dentro de su localidad en compañía de su hermana Hilary Du Pré, flautista. Esos serían los cimientos de su fama, la cual crecería exponencialmente; a los 16 años, debuto en la sala Wigmore, en Londres, interpretando piezas de Handel, Brahms, y Debussy.
Progresivamente daría más recitales alrededor del mundo y grabaría numerosas interpretaciones para distintas discográficas. Desafortunadamente, su carrera se vería truncada porque desarrolló esclerosis múltiple, enfermedad de la que no pudo recuperarse. Para recordarla, a continuación, una selección de sus presentaciones.

8:38
EDWARD ELGAR (1857 – 1934, INGLATERRA, compositor) .Concierto para Violonchelo y Orquesta en Mi Menor, Op. 85
Int, Jacqueline Du Pré, violonchelo; Orquesta Sinfónica de Londres, director, Sir John Barbirolli.
JOSEPH HAYDN (1732 – 1809, AUSTRIA, compositor)
Concierto para Violonchelo y Orquesta en C Mayor, Op HOB Vllb: 1
Int, Jacqueline Du Pré (1945-1987 Inglaterra, violonchelista) ; Orquesta de cámara inglesa, director Daniel Barenboim.
Música del álbum: Jacqueline Du Pré: La colección definitiva (CD 2004, México; EMI) .

8:59
19 de octubre 2024 37 AÑOS sin JACQUELINE DU PRÉ, chelista inglesa

9:04
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN: 30 motivos para volar
Buen día a quienes nos sintonizan hoy en Radio UNAM.
El siguiente disco es del compositor mexicano Jesús Martínez Rodríguez; quien enriquece su músico con imágenes musicales para que nosotros podamos imaginar.
Al mismo tiempo, en este álbum está pintada la infancia del compositor mexicano; algunos de nuestros escuchas más grandes podrán recordar su propia infancia en lugar de imaginarse esos tiempos que parecen tan lejanos para los más pequeños del hogar.
30 motivos para volar, nos transporta a paisajes pintorescos con música sencilla de concierto. Así podemos notar las influencias que tuvo Jesús Martínez en su infancia y que ahora resuenan en sus composiciones de adulto.

9:06
JESÚS MARTÍNEZ RODRÍGUEZ (1968, Estado de México, compositor)Dibujando bicicletas; Amanecer; El malabarista; La mascota; Paseando en el campo; La bailarina de la cajita musical; Camino a la escuela; Esperando al ratón; Mirando el otoño a través de la ventana; Feria de juguetes; El gato de Kika; Corriendo bajo el sol
Música del álbum: 30 motivos para volar (CD: 2005, México) Sello: Fondo para la Cultura y las Artes del Estado de México.
Int: Mónica del Águila, violonchelo; Luis Bayard, flauta transversal, Jorge Christian, saxofón soprano; Denia Díaz, flauta barroca; Fernando Domínguez, clarinete, clarinete bajo; Francisca Ettlin, oboe; Daniel Hernández, silbido; Fernando Lanza, viola; Victor Madariaga, acordeón; Jesús Martínez, piano, percusiones; Jorge Pompa, guitarra.

9:30
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN: 30 motivos para volar

9:31
CÁPSULAS/ Ráfagas Pensamiento (384) 2’24”

9:34
MÚSICA para PEQUEÑINES Y para MÁS GRANDES TAMBIÉN: Rock cabezón para chavitos
A continuación, escucharemos algo de música de una de las bandas más representativas de rock de nuestro país, que se caracteriza por sus divertidas letras, llenas de un humor desbordante y que siempre se acompaña por luchadores enmascarados bailarines durante sus presentaciones en vivo.
Estamos hablando nada más y nada menos que de Yucatán a go-gó, un grupo formado en la Ciudad de México en el año de 1999 y que desde entonces no ha dejado de ser un referente dentro de la escena del rock independiente mexicano. Fue en 2002 que lanzaron su primer material discográfico que llevó por nombre Rock cabezón para chavitos, el cual nos hace disfrutar y mover la cabeza con un rock alternativo y una fusión muy bien lograda, con letras que nos hacen recordar la infancia, junto con sus ritmos surf que nos invitan a bailar y no parar de hacerlo.

9:36
RAMÓN CASTRO (RAMÓN A GOGO) (México, músico y compositor) – Pollito; Los Mayas (A go-go) ; Déjenme en paz; Usa tu imaginación; La Piñata; Las agujetas; Niño mutante. Música del álbum: Rock cabezón para chavitos (CD 2002, sello TERMITA) Int. Banda de rock y surf Yucatán a go-go; Alejando Bule-Bule, bajo y coros; Miguel Ye-Ye, guitarra y coros; Ramón a go-go, voz; Hugo Santorro Mendieta, luchador bailarín; Roberto Kamikaze, guitarra y coros; Alvarock Starr, batería; Niños invitados; Béla Marcovich, voces risas y relajo; Diego Marcovich, voces risas y relajos; Pablo Martínez, voces risas y relajos.

9:58
MÚSICA para PEQUEÑINES Y para MÁS GRANDES TAMBIÉN: Rock cabezón para chavitos

10:00
JOCUS POCUS 58′

11:00
CÁPSULAS/ Trayecto Sonoro (291) 3’10”

11:03
17 octubre 2024: 175 años sin FRÉDÉRICH CHOPIN, pianista y compositor polaco
En Radio UNAM recordamos la muerte de Frédéric Chopin; quien fue un prodigioso pianista y compositor polaco; hasta ahora se le considera como uno de los compositores más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical. Nació en 1810 en lo que ahora conocemos como Polonia.
Chopin compuso al menos 58 mazurcas, basadas en la danza tradicional polaca; durante los años que van de 1825 a 1849.
De las 58 mazurcas publicadas, 45 lo fueron durante la vida de este maravilloso compositor, y 13 de forma póstuma.
La numeración de las 58 mazurcas publicadas, normalmente llega hasta la 51, las restantes 7 se mencionan por su clave o número de catálogo. La composición de estas mazurcas implicó un momento crucial, ya que estas señalaron nuevas ideas del nacionalismo, influyeron e inspiraron a otros compositores, en su mayoría de Europa oriental, para apoyar su música nacional.
Aunque Chopin basó sus mazurcas en modelos tradicionales, fue capaz de transformar sus mazurcas en un género nuevo.
Chopin muere el 17 de octubre 1849, hace 175 años, debido a la tuberculosis crónica que padeció; en París.

11:06
FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849, pianista y compositor polaco) .Mazurkas: Op.7 No.1, Vivace; op.7 No. 2, Vivo ma non troppo; op.7 No.3, Sotto voce; op.7 No.4, Presto, ma non troppo; op.7 No.5, Vivo; op. 68 No.1, Vivace; op.68 No.2 Lento; op. 68 No. 3, Allegro man non troppo; op. No.4, Andantino; op. 24 No.1, Lento; op.24, Allegro ma non troppo; op.24 No.3, Moderato con ánimo; op.24 No.4, Moderato; op.17 No.1; Vivo e risoluto; op.17 No.2, Leento ma non troppo; op. 17 No. 3 Legatto assai; op.17 No. 4, Lento ma non troppo.
Int. Janusz Olejniczak, piano.
Música del álbum: “Chopin 23 mazurkas. Vol. I”. (CD 1990, Francia; Opus) .

11:53
17 octubre 2024: 175 años sin FRÉDÉRICH CHOPIN, pianista y compositor polaco

11:54
CÁPSULAS/ Peso Colibrí (1012) 1’09”

11:55
CÁPSULAS/EN CLAVE MUSICAL 5′

12:02
TRIBUNA INTERNACIONAL COMPOSICIÓN UNESCO 2023: AUSTRIA 2.2
SOYEON PARK, nació en Corea del Sur en 1989, ha estudiado diversos campos como composición, composición musical para teatro y composición y arreglos de jazz. Comenzó a tocar el piano a los tres años y empezó a tocar el violín dos años después, antes de comenzar a componer a los 13. A demás de ganar el premio Graz Music Promotion en 2020, gano el Andrzej Dobrowolski Composition Grant de la región de Estiria en 2022 y el Llamado de composición para el ensamble Phace en cooperación con Aspekte Salzburgo y Radio O1 en 2021. Es la ganadora del premio de composición 2022 del O1 Talente-Borse y fue comisionada para crear una nueva pieza, que será estrenada por la RSO de Viena en junio 2023.
Para la compositora, todas las cosas en su vida cotidiana tienen el potencial para convertirse en material para su música, ya sean sonidos producidos por instrumentos o no-instrumentos, o “no-sonidos”. Escenas musicales complejas son creadas al organizar elementos con carácter distinto de varios campos. Uno de sus principales intereses es traer reliquias que fueron iluminadas en el pasado, como tendencias pasadas, al presente y trabajar desde un nuevo paradigma. Técnicas de grabación son un medio importante de expresión en su trabajo. Al transformarlas a un lenguaje acústico, ella explora como objetos de diferentes orígenes pueden coexistir simultáneamente dentro del mismo espacio sonoro sin influenciarse negativamente entre ellos.

12:04
Soyeon Park encuentra inspiración para sus trabajos en las cosas cotidianas, en otros géneros o – como en su nueva pieza “Melodrama” – en las relaciones entre la gente. Algunos dicen que si el género de la sociedad pre-COVID es Romance, post-COVID es Melodrama. Romance y melodrama tienen vistas completamente diferentes y maneras de lidiar con el amor. El Romance persigue la fantasía del amor romántico, pero el Melodrama regula el amor romántico como un código moral. En el Romance, dos personajes vienen y van y a veces se encuentran por casualidad. Por el otro lado, en el Melodrama, los dos personajes no se encuentran, aunque deban hacerlo, ya sea para desalinearse o no se conocen en el momento decisivo. Melodrama se diferencia del Romance en que la historia se desarrolla a través de “extrañarse mutuamente”.El triángulo trágico, que Park también aplica al Melodrama, añade tensión a la historia. Ella divide los instrumentos entre tres grupos, Juliet/J (Flauta, Oboe, Piano, 5. Percusiones) , Romeo/R (flauta baja, corno Ingles, Clarinete Bajo, Piano, Percusión) ;
y el Cuarteto de Cuerdas/Q. El ultimo – neutral y conectado al primero – cambia de postura cuando J y R se enamora y se unen. Se convierte en el siempre creciente obstáculo que eventualmente “traga” a J y R. Con la disolución del material de los tres personajes, el melodrama acaba trágicamente, pero al mismo tiempo hay una oportunidad para un nuevo comienzo. Tal vez este tipo de deconstrucción es una de las formas más intuitivas de dar forma a la muerte en la música. Sin embargo, “desmantelar” también da pie a la posibilidad de un próximo nuevo inicio.
No hay ninguna cita directa a otras piezas musicales. Mientras esta composición externamente muestra el género característico del Melodrama, internamente, los materiales musicales cruzan la frontera entre minimalismo y maximalismo. “En este proceso”, dice Park, “trato de experimentar hasta qué punto el potencial o la expansibilidad de los materiales individuales puede ser maximizada”.

12:07
SOYEON PARK (1989 Corea del Sur-Austria) “Melodrama” (2020-22)
Int. Windkraft – Kapelle fur Neue Musik; Dir. Kasper de Rao.
OP /RADIO Y PRODUCCION / DISCOTECA / TRIBUNA INTERNACIONAL / 02_Soyeon Park _Melodrama _S191024_(12’03”)

12:19
TRIBUNA INTERNACIONAL COMPOSICIÓN UNESCO 2023: AUSTRIA 02.2

12:20
CÁPSULAS/ Peso Colibrí (1013) 1’36”

12:23
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSITORES UNESCO: BULGARIA 03.1
PETER KERKELOV es un compositor búlgaro nacido en 1984 en Plovdiv. Su música posee sinceridad ascética y profundo enfoque. Aunque juegan con repetitivas estructuras melódicas basadas en sobre tonos con múltiples transmigraciones auto reflectivas, sus trabajos frecuentemente cruzan los limites hacia los juegos puramente sónicos y apuntan a los campos de la filosofía, a las otras formas de arte – elementos de los cuales el integra a sus concepciones.
Resalta entre su lista de trabajos “Serpientes y Palomas” Bestiario para cuatro voces mujeres, comisionado por Radio Francia, grabado en 2023 con el Ensamble Vocal Les Cris de Paris, Geoffroy Jourdain, conductor; El Flautista de Hamelin y los Carros – teatro musical-ballet para niños (2018-2019) ; Estudios de Tiempo, para orquesta, dos coros y voz solo (2015) ; Dos Sinfonías y Póstumos – cuarteto de cuerdas comisionado por la Sociedad de Música de Cámara Neerlandesa en su 100 Aniversario; Intento a Gritar, compuesto para el Ensamble ASKO/Schönberg etc. La música de Kerkelov ha sido interpretada en Bulgaria, Países Bajos, Alemania, Austria, Rusia, Ucrania, Armenia, EU.

12:25
Peter Kerkelov es Asistente en Jefe de Investigación en Etnomusicología en el Instituto de Estudios de Arte, Academia de Ciencia Búlgara. Tiene un título de Maestría en Composición del Conservatorio Real, The Hague bajo Martijn Padding y Guus Janssen, así como una Maestría en Composición de la Academia de Música, Danza y Bellas Artes, Plovdiv, bajo Dimitar Tapkoff. Tiene una Licenciatura en guitarra clásica y pedagogía musical. En 2006-2007 estudio composición con el Prof. Dan Dediu en la Universidad Nacional de Música en Bucharest, Rumania. Kerkelov gano el 59 Rostrum Internacional de Compositores en Estocolmo en la categoría “menos de 30” con Intento a Gritar (2012) ; su “Estudios de Tiempo” estuvo entre los “Top 10 trabajos recomendados” en categoría “General” en el 63 IRC en Wroclaw (2016) ;Ha recibido becas de diferentes fundaciones. Ha tenido colaboraciones fructíferas con la Radio Nacional Búlgara.
www.peterkerkelov.com
e-mail: peter_kerkelov@abv
… un Ícaro volador… Bababadalgharaghtakamminarronnkonnbronntonnerronntuonnthunntrovarrhounawnskawntoohoohoordenenthutnuk! Así es como James Joyce describe el total sonido del trueno. Sin embargo, es algo más que un simple susto físico caído del cielo para sacudir en cuerpo terrenal desde adentro. El trueno es la fuerza aplastante hacia el centro de nuestra alma. El trueno es la caída de Ícaro a las profundidades del océano. El trueno es el oleaje que se hunde a la materia efímera del sueño.

12:27
Joyce creía que, durante el sueño, el hombre debe redimirse a través de la conquista, que lo lleva más allá de sí mismo a un mundo sin definiciones. Esta búsqueda para ser un sueño a través de un constante proceso de despertar. Duermevela (estar despierto mientras duermes) es un sueño de sonidos, en donde diferentes imágenes son superpuestas, unidas o que fluyen entre sí. Los instrumentos se alinean febrilmente como si fueran parte de una pintura de Pieter Bruegel el Anciano, en el cual se podría reconocer tanto los truenos retumbantes y formas familiares de tiempos pasados y presentes. A través de sus contornos apáticos no claros, uno podría ver que están bailando, cantando temas folclóricos, riendo y lamentando. La oscuridad es iluminada por la luz de una sola vela. Una vela con una flama que no podría ser apagada. Un fuego que vibra aun en la oscuridad azul de las profundidades del océano, dándome fuerza para respirar al amanecer, fuerza para batir mis alas alto hacia el deslumbrante sol, al coro cantante de los pájaros, a mi despertar como si yo soy…

12:29
PETER KERKELOV (1984, Bulgaria)Duermevela
Int Konstantin Dobroykov director, Bulgarian National Radio Symphony Orchestra.
OP /RADIO Y PRODUCCION / DISCOTECA / TRIBUNA INTERNACIONAL / 01_Kerkelov_Duermevela _S191024_(28’54”)

12:58
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSITORES UNESCO: BULGARIA 03.1

13:00
SRIES/LA ARAÑA PATONA 28′

13:30
CÁPSULAS/ Trayecto Sonoro (291) 3’10”

13:34
NOVEDADES DISCOGRÁFICAS: Música nueva para E-Cello y sonidos electroacústicos
El crepúsculo de la noche (2017) , está inspirado en el poema homónimo de Las flores del mal de Charles Baudelaire, y aludo a una noche de insomnio y pesadillas.
Personae, del compositor Ignacio Baca Lobera, resulta la musicalización de un micro cuento titulado “El final” de I. A. Ireland que retrata como dos personas, una mujer y un hombre, se quedan encerradas tras una puerta muy pesada que no tiene picaporte por dentro, tras el pánico de no saber cómo saldrán de la habitación, la mujer exclama “-A los dos no, a uno solo” para proceder a desaparecer pasando a través de la puerta. Tiene un video de Marisol Vázquez, en donde se mezcla el diálogo vocal y del e-cello de de una forma fantasmal.

13:35
ANA LARA (1959 México)El crepúsculo de la noche (2017) , para cello eléctrico y sonidos electroacústicos.
Int. Iracema de Andrade, e-cello.
IGNACIO BACA LOBERA (1957, México)
Personae (2017) , para cello eléctrico y sonidos electroacústicos
Int. Iracema de Andrade, e-cello.
Música del álbum: Aleaciones – Música para cello eléctrico y sonidos electroacústicos (CD, 2020, México, cero)

13:59
NOVEDADES DISCOGRÁFICAS: Música nueva para E-Cello y sonidos electroacústicos

14:03
CÁPSULAS/Garbanzo libro (163) 5’00”

14:09
MEXICO: MUSICA COLONIAL
El conocimiento sobre la música colonial novohispana se caracteriza por su fragmentariedad, siendo en su mayoría un legado de la música religiosa conservada en archivos catedralicios. Aunque relatos de viajeros describen una vibrante vida musical en templos y plazas, gran parte de la música popular se ha perdido, dado que se transmitía de forma oral. Los villancicos, que comenzaron a surgir en el siglo XVI, fueron una forma de hacer que la liturgia fuera más accesible al pueblo, utilizando un lenguaje vernáculo y ritmos familiares que resonaban con las audiencias locales.
Sin embargo, la inclusión del español en la música religiosa generó tensiones significativas. Felipe II impuso una prohibición en 1596 para que solo se cantara en latín en su capilla, aunque esto no detuvo el uso de los villancicos en las iglesias. En muchos casos, la resistencia de las comunidades permitió que estas tradiciones se mantuvieran vivas a pesar de las restricciones. Así, los villancicos se convirtieron en un medio de expresión cultural que, aunque sancionado, continuó siendo celebrado y apreciado.
La influencia de la música africana empezó a notarse desde la llegada de los conquistadores, quienes trajeron consigo a numerosos esclavos. Estos contribuyeron a enriquecer la vida musical en América, aportando ritmos y estilos que se fusionaron con las tradiciones locales. Compositores como Gaspar Fernández, quien fue maestro de capilla en Puebla, incorporaron elementos de la música negra en sus obras, creando villancicos que reflejaban esta fusión cultural. Los términos “guineo” o “negrilla” se usaron para describir este tipo de música, que capturaba la esencia de la vida popular.
A su vez, el género de la jácara, a menudo relacionado con el ambiente del bajo mundo, también emergió en este contexto musical. Este género combinaba elementos religiosos y profanos, reflejando las tensiones entre diferentes culturas y tradiciones. Compositores como Juan Gutiérrez de Padilla, que sucedió a Fernández, mantuvieron esta mezcla, utilizando ritmos que evocaban la música popular y celebrando la cultura mestiza en sus composiciones.

14:12
FABIÁN PÉREZ XIMENO (c. 1600-1648, España) – Ay, Galeguiños
Fray JERÓNIMO GONZÁLEZ DE MENDOZA (c. 1600-1660, España)
– Serenissima una noche
ANÓNIMO
– Los impossibles
JUAN GARCÍA DE ZÉSPEDES (1619-1678, España)
– Convidando está la noche
IGNACIO JERUSALÉN (c. 1707-1769, España)
– Chico de mis ojos
JUAN GUTIÉRREZ DE PADILLA (c. 1590-1664, España)
– A la xácara xacarilla
JUAN DE LIENAS (c. 1630, España)
– Lamentación
GASPAR FERNÁNDEZ (c. 1560-1629, Portugal)
– Ximoyolali siñola
Int: GRUPO HERMES: Luz Angélica Uribe, Carmen Huerta, sopranos; Ricardo Cinta, contratenor; Carlos Hinojosa, tenor; Edgar Morales, bajo; Isabelle Villey, laudista.
Música del álbum: MEXICO MUSICA COLONIAL. (CD 1990 ca. México, LUZAM)

14:34
MEXICO: MUSICA COLONIAL

14:35
CÁPSULAS/Murmullo de Sirenas (18) 4’00”

14:40
MEXICO: MUSICA COLONIAL
Con el tiempo, figuras como Juan García de Zéspedes y Ignacio Jerusalén adoptaron estilos más operísticos, marcando un cambio hacia la influencia del bel canto italiano. Este cambio se hizo evidente en obras que combinaban recitativos y arias, alejándose de las estructuras polifónicas tradicionales que habían caracterizado la música anterior. La obra de Jerusalén, por ejemplo, muestra un enfoque más lírico que incorpora elementos de la ópera, lo que representa una evolución en la música religiosa novohispana.
La música instrumental también ganó relevancia en esta época, con el Códice Saldívar 4 destacándose como un documento importante. Este manuscrito, compilado por el guitarrista español Santiago de Murcia, incluye danzas populares, sonatas en estilo italiano y otras composiciones que reflejan la diversidad musical de la Nueva España. Las danzas, como los zarambeques, eran particularmente populares, a menudo descritas como alegres y bulliciosas, asociadas con celebraciones y festividades.
La práctica del canto acompañado por guitarra era una costumbre ampliamente difundida. Hay numerosas menciones en la literatura que destacan cómo esta combinación de voz y guitarra creaba un ambiente festivo en celebraciones se describen fiestas donde las guitarras se utilizaban para complementar las voces en celebraciones reales, lo que refleja cómo en Nueva España se replicaban estas tradiciones.
En conjunto, la música colonial en Nueva España se caracterizó por una rica mezcla de influencias indígenas, africanas y europeas. Este entorno musical diverso y dinámico evolucionó a lo largo de los siglos, reflejando la compleja interacción entre distintas culturas y tradiciones. Los compositores de esta época lograron capturar la esencia de una sociedad en transformación, creando un legado musical que, a pesar de las limitaciones y prohibiciones, sigue resonando en la historia cultural de México.

14:43
GASPAR FERNÁNDEZ (c. 1560-1629, Portugal) – Xicochi conezintle (del náhuatl: duerme, duerme oh bebito)
DON HERNANDO FRANCO (c. 1532-1585, España)
– Santa María he — Dios itlaçonantzine
JUAN GUTIÉRREZ DE PADILLA (c. 1590-1664, España)
– A siolo flasiquiyo
GASPAR FERNÁNDEZ (c. 1560-1629, Portugal)
– Tantarantán a la guerra van
ANÓNIMO
– Zarambeque
Int: GRUPO HERMES: Luz Angélica Uribe, Carmen Huerta, sopranos; Ricardo Cinta, contratenor; Carlos Hinojosa, tenor; Edgar Morales, bajo; Isabelle Villey, laúd.
Música del álbum: MEXICO MUSICA COLONIAL. (CD 1990 ca. México, LUZAM)

14:59
MEXICO: MUSICA COLONIAL

15:01
CÁPSULAS/ Como ves /Centrales (50) 5’05”

15:07
MUJERES EN LA MÚSICA: LISA GERRARD DE DEAD CAN DANCE, compositora y cantante australiana
Nacida en Melbourne, Australia, Lisa Gerrard es una de las enigmáticas voces que comprende el dueto de Dead Can Dance. Brendan Perry es su cómplice en este proyecto de Darkwave Neoclásico que ella describe como “devaneos neoclásicos y ambientales”. Gerrard convivió desde muy pequeña con la cultura griega, turca, italiana, irlandesa y árabe. Sus mismos padres eran inmigrantes irlandeses.
En su trayectoria de más de veinte años fue galardonada con un globo de oro por la banda sonora de Gladiador en la que colaboró con Hans Zimmer.
La pieza que escucharemos a continuación la encontramos en el séptimo álbum de estudio de Dead Can Dance.

15:09
DEAD CAN DANCE (1981, Reino Unido/Australia. Asentado en Londres desde 1982)Devorzhum (del ruso: devorar) ;
Int. DEAD CAN DANCE: Brendan Perry (1959 RU, compositor y músico) ; Lisa Gerrard (1961 Australia, compositora y cantante)
Música del álbum: DEAD CAN DANCE Spiritchaser (CD 1996, Reino Unido Marner Music Group)

15:16
MUJERES EN LA MÚSICA: LISA GERRARD DE DEAD CAN DANCE, compositora y cantante australiana; ÚRSULA MAMLOK, compositora alemana;
ÚRSULA MAMLOK nació con el nombre de Úrsula Meyer en Berlín donde estudió piano y composición. El Nazismo la orilló a emigrar en un principio hacia Ecuador y posteriormente a Nueva York becada por la Escuela de Música de Mannes. También obtuvo el título de maestría por la Escuela de Música de Manhattan durante los 50s. Mamlok describe así el estilo de sus composiciones: “mi música es colorida, con el fondo de la tonalidad – centros tonales… No puedo desprenderla completamente”.
De ella escucharemosa continuación Phantarhei (Time in Flux) interpretadas por Francesco Trio.

15:17
ÚRSULA MAMLOK (1923-2016, Alemania)Phantarhei (Time in Flux) : I. Agitato; Phantarhei (Time in Flux) : II. Vivace, misterioso – in Waltz Time; Phantarhei (Time in Flux) : III. Molto tranquilo; Phantarhei (Time in Flux) : IV. Allegro energico; Phantarhei (Time in Flux) : V. Distant
Int. Francesco Trio
Música del Álbum: Contemporary American Piano Trios Vol.2 (CD 1996, EU; Music & Arts)

15:26
MUJERES EN LA MÚSICA: ÚRSULA MAMLOK, compositora alemana; KAIJA SAARIAHO, compositora finlandesa
KAIJASAARIAHO comenzó sus estudios musicales en su natal Finlandia. Después dichos estudios la llevaron a Freiburg y a Paris.
El Instituto de Investigación y Coordinación Acústica/Música, el IRCAM, la influyó enormemente. Profundiza con maestría en las texturas que son resultado de una mezcla en directo y de producciones electrónicas.
KAIJASAARIAHO fallece el 2 de junio de 2023, en París, Francia, su lugar de residencia.

15:27
KAIJA SAARIAHO (1952-2023, Finlandia)Tocar (Versión para flauta y arpa) ; Mirrors;
Int. Camille Hoienga, flautas; AnssiKarttunen, cello; Daniel Belcher,
baritone; HéloïseDautry, arpa
Música del álbum: Let the Wind Speak (CD 2015, Finlandia; Ondine)

15:38
KAIJA SAARIAHO (1952-2023, Finlandia) OiKuu (Versión para flauta bajo y cello)
Int. Camille Hoienga, flautas; AnssiKarttunen, cello; Daniel Belcher,
baritone; HéloïseDautry, arpa
Música del álbum: Let the Wind Speak (CD 2015, Finlandia; Ondine)

15:45
despide y presenta obras

15:46
KAIJA SAARIAHO, compositora finlandesa; HILDEGARDE VON BINGEN, compositora alemana.
En el camino enigmático que ha llevado esta selección no podía faltar Hildegarde Von Bingen, una mujer alemana, ilustrada y prolífica en todas las artes. Perteneció a la Orden de San Benito. Casi toda su obra fue escrita en latín medieval. Como compositora fue muy prolífica. Para la Sibila del Rin (como a Hildegarda se conocía) , el canto y la música eran de suma importancia. Por esa misma razón la totalidad de sus obras fueron creadas para las necesidades litúrgicas de su comunidad. Von Bingen describe al canto como “una manifestación del espíritu divino en el hombre”.

15:47
HILDEGARDE VON BINGEN (1098-1179, Alemania)Responsory (Responsorio) : spirituisancto (santificado) ;
Antiphon (Antífona) : studiumdivinitatis (Estudio de lo Divnino) ;
Antiphon (Antífona) : o ruborsanguinis (¡Oh sangre roja!)
Int. Anonymous 4: Ruth Cunningham, Marsha Genensky, Susan Hellauer, Maria Rose.
Música del álbum: 11,000 Virgins Chants for the Feast of St. Ursula/ Anonymous 4 (CD 1997, Harmonia Mundi, EU) .

15:57
MUJERES EN LA MÚSICA: HILDEGARDE VON BINGEN, compositora alemana.

16:00
SERIES / ESQUINAS AZAR (RTS DEL MARTES) 12′

16:15
ERIK SATIE (1866-1925, Francia) / XIMO TÉBAR (1963, España) “Gymnopédie” N° 1 y “Gnossienne” N° 1 del álbum “Celebrating Erik Satie”
Int. Ximo Tébar, guitarra y arreglos;
Stacy Dillard, saxofón soprano;
Sean Jones, trompeta;
Robin Eubanks, trombón;
Jim Ridl, sintetizador;
Orrin Evans, Fender Rhodes;
Boris Kozlov, bajo;
Donald Edwards, percusión
(2009, España, Instituto Valenciano de la Música)

16:29
El compositor y guitarrista francés Roland Dyens nace el 19 de octubre de 1955 en Túnez.

16:30
ROLAND DYENS (1955-2016, Francia) Concierto en si para guitarra y conjunto de 21 guitarras (en honor a Mario Castelnuovo-Tedesco)
Int. Ensamble de guitarras “Côté Sud”
Dir. desde la guitarra solista Roland Dyens
(1994, Francia, sello L’empreinte digitale)

17:00
SERIES / SABEN LAS PALABRAS 28′ (RTS DEL LINES)

17:30
SERIES / GABINETE DE CURIOSIDADES 15′

17:46
JEAN LANGLAIS (1907-1991, Francia) Cinco motetes: “Ave mundi Gloria”; “O salutaris hostia”; “Tantum ergo” y “O bone Jesu”
Int. Coro Femenino Calliope
Dir. Régine Théodoresco
(2000, sello Arpege)

18:02
SERIES / MUNDOFONÍAS

19:01
SERIES / ISLAS RESONANTES

19:52
ajuste cápsula 7 minutos

20:02
presenta radiodrama (ojo ya no hay texto de contexto) .

20:03
SERIES / R-DRAMAS La sombra del valle DURACION VARIAD: 27’33”

20:31
CÁPSULAS/ Garbanzo libro (164) 5’00”

20:37
JAZZ: PATH JAM IN MILANO-ARCHIE SHEPP, NAPOLEON MADDOX, OLIVER LAKE, JOE FONDA, HAMID DRAKE, COCHEMEA GASTELUM
ARCHIE SHEPP, saxofonista y compositor de jazz, es una figura relevante dentro de la evolución del free jazz, y sin duda, uno de los músicos más influyentes de su generación. En ese sentido, a lo largo de su carrera, ha explorado, no solo, los horizontes creativos en la exploración sonora, sino que también ha utilizado su carácter y/o potencia estética, como herramienta de expresión política y cultural. Dicho lo anterior, en 2007, Shepp lanzó Phat Jam in Milano, un álbum en vivo, grabado en Milán Italia, que captura la energía intrínseca, así como la diversidad musical, pues este disco contiene las influencias del free jazz entrelazado con elementos de otras músicas,
tales como el hip hop y el funk, creando un diálogo entre el pasado y el presente.
De tal modo, Phat Jam in Milano es una colaboración que destaca los nombres del rapero y activista Napoleon Maddox, el saxofonista alto Oliver Lake, el bajista Joe Fonda, el baterista Hamid Drake, y el saxofonista Cochemea Gastelum, que en conjunto, logran convertir dicho lenguaje en una reflexión sobre la lucha por la libertad y la igualdad; constante en la obra de Shepp, ya que, al igual que en sus grabaciones anteriores, no evita las referencias al espíritu combativo y la reivindicación social.

20:39
ARCHIE SHEPP (1937 Estados Unidos) , OLIVER LAKE (1942 Estados Unidos) , HAMID DRAKE (1955 Estados Unidos) , COCHEMEA GASTELUM (1972 Estados Unidos) .Dig (coda sax: Sonny)
FRED SARGOLINI (Estados Unidos) , AARON ALBANO (Estados Unidos) , JACK
WALKER (Estados Unidos) .
The life we chose (La vida que escogimos)
Int. Archie Shepp, Saxofón Tenor; Oliver Lake, Saxofón Alto; Cochemea Gastelum, Saxofón barítono; Joe Fonda, Contrabajo; Napoleon Maddox, Voces y Beatbox; Hamid Drake, Batería.

20:56
JAZZ: PATH JAM IN MILANO-ARCHIE SHEPP, NAPOLEON MADDOX, OLIVER
LAKE, JOE FONDA, HAMID DRAKE, COCHEMEA GASTELUM

20:57
CÁPSULAS/ Poemas MC (1675) 3’03”

21:01
CÁPSULAS/ Éxtasis Dalí (425) 5’00”

21:07
JAZZ: EVAN PARKER: ELECTRO-ACOUSTIC ENSEMBLE – MEMORY/VISION
Vision/Memory es un álbum de Evan Parker, el cual fue lanzado en 1991, en donde la influencia del jazz vanguardista, en conjunto por el gusto por la música electrónica de Parker, logra representar, de ese modo, una obra fundamental, tanto de su carrera, como de la improvisación libre.
En este disco, Parker explora los horizontes de significados entre la memoria y la visión a través de su sonido característico en el saxofón soprano, ya que, al utilizar técnicas extendidas, tales como el uso de la respiración circular y la producción de multifónicos, le es permitido construir paisajes sonoros, donde la repetición y la continua creación de texturas, se entrelazan con improvisaciones para evocar una reflexión sobre el paso del tiempo. Dicho lo anterior, la música parece que se encuentra impregnada en un sentido de evolución constante, ya que al buscar el equilibrio entre lo acústico y lo abstracto, cada sonido parece surgir de manera estructurada en comparación al anterior, creando de esa manera, una emanación continua que atrapa al oyente en un ciclo de imaginación y desplazamiento, invitándonos; como espectadores, a enfocarnos en los matices y las capas subyacentes que parecen emerger de una interacción entre tiempos diferentes.
Por otra parte, los aspectos más interesantes de este disco, derivan en la manera que tiene Parker para otorgar una sensación casi orquestal con un solo instrumento; insistiendo nuevamente, en su trabajo de respiración continua para crear frases “infinitas” que buscan desafiar las limitantes mecánicas que conlleva el saxofón.
De tal modo, Vision/Memory resulta ser también un ejemplo del impulso creativo y de la experimentación que caracterizó a la escena de improvisación libre en Europa durante las décadas de 1980 y 1990.

21:10
EVAN PARKER (1944 Inglaterra)Parte 2; Parte 5.
Int. Evan Parker, Saxofón soprano; Philipp Wachsmann, Violin; Agusti Fernandez,
piano; Barry Guy, Contrabajo; Paul Lytton, Percusiones; Lawrence Casserley,
Procesamiento de señales; Joel Ryan, Walter Prati, Marco Vecchi, Procesamiento de sonido. Música del álbum: Evan Parker, Memory/Vision (CD 2002, Alemania; ECM)

21:35
CÁPSULAS/ Ráfagas Pensamiento (384) 2’24”

21:38
JAZZ: EVAN PARKER: ELECTRO-ACOUSTIC ENSEMBLE – MEMORY/VISION
Continuando con esta sección, un dato interesante, es que Parker ha comentado en varias entrevistas acerca de su fascinación por la física referente al sonido y al tiempo, algo que queda claro en este álbum. En ese sentido, esta idea parece que se convierte en una exploración filosófica sobre cómo percibimos el paso del tiempo y la manera en que la memoria se puede integrar dentro de la experiencia en nuestro presente.
De tal modo, entendemos que entre los colaboradores más habituales de Evan Parker en esta etapa de su carrera estuvieron de manera presente músicos igualmente destacados de la escena europea de la improvisación libre, tales como el bajista Barry Guy y el baterista Paul Lytton, los cuales fueron parte fundamental en la configuración de la música que Parker creó, ya que, este tipo de colaboraciones fueron esenciales para el imaginario existente en sus composiciones musicales, en tanto se nutrió de la
interacción y del diálogo musical, creando una simbiosis que buscaba trascender y
resignificar los movimientos sonoros.

21:40
EVAN PARKER (1944, Inglaterra)Partes 3 y 4.
Int. Evan Parker, Saxofón Soprano; Philipp Wachsmann, Violin; Agusti Fernandez,
piano; Barry Guy, Contrabajo; Paul Lytton, Percusiones; Lawrence Casserley,
Procesamiento de señales; Joel Ryan, Walter Prati, Marco Vecchi, Procesamiento de sonido. Música del álbum: Memory/Vision (CD 2002, Alemania; ECM)

21:59
JAZZ: EVAN PARKER: ELECTRO-ACOUSTIC ENSEMLE – MEMORY/VISION

22:02
CINE SONORO-DISCOTECA 58′

22:02
STANLEY MYERS (Inglaterra, 1933-1993) Selección de la banda sonora de: Las Brujas (1990)

23:11
NOCTURNO ROCK -DISCOTECA 47′

23:11
CHELSEA WOLFE (Estados Unidos, 1983) House of Self-Undoing (She Reaches Out to She Reaches Out To, 2024)
ESBEN AND THE WITCH (Inglaterra, 2008)
No Dog (No Dog, 2014)
MUSCLE AND MARROW (Estados Unidos, 2016)
My Fear (LOVE, 2016)
ANNA VON HAUSSWOLFF (Suecia, 1986)
Dead Magic (Vanishing of Electra, 2017)

23:34
KING DUDE (México, 2010) Forty Fives Say Six Six (Full Virgo Moon, 2020)
BY THE SPIRITS (Polonia, 2017)
I´m Fire (We are Falling, 2018)
ROME (Luxemburgo, 2005)
One Fire (A Passage to Rhodesia, 2014)
MEDICINE BOY (Sudafrica, 2013)
Feel It Again (Take Me With You When You Disappear, 2020)
SUBROSA (Brasil, 2006)
Whippoorwill (No Help for the Mighty Ones, 2011)
KING WOMAN (Estados Unidos, 2011)
Burn (Doubt, 2015)

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Sábado 19 de octubre de 2024