FM| Sábado 29 julio 2023

RADIO UNAM
PROGRAMACIÓN FM

0:03
FUSIONES: ‘En casa de Nur’ y ‘Athos, un viaje hacia la montaña sagrada’
JOHN COLTRANE (1926-1967 EU, saxofonista, alto, tenor y bajo y flautista)
Spiritual (Arreglos de Marcos Miranda) ;
Música del álbum En casa de Nur (CD 2003, México)
Int. Marcos Miranda, salterio; Pavel Sandoval, percusión

0:11
STEPHAN MICUS (1953 Alemania, multi-instrumentista) Música del álbum Athos, un viaje hacia la montaña sagrada (CD1994, Alemania, ECM) .
Int. STEPHAN MICUS

0:29
FUSIONES: ‘Migrant songs’ y ‘Bahia nights’
Heyser bulgar (J. Chemiansky) ; Entre pasos (Anita von Ballmoos) ;
Moscow nights (tradicional ruso) ; Sappo in spring (Anita von Ballmoos) ;
Música del álbum Migrant Songs (CD 2000)
Int. Ensamble ‘La quinta esencia’: Anita von Ballmoos, acordeón;
Gilberto ‘Beto’ González, bajo; Salomón Mawaad, saxofón;
Federico Azuz, guitarra; Michel Lombard, percusión.
Músicos invitados: Tessa Marik, piano; Ken Basman, guitarra eléctrica;

0:48
Rumba de los Regis; Tango Flamenco; Latcho Rock;Música del álbum “Bahia Nights” (CD 2002)
Int. The Blond Gypsies (Joerg ‘Latcho’ Bartelsen, guitarra; Andrea Kast, guitarra rítmica y músicos invitados:
Sergio Basurto Valencia, palmas, jaleos, voz; Ken Basman, guitarra eléctrica

01:01
SERIES / TESTIMONIO DE OÍDAS

02:01
GARY THOMAS (1961 Estados Unidos) Who’s in control?; only Hear say; Par i ah’s Par i ah
Música del álbum: Par i ah’s Par i ah (cd, 1998, Alemania, Winter & Winter)
Int. Gary Thomas, saxofones; Gre Osby, saxofones; Michael Formarek, bajo; John Arnold, batería

02:34
GILAD HEKSELMAN (1983 Israel) Hearts wide open; The buchket kicker; Understanding Will you let it?; Epilogue
Música del álbum: Heats wid open (cd, 2010, Austria, Chant du Monde)
Int. Mark Turner, saxofón; joe Martin, bajo; Marcus Gilmore, batería; Gilad Hekselman, guitarra

3:03
WADALA LEO SMITH (1941 Estados Unidos) Reflectativity; Bllue Flag; Sisherman T wmukl-d; Hanabishi
Música del álbum: America (cd, 2009, Estados Unidos, Tzadik)
Int. Leo Smith, trompeta; Anthonhy Davis, piano; Malachi Favors Magoustous, bajo

3:56
CÁPSULAS/ Ráfagas Pensamiento (04) 3’49”

4:01
ANAT FORT (1970 Israel) Some; Something Bout Camels; If; Lanesboro; Minnesota
Música del álbum: And If (2010, Alemania, ECM)
Int. Anat Fort Trio

4:33
CÁPSULAS/ Poemas (MC) 1524 2’23”

4:35
KIKO BERENGUER (España) Canastera; Bolero cojo; Ceifera; Hoja y piña; Reencuentro
Música del ábum: Mi camino (CD 2009, España, Kiko Berguerer)
Int. Kiko Berguerer, saxofones; Juan Carlos Gómez, guitarra, Rafael Vargas, cante; Rogerio Campas, bajo; Rafa Villalba, percusiones; Antonio Serrano, armónica; Ximo Tebar, guitarra; Isable Lópéz, cuerdas

5:02
VARIOS COMPOSITORESU dunaje u prespurka; Paragrah Jay; Only One; Windfall
Música del álbum: Journey’s End (CD 1983, Estados Unidos, ECM)
Int. Miroslav Vitous, bajo; John Surman, saxofones y clarinetes; John Taylor, piano; Jon Christensen, batería

5:31
CÁPSULAS/ Garbanzo libro (122) 5’00”

5:36
WALTER NORRIS (1931-2011 Estados Unidos) From another star; images enhanced; Elysium; A crest of amber
Música del álbum: From another star (cd, 2001, Estados Unidos, GEMA)
Int. Wlater Norris, piano; Mike Richmond, bajo

6:00
HIMNO NACIONAL

6:16
MÚSICA TRADICIONAL DE UZBEKISTAN
CANCIONES TAJIKAS CLASICAS
Ushsôqi Samarqand (esto es Samarqand) ; Kôtibi azal (piel de kelpìe) ; Bir Gozal (un gozal)
Música del álbum: Farhôd Qôri Halimov – Chants classiques Tadjiks (CD 2007, sello, Radio France)
Int. Farhôd Qôri Halimov, voz, tambur, Gozal Muminova, laúd, rabôb Toraqul Juraqulov, percusiones

6:36
CÁPSULAS/ Cómo Ves / centrales (043) 4’38”

6:40
DOMINIO POPULAR VIETNAMITA
Thi Nhip: Vo Nuoc (el rítmo: agua) ; Noi su ghe rau: noi ke (donde están las verduras: en dónde) Sap co phong (tendrá espacio) ; Sap qua cau (cruzando el puente) ; Ke hanh: hat ru ke (hombre: ru ke)
Música del álbum: Vietnam: Hat Cheo (CD: 1989, sello UNESCO)
Int. Bac Nam Ngu, percusión, voz. Bac Phâm, voz, trông dê. Bac Minh Ly, voz. Bui Trong Dan, voz. Manh Tuân, voz. Hông Vân, voz. Thanh Hoài, voz. Xuân Thinh, nhi môt. Thach Trung, nhi hai. Phu Quang, hô trung. Ngoc Mai, sao. Tran Vinh, tiêu. Mông Ung, nguyêt. Ngoc Câp, bâu.

7:03
MÚSICA TRADICIONAL DE TÙNEZ
YOUSRA DHAHBI (1966, Tunez, laudista, músico)
Raksa/danse; Hanin/Tendresse; Tahmila Rast
Música del álbum: Yousra Dhahbi – Rhapsody for lute (CD 2004, sello, Harmonia Mundi)
Int. Yousra Dhahbi, laúd

7:30
CÁPSULAS Listo para Rodar (05) 2’43”

7:33
MÚSICA TRADICIONAL DE COLOMBIA
JUSTO ALMARIO (1949, Colombia, compositor, flautista)
Abrazos y besos
LUIS URIBE BUENO (1916 – 2000, Colombia, compositor, guitarrista)
Bandolita
José María Tena (1895 – 1951, Colombia, compositor)
Noches del Tolima
ARMANDO GONZÁLEZ (Colombia, compositor)
Pajarillo
LUIS EDUARDO BERMÚDEZ (1912 – 1994, Colombia, compositor)
Huracán
Música del álbum: Herencia (CD: 2006, sello Daquí)
Int. Armando González, cuatro llanero. Ignacio Ramos, flauta. Julián Gómez, contrabajo

8:04
29 de julio del 2023: 167 años sin Robert Schumann, compositor y crítico musical
Buenos días, hoy recordamos a uno de los más grandes compositores y críticos musicales de Alemania: Robert Schumann, que cumple 167 años desde su fallecimiento.
Nació el 8 de junio de 1810, siendo el quinto y último hijo de la familia. Pasó su infancia cultivándose de literatura y música gracias a la influencia de su padre, que fue librero, editor y novelista.
Se casó en 1840 con la pianista Clara Josephie Wiek, y en 1850 fue nombrado director musical en Dusseldorf.
Se cree que Schumann era esquizofrénico o maniaco depresivo, es por eso que en febrero de 1854 intentó suicidarse arrojándose desde un puente al río Rin. Fue rescatado y llevado a casa por unos barqueros. Dos años más tarde, ya en
un sanatorio psiquiátrico, cuando tenía 46 años, muere víctima de un colapso neuro-circulatorio. Tras su muerte, Clara, su esposa, se encargó de dar a conocer por toda Europa la obra de Robert, dándole gran fama tras varias décadas de gira. Clara, fallecida en 1896, se halla enterrada en la misma tumba que él.
Su vida y obra reflejan en su máxima expresión la naturaleza del Romanticismo: pasión, drama y alegría. En sus obras, de gran intensidad lírica, se encuentra una notable complejidad musical con la íntima unión de música y texto
Dichterliebe, “Amor de Poeta” (1840) , es el ciclo de canciones más conocido de Robert Schumann (Op. 48) . Los textos de las 16 canciones provienen del Lyrisches Intermezzo (Intermezo lírico) de Heinrich Heine, escrito entre 1822y 1823; y publicado como parte del Das Buch der Lieder (Libro de Canciones) de Heine. Siguiendo los ciclos de canciones de Franz Schubert (Die Schöne Müllerin e Winterreise) , los de Schumann forman parte del núcleo más selecto de la literatura romántica musical.
Aunque la indicación de la partitura señala una voz aguda (soprano o tenor) , suele ser interpretada por la voz de un barítono, como en la grabación que escucharemos a continuación.

8:06
ROBERT SCHUMANN (1810-1856, Alemania) Dichterliebe, “Amor de Poeta” (1840) , ciclo de 16 canciones. Textos de Heinrich Heine:
1. En el maravilloso mes de mayo; 2. De mis lágrimas brotan; 3. La rosa, el lirio, el sol, la paloma; 4. Cuando miro tus ojos; 5. Quiero sumergir mi alma; 6. En el Rihn, en su bienaventurada corriente; 7. No te guardo rencor; 8. Si supieran las florecillas;
9. Son flautas y violines; 10. Si oyera sonar la canción; 11. Un muchacho quiere a una muchacha. 12. En la radiante mañana de verano; 13. He llorado en sueños;
14. Te veo en sueños todas las noches; 15. Desde antiguas leyendas; y
16. Las viejas y horribles canciones.
(CD 1979, sello Polydor International GmbH, Hamburgo, Alemania) .
Int. Dietrich Fischer-Dieskau; barítono; Christoph Eschenbach, piano.

8:35
29 de julio del 2023: 167 años sin Robert Schumann, compositor y crítico musical

8:36
CÁPSULAS/ Flores Magón (07) 4’02”

8:41
29 de julio del 2023: 98 años de Mikis Theodorakis (1925-2021) , compositor griego
Mikis Theodorakis compositor e intelectual griego también conocido por su militancia política, fue criado con la música popular griega. En Patras y Pyrgos tomó sus primeras lecciones de música, y en Trípoli, Peloponeso, dio su primer concierto a los 17 años.
Cursó estudios en el Conservatorio de Atenas, y en 1950 obtiene su diploma en armonía, contrapunto y fuga.
A continuación, escucharemos una selección de su Trilogía de Mauthausen, también conocida como La Balada de Mauthausen o la Cantata de Mauthausen; un ciclo de poemas escritos por el poeta griego Iakovos Kambanellis en un campo de concentración de Mauthausen.
La Trilogía de Mauthausen ha sido descrita como la “más hermosa obra musical jamás escrita sobre el Holocausto “, y como “una melodía exquisita, inquietante y apasionada que mueve las palabras que afectan a Kambanellis a un nivel aún más alto”.
Su estreno mundial fue en mayo de 1988, en el campo de concentración de Mauthausen, Austria; dirigido por Theodorakis y cantada por María Farandouri en griego, Elinor Moav en hebreo y Gisela May en alemán.
La balada refleja la propia experiencia de Kambanellis en Mauthausen, aquí incluye su amor por una judía lituana al relatar el amor entre un joven prisionero griego y su amor judío, en medio de las atrocidades que presenciaron en el campamento.

8:43
MIKIS THEODORAKIS (29 julio 1925 – 2 de septiembre de 2021, Grecia, Compositor e intelectual) Selección del álbum “Trilogía de Mauthausen”: 1. Cantar de los cantares (hebreo) , 4. El fugitivo, 5. Cuando acabe la guerra, 6. Cantar de los cantares (inglés) . (CD 2000, Sello Pläne)
Int. María Farandouri, Elinor Moav y Gisela May, voces; Orquesta Filarmonica de Israel; Nikos Antypas, batería; Christian Boissel, oboe; Julie Dennis, voz; Jens Naumilkat, violonchelo; Henning Schmiedt, piano; Willie Wagner, contrabajo; Jannis Zotos, guitarra acústica; Nadia Weinberg, voz; Mikis Theodorakis, compositor y director.

8:59
29 de julio del 2023: 98 años de Mikis Theodorakis (1925-2021) , compositor griego

9:04
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN
La música a veces existe por sí misma, no conectada a nada, y sin la intención de representar una imagen en particular, sin embargo, en el caso de las películas pasa todo lo contrario. El compositor tiene la tarea de ayudar a las imágenes a provocar en nosotros las emociones que el director de la película está buscando. A veces los mundos que nos muestra una película son completamente fantásticos y no tenemos ningún sonido que asociemos con aquel lugar o situación. Es en este momento cuando la creatividad del compositor se convierte en algo extremadamente valioso.
La película animada de Hayao Miyazaki, director japonés: “El Viaje de Chihiro” (2001) , nos muestra la aventura de una niña que entra a un mundo lleno de seres mágicos para salvar a sus padres, quienes han sido convertidos en cerdos, luego de comer comida hecha para los dioses. Para lograr salvarlos debe trabajar en los baños tradicionales japoneses, al servicio de la bruja Yubaba. Y al hacerlo, nunca olvidar su verdadero nombre, ya que, si lo olvida, estaría condenada a trabajar ahí por siempre.
El compositor japonés Joe Hisaishi, quien también dirige a la orquesta que escucharemos a continuación, no es ningún extraño a componer música que evoca a la magia, gracias a su repetida colaboración con el director Hayao Miyazaki. Es todo un maestro para complementar ambientes llenos de paisajes y criaturas maravillosas. Visto todo desde la perspectiva de una niña que se está descubriendo a sí misma, y cuyo objetivo es regresar a su casa con sus padres, nos evoca sensaciones de nostalgia, descubrimiento y reencuentro.

9:06
YUMI KIMURA (Japón, cantante)Always with me
JOE HISAISHI (1950, Japón, compositor y pianista)
One summer’s day; The dragon boy; Procession of gods; Kaonashi; The Sixth station; Reprise.
Música del álbum: SPIRITED AWAY ORIGINAL SOUNDTRACK (CD. 2001, Japón. Sello: Studio Ghibli Records)
Int: New Japan Philharmonic Orchestra; Joe Hisaishi, director; Yumi Kimura, voz.

9:31
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN

9:32
Uno de los elementos más importantes en la música de las películas es el llamado leitmotiv, [se pronuncia laitmotiv] que es un tema que se repite en varias ocasiones y que asociamos con un personaje, un lugar o una emoción.El compositor estadounidense John Williams es un famoso maestro del uso del leitmotiv, utilizándolo ampliamente en películas como Star Wars, donde el leitmotiv más famoso es el tema de Darth Vader.
El soundtrack que escucharemos, también a cargo de John Williams, es el de la primera película de la serie Jurassic Park. En él podremos identificar claramente dos leitmotiv principales, uno que corresponde a la inimaginable experiencia de encontrarse con animales que llevan millones de años extintos. Y otra variación del mismo, que en vez de emoción y alegría evoca una sensación de tranquilidad o quizá nostalgia.
Los leitmotivs pueden cambiar de una forma sutil o completamente opuesta su significado original, dependiendo de en qué situación se encuentra el personaje o lugar dentro de la trama. Pero los podemos siempre identificar y suelen ser muy persistentes a lo largo de una película.
Si bien es cierto que los leitmotivs son utilizados ampliamente en las películas, hay que recordar que surgieron en la música académica, en 1830 con la Sinfonía Fantástica, del compositor francés Héctor Berlioz, y continuaron siendo usados hasta convertirse con los años en uno de los recursos musicales más valiosos para los compositores.

9:34
JOHN WILLIAMS (1932, Estados Unidos, compositor, director de orquesta) Theme form Jurassic Park; Journey to the Island; Welcome to Jurassic Park; End Credits. Música del álbum: JURASSIC PARK: ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNTRACK (CD. 1993, Estados Unidos. Sello: MCA Records)
Int: Orquesta de nombre no especificado; John Williams, director.

9:58
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN

10:00
JOCUS POCUS 58′

11:01
CÁPSULAS/ Trayecto Sonoro (214) 3’37”

11:06
2023: 100 años de “Las Bodas”, de Ígor Stravinsy
“Las Bodas”, (Les noces, en francés) es una cantata balada o ballet con solistas.
Música de Ígor Stravinsky. Este ballet se estrenó el 13 de junio de 1923 en París, por los
Ballets Rusos, con coreografía de Bronislaya Nijinska; escenografía de Natalia
Goncharova.
Stravinski concibió por vez primera escribir el ballet en 1913 y lo terminó en una partitura abreviada para octubre de 1917. Durante el largo período de gestación, cambió
drásticamente la orquestación. Al principio concebido para una orquesta sinfónica
ampliada parecida a la de la Consagración de la Primavera dos con rollos, incluyendo la pianola, pero abandonó esa versión cuando estaba solo en parte terminada,
debido a la tardanza de la empresa parisina de pianos Pleyel para la construcción de los címbalos húngaros, con dos teclados. Stravinski finalmente estableció la siguiente dotación: soprano, mezzo-soprano, tenor, y bajo solistas, coro mixto y dos grupos de instrumentos de percusión, incluyendo cuatro pianos. Esta orquestación
ejemplifica la creciente tendencia de Stravinski a grupos de sonido desnudo,
claro y mecánicos en la década posterior a la Consagración, aunque él nunca
volvería a producir un efecto sónico tan extremo solamente con percusión.
El estreno de la versión de 1919 de Las bodas, con címbalos húngaros, armonio y pianola, tuvo lugar en 1981 en París, dirigida por Pierre Boulez.
La versión inacabada que incluye la pianola fue terminada con permiso de los
herederos de Stravinski por el compositor holandés Theo Verbey; y fue interpretada
en los Países Bajosen 2009.

11:08
ÍGOR STRAVINSKY (1882-1971, Rusia-Francia-EU, compositor, pianista y director) Las Bodas (1923) , en 4 cuadros: 1. Las trenzas; 2. En la Casa del novio; 3. La salida del puente; 4. La fiesta de Boda.
Int. Anny Mory, soprano; Patricia Parker, mezzo-soprano; John Mitchinson, tenor; Paul Hudson, bajo; Martha Argerich, Krystian Zimerman, Cyprien Katsaris, Homero Francesch, pianos; Coro y Ensamble de Percusiones del Festival Inglés Bach; Dir. Leonard Bernstein. (CD 1987, remasterizado de la grabación de 1977, Alemania; Polydor International GmbH) .

11:32
2023: 100 años de “Las Bodas”, de Ígor Stravinsy

11:33
CÁPSULAS/ Flores Magón (08) 3’14”

11:37
Música de cámara: Sexteto para piano y alientos de Bohuslav Martinu
El Sexteto para piano y vientos H 174 de Martinu nos retrocede al diciembre de 1928 en París. La influencia liberadora del foxtrot, el tango, el charleston y el jazz, combinada con los altos estándares de los instrumentistas de viento madera franceses, inspiraron al compositor checo a componer una de sus obras más originales. Al eliminar el corno del quinteto de maderas y agregar un piano y un segundo fagot,
Martinu creó un conjunto eufórico y versátil.
El preludio lo introduce un clarinete en blues, una serie de intercambios entre las maderas y el piano conducen a un episodio breve más rápido que termina abruptamente. El piano realiza un puente para la reaparición del clarinete y el movimiento vuelve a las maderas con pasaje muy rico rítmicamente para banda de vientos, que luego se calma y termina suavemente, entre matices religiosos. El primer Divertimento en un moto perpetuo para la flauta y el piano y el segundo es un blues que comienza con una figura suave y trémula, que acompaña al primer fagot con timbre agudo, y que personifica con mucha eficacia a un saxofón de blues. Luego siguen varios episodios contrastantes, antes de que el fagot repita su solo y se desvanezca en el silencio. El último movimiento y su cadencia corren hacia un gran final brillante.

11:39
BOHUSLAV MARTINU (1890-1959, Rep Checa)Sexteto para piano y alientos (1929) , en cinco movimientos: 1. Preludium: Poco andante; 2. Adagio: 3. Scherzo: Allegro vivo (Divertimento N° 1) ; 4. Blues (Divertimento N° 2) ; y 5. Finale. (CD 2010, sello Naxos)
Int. Sally Pinkas, piano; Fenwick Smith, flauta; John Ferrillo, oboe;
Thomas Martin, clarinete; Richard Ranti, Suzanne Nelson, fagotes

11:54
Música de cámara: Sexteto para piano y alientos de Bohuslav Martinu

11:55
CÁPSULAS/EN CLAVE MUSICAL 5′

12:02
CÁPSULAS/ Éxtasis Dalí (354) 5’00”

12:08
TRIBUNA INTERNACIONAL DE LA UNESCO 2022: 12.1 LITUANIA
MARIUS BARANAUSKAS (n. 1978) ha ganado mayor reconocimiento en la última década, especialmente después de que recibió el 3er Premio en el Premio de Composición Toru Takemitsu en Japón por la composición sinfónica Talking. Estudió composición en 1996-2002 con el Prof. Rimantas Janeliauskas en la Academia Lituana de Música y Teatro, y continuó sus estudios de posgrado en la misma Academia en 2003-05. En 2004-2005 estudió composición en el Conservatorio de Lyon (CNSMD de Lyon) . En 2006 fue compositor en residencia en el Centro Internacional de Visby para Compositores (VICC) , Suecia. En 2007 participó en el Programa de Escritura de Ópera de Jerwood, Aldeburgh, Reino Unido.
En 2011 MARIUS BARANAUSKAS participó en el programa “¿De dónde? ¿A dónde? Mitos – Nación – Identidades” en Frankfurt (Alemania) con el Ensamble Moderno y conducido por Pedro Eotvos. Su música es interpretada y comisionada por los festivales más grandes del mundo: ICSM World Music Days, Drezden jornadas de música contemporánea (Alemania) , Música nórdica Saarbruecken (Alemania) , From avant-garde to today (San Petersburgo, Rusia) , centro de arte DOCK, Berlín, etc.; así como en los más grandes festivales lituanos.
Piezas interpretadas por: Sinfonietta Leipzig (Alemania) , conjunto Los tiempos
modernos (Francia) , Ensamble Melos Ethos (Eslovaquia) , Coro de la radio de Letonia, Conjunto de Cámara Nueva Música Berlín, Orquesta Sinfónica Nacional de Lituania, Orquesta Sinfónica Estatal Lituana, Orquesta de Radio y Televisión Eslovena, Orquesta Filarmónica de Tokio y un gran número de pequeños conjuntos y solistas. En 2004, Mario Baranauskas recibió el 3er lugar en el Premio de Composición Toru Takemitsu en Japón por la composición sinfónica “Talking”. Su pieza electroacústica “NUNC” fue citada como la mejor composición lituana electroacústica del año 2003. “The Molten Thought” para orquesta sinfónica fue premiado como la mejor pieza orquestal lituana en 2006. También fue premiado como el mejor compositor lituano de teatro del año 2006.

12:11
La composición despliega diversas fuentes de inspiración e influencia, entre las que se encuentran los elementos de la música gamelán, los parámetros de los objetos cósmicos y la búsqueda de varios timbres orquestales y principios estructurales. Uno de los puntos de partida más importantes del trabajo se convirtió en el objeto cósmico Alrediph, – un sistema estelar cuádruple excepcional debido a su compleja y única estructura y brillo pulsante regular. Diferentes parámetros físicos e inspiraciones visuales de los objetos se transformaban en forma musical, timbres, ritmos y otros elementos musicales. De este modo, el objeto celeste extremadamente interesante se vuelve audible y asume la forma del perceptible sonido de la música. El material musical se desarrolla a través de la interacción de dos orquestas condicionales – una orquesta sinfónica con su composición instrumental y estructura interna de elementos (macro orquesta) y un instrumento solista tam-tam, que revela una amplia gama de timbres y sonidos y encarna una especie de micro orquesta independiente.

12:13
MARIUS BARANAUSKAS (1978, Lituania) Alrediph para Tam-tam y orquesta sinfónica
Int. Arturas Maniušis, tam-tam; Orquesta Sinfónica Nacional
Lituana; Dir. Beat Furrer

12:25
TRIBUNA INTERNACIONAL DE LA UNESCO 2022: 12.1 LITUANIA

12:28
CÁPSULAS/ Cómo Ves / centrales (043) 4’38”

12:34
TRIBUNA INTERNACIONAL DE LA UNESCO 2022: 12.2 LITUANIA
La transparencia y la riqueza sonora son rasgos característicos en el mundo sonoro de la generación joven de compositores lituanos. Kristupas Bubnelis (n. 1995) , habiendo explorado varios estilos y géneros, recientemente se ha desplazado hacia el post espectral y postestructuralista, combinándolos con procesos improvisados ??y sónicos experimentales. Bubnelis ha escrito para una variedad de fuerzas, y sus obras han sido interpretadas por numerosos colectivos lituanos y extranjeros, incluidos Klaipeda y las Orquestas de Cámara de St. Christopher, la Sinfonía Londres Joven, Nuevo Conjunto de Arte y Música de Salzburgo, Cuarteto de Cuerdas Chordos, Dúo de veinte dedos y el pianista George Fu entre otros.
En 2020 el compositor se graduó con distinción (MMus) de la Real Academia de Música en Londres (Prof. Rubens Askenar y Edmund Finnis) . También obtuvo su título de BMus en la misma institución bajo la tutela del Prof. Christopher Austin (2019) . En 2021, Kristupas fue galardonado con el primer premio en el Concurso Internacional de Compositores Eduardas Balsys; en 2016 -el primer premio en el concurso de nuevas obras para piano solo de la Unión de Compositores de Lituania.
También recibió clases de Oliver Knussen, Hans Abrahamsen, Helen Grime, Ryan Wigglesworth y Claus-Steffen Mahnkopf. De 2014 a 2016, Bubnelis estudió en Lituania con el Prof. Ricardas Kabelis.

12:36
…ad infinitum… de Kristupas Bubnelis explora aún más las posibilidades de la serie de armónicos naturales junto con el fenómeno de macro y micro tiempo. Se deriva de mi composición orquestal anterior Thickening Light (2019) , aunque, en el presente caso, los cuatro intérpretes individuales del cuarteto me permitieron explorar interacciones sónicas aún más sutiles. Varias fuerzas y energías entran en juego: atracción, repulsión, saturación, etc. Terminado justo antes de la pandemia mundial, esta composición se detiene un poco en la idea de estasis. Formalmente, materiales musicales recurrentes sugieren una idea cíclica, aunque cada repetición nunca es la misma.

12:37
KRISTUPAS BUBNELIS (1995, Lituania) …ad infinitum… para cuarteto de cuerdas
Int. Cuarteto de Cuerdas Chordos

12:53
TRIBUNA INTERNACIONAL DE LA UNESCO 2022: 12.2 LITUANIA

12:54
CÁPSULAS/ Peso colibrí (945) 2’51”

13:00
SRIES/LA ARAÑA PATONA 28′

13:32
NOVEDADES DISCOGRÁFICAS: “Intangible being” de Georgina Derbez
“Intangible being” (Ser intangible) es un álbum discográfico del 2022, dedicado a la música de cámara y proyectos interdisciplinarios con y sin electrónica de Georgina Derbez (1968, México, compositora y maestra) . Producido por Il Pirata Records, disquera norteamericana recientemente creada y fundada por el clarinetista Richie Hawley. Realizado gracias al Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC 2021-2022) , en México.
Este álbum monográfico está conformado por 7 obras. La primera que abre el disco es “La forca il Sparvier” (la horca el gavilán) (2007) para acordeón y flautas dulces, está basada en el Ars subtilior de finales del siglo XIV en Italia, y los madrigales de Paolo de Firenze.
La segunda, Las Pupilas de la Luna (2020) es para piano, electrónica y video.
Nace en colaboración con la fotógrafa Patricia Aridjis, con su serie “Las horas negras”, que retrata la vida diaria de las internas en los reclusorios, a quienes se les permite tener a sus hijos con ellas hasta los tres años de edad. Musicalmente basada en su Canción de cuna (1999) , como punto de partida.
Y la tercera obra que escucharemos esta tarde es la Tonada de la luna llena I (2021) , para flauta y electrónica, cuyo detonante fue la canción “Tonada de la luna llena” de Simón Díaz (1928-2014) en la versión de Caetano Veloso.

13:34
GEORGINA DERBEZ (1968, México, compositora y maestra)”La forca il Sparvier” (la horca el gavilán) (2007) para acordeón y flautas dulces.
Int. Eva Zöllner, acordeón; Verena Wuesthoff, flautas dulces.
Las Pupilas de la Luna (2020) es para piano, electrónica y video.
Int. Alberto Rosado, piano.
Tonada de la luna llena 1 (2021) , para flauta y electrónica.
Int. Emi Ferguson, flauta.
Música del álbum “Intangible being” (Ser intangible) (2022, EU-México; Il Pirata records & Sistema de Apoyos a la Creación y proyectos Culturales) .

13:58
NOVEDADES DISCOGRÁFICAS: “Intangible being” de Georgina Derbez

14:01
MÚSICA DE CÁMARA MEXICANA: TAÑER PULSANDO
MANUEL M. PONCE (1882 – 1948) fue un músico y compositor mexicano.
Comenzó sus estudios musicales a muy corta edad en compañía de su hermana bajo la instrucción de María del Refugio. A los seis años interpretaba enzarzadas melodías como “La zacatecana” y “Amor secreto” con la guía de solfeo del maestro Hilarión Eslava.
En 1900 viajó a Ciudad de México, inició sus estudios con los maestros Vicente Mañas, Eduardo Gabrielli y Paulo Bengardi. Seguidamente ingresó en el Conservatorio Nacional de Música en 1901, donde permaneció hasta 1903. En 1904, fue a estudiar cursos superiores a la Escuela de Música de Bolonia, en Italia con Enrico Bossi y Luigi Torchi.
Posteriormente viajó a Alemania, donde permaneció entre 1906 y 1908 y se perfeccionó en el piano con el maestro Martin Krause, pedagogo en el Conservatorio Stern y director de la Liszt Verein en Leipzig y antiguo discípulo del pianista Franz Liszt. Y regresó finalmente a México, donde se dedicó a la enseñanza, a la composición y a dar conciertos.
Es considerado el padre del nacionalismo musical mexicano. En 1912 realizó un concierto con obras que contenían características que se consideraban por primera vez genuinamente mexicanistas. De este modo, 1912 se considera el inicio del movimiento nacionalista en la música mexicana.

14:03
MANUEL M. PONCE (1882 – 1948, México, compositor) Sonata para Guitarra y Clavecín: I. Allegro moderato; II. Andantino; III. Allegro non troppo e piacevole; Preludio para Guitarra y Clavecín.
Música del álbum Tañer Pulsando (2016, sello Tempus)
Int. Sayil López, guitarrista; Álvaro Olín, clavecinista.

14:22
MÚSICA DE CÁMARA MEXICANA: TAÑER PULSANDO

14:25
CÁPSULAS/ Listo para Rodar (06) 2’38”

14:29
MÚSICA DE CÁMARA LATINOAMERICANA: TAÑER PULSANDO
SAYIL LÓPEZ es un guitarrista de origen mexicano especializado en música de cámara. Ha recibido 5 becas del gobierno mexicano para la realización de conciertos y producciones discográficas.
Su formación en México estuvo a cargo de los maestros Juan Carlos Laguna, Federico Bañuelos y Guillermo González Phillips, así como Gerardo Arriaga y Carmen Ros en España.
Ha sido acreedor a dos primeros premios en concursos nacionales de música de cámara (Tercer Concurso Interno de Música de Cámara de la Escuela Nacional de Música y Primer Concurso de Ensambles del Centro Cultural Helénico) e invitado como concertista a más de una veintena de festivales especializados en México, Perú y Rumanía.
Es miembro fundador del Cuarteto de Guitarras de la Ciudad de México, considerado como el máximo representante de su género en México.

14:31
ALVARO OLÍN, clavecinista mexicano, realizó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música y la Escuela Nacional de Música. Se tituló con mención honorífica de la carrera de piano; y también cursó la licenciatura de clavecín.Ha sido pianista ejecutante en clases magistrales y cursos de perfeccionamiento pianístico con Edith Pitch Axenfeld, Klaus Schilde, Bernard Flavigny, Piero Rattalino y Stephen Drury. Fue finalista del Concurso Manuel de Falla en 1997, ganó el Concurso Pianístico 2000 de la Escuela Nacional de Música en el que obtuvo un premio especial por la mejor interpretación de la obra mexicana y al año siguiente obtuvo el segundo lugar en la misma competencia. Asimismo, logró el segundo lugar en el Concurso de Música de Cámara de la UNAM tocando el clavecín.

14:33
ANTONIO LAURO (1917 – 1986, Venezuela, compositor)Fantasía y Pavana: I. Fantasía; II. Pavana.
WILLIAM ORTÍZ (1947, Puerto Rico, compositor)
Amor, Cristal y Piedra
Música del álbum Tañer Pulsando (CD 2016, México; sello Tempus)
Int. Sayil López, guitarrista; Álvaro Olín, clavecinista.

14:56
MÚSICA DE CÁMARA LATINOAMERICANA: TAÑER PULSANDO

15:01
MUJERES EN LA MÚSICA: LIZ DILNOT JOHNSON, compositora británica
LIZ DILNOT JOHNSON era una profesora de primaria de más de treinta años cuando comenzó su carrera musical. Decidió estudiar composición en el Conservatorio de Birmingham, donde obtuvo una maestría con distinción y fue alentada a continuar sus estudios de doctorado con el compositor inglés Philip Cashian como su tutor.
En el 2017 DILNOT JOHNSON lanzó Intricate Web (Red Intrincada) , un álbum doble que abre con el cuarteto de cuerdas número 3, que le da nombre al disco, encargado por el Festival de Mezcla de Música de Bromsgrove en 2003, el mismo año que el padre de Dilnot Johnson falleció. La melodía, compuesta a partir de la fotografía de una telaraña, comienza generando un ambiente extraño y espeluznante pero conforme va avanzando ofrece momentos de luz y paz.

15:02
LIZ DILNOT JOHNSON (1964, Reino Unido) Cuarteto de cuerdas No. 3 “Red Intrincada” (2003) ; Cuarteto de cuerdas No. I “Imágenes de árboles” (1998) , en tres movimientos: I. Hendiduras y fisuras de la corteza; II. Ramas de invierno; III. Hojas.
Música del álbum: Intricate Web (Red Intrincada) (2 CDs 2017, Austria, DivineArt)
Int. Cuarteto de Cuerdas Fitzwilliam; Heather Tuach, chelo; Ronald Woodley, clarinete y piano; Alan George, viola; Loré Lixenberg, soprano

15:26
MUJERES EN LA MÚSICA: LIZ DILNOT JOHNSON, compositora británica

15:29
CÁPSULAS/ Peso colibrí (946) 2’53”

15:33
MUJERES EN LA MÚSICA: LIZ DILNOT JOHNSON, compositora británica
Intricate Web (Red Intrincada) es un álbum doble que se centra en los cuartetos de cuerda completos de la compositora británica, interpretados por el Cuarteto de Cuerdas Fitzwilliam. El disco incluye un quinteto de clarinete titulado “Sea-change”, seis cuartetos de cuerdas y una suite violonchelo de treinta minutos que ha sido descrita como “La obra maestra de Johnson hasta ahora”, así como canciones en las que destacan frases de las poetas Kathleen Jamie, Jo Shapcott y Gabriela Mistral.
A lo largo de su carrera Liz Dilnot Johnson ha desarrollado un amplio y diverso catálogo musical, el cual incluye colaboraciones teatrales, obras improvisadas, obras corales, vocales y orquestales, así como música de cámara delicada y compleja. Actualmente continúa creando música y sus últimos trabajos datan del año 2021.

15:34
LIZ DILNOT JOHNSON (1964, Reino Unido) Cuarteto de cuerdas No. 2 “Para Elliott”: I. part i, II. part ii, III. part iii (2000) ; Mujer Elefante (2001) ; Suite de chelo Parte III (2015)
Música del álbum: Intricate Web (Red Intrincada) (2 CDs 2017, Austria, DivineArt)
Int. Cuarteto de Cuerdas Fitzwilliam; Heather Tuach, chelo; Ronald Woodley, clarinete y piano; Alan George, viola; Loré Lixenberg, soprano

15:56
MUJERES EN LA MÚSICA: LIZ DILNOT JOHNSON, compositora británica

16:00
SERIES / ESQUINAS AZAR (RTS DEL MARTES) 12′

16:13
MARIO CASTELNUOVO-TEDESCO (1895-1968, Italia) Selección de los Sonetos de Shakespeare, Op. 125
Int. Valentina Coladonato, soprano;
Mirko Guadagnini, tenor;
Filippo Bettoschi, barítono;
Claudio Proietti, piano
(2017, Unión Europea, sello Brilliant)

16:32
CÁPSULAS/ Trayecto Sonoro (215) 3’10”

16:36
CLAUDE DEBUSSY (1862-1918, Francia) “Khamma”, leyenda danzada en tres escenas (1911-12) , en orquestación de Charles Koechlin (1912-13)
Int. Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart
Dir. Heinz Holliger
(2000-2010, Alemania, SWR media Services)

17:00
SERIES / SABEN LAS PALABRAS 28′ (RTS DEL LINES)

17:46
CARL FRIEDRICH ABEL (1723-1787, Alemania) Piezas para viola da gamba
Int. Sergei Istomin
(2003, Canadá, sello Analekta)

18:01
SERIES / MUNDOFONÍAS

19:00
SERIES / ISLAS RESONANTES

19:52
JEAN-NOËL HAMAL (1709-1778, Bélgica) Obertura de cámara a cuatro, Op. 1 Nº 1Int. Camerata Leodiensis
Dir. Hubert Schoonbroodt
(1990, Austria, sello Koch)

20:02
/CONTEXTO RADIODRAMA
Uno de los escritores polacos más relevantes del siglo XX es Slawomir Mrozek (Suabomír Rósec) . Fue uno de los autores favoritos del director de escena Ludwik Margules (Lúdvic Margúles) , también polaco, quien lo llevó tanto al teatro como a la radio en los años 60.
Mrozek (Rósec) fue dramaturgo, narrador, ensayista y caricaturista; autor de relatos cortos, precisos, originales en los que utilizaba el humor y las situaciones grotescas para criticar el régimen totalitario de su país. Estos elementos se aprecian en la obra En alta mar, que relata la historia de tres náufragos muy elegantes, que en su desesperación por sobrevivir deciden seleccionar a uno de ellos a través de una serie de procedimientos pretendidamente democráticos… y comérselo en nombre del patriotismo.
En 1967, Margules (Margúles) montó esta obra para Radio Universidad con las actuaciones de José Estrada, Claudio Obregón y Gilberto Pérez Gallardo, y la ofreceremos a usted en unos momentos en este espacio dedicado a los radiodramas.
En alta mar, de Slawomir Mrozek (Suabomír Rósec) , bajo la dirección de Ludwik Margules (Lúdvic Margúles) , forma parte de la colección de ficción sonora de Radio UNAM inscrita en el registro Memoria del Mundo de México, 2021 de la UNESCO. Ojalá sea de su agrado.

20:04
SERIES / R-DRAMAS En alta mar DURACIÓN: 40’42”

20:48
JAZZ BRASILEÑO
ANÓNIMO
A casinha pequenina
EGBERTO GISMONTI (1947, Brasil, compositor, pianista y guitarrista)
Para um samba;
Música del álbum Tierra Improvisada (CD1997, Argentina; La Contumancia)
Int. El Terceto: Hernán Ríos, piano; Pablo Tozzi, contrabajo y voz;
Norberto Minichillo, percusión y voz.

20:59
JAZZ BRASILEÑO

21:03
CÁPSULAS/ Éxtasis Dalí (350) 5’00”

21:09
JAZZ POLACO: ANGELIKA NIESCIER, saxofonista, directora y compositora
ANGELIKA NIESCIER es una artista de jazz y directora de orquesta polaca, de 1994 a 1998 estudio en la Universidad Folkwang de Essen, su gran talento le ha permitido trabajar con grandes artistas como Kris Davis, Hulia Hülsmann, Aki Takase, Tomeka Reid, entre otros. Como directora y compositora ha ganado algunos de los premios más prestigiosos, como el Premio Alemán de Jazz que es otorgado a personas que juegan un papel importante en el desarrollo del jazz en Alemania con logros musicales sobresalientes o recientemente recibió el premio WDR Jazz, su música fue definida como: “elocuente, abierta e imaginativa […]” Como una artista reconocida internacionalmente su música ha viajado por muchos países para ser interpretada. Durante un tiempo Angelika ha estado redefiniendo los contornos de la escena del jazz europeo, tiene un deseo imparable de desarrollo e intercambio artístico, lo que hace que su viaje musical sea rico en encuentros inspiradores.

21:11
ANGELIKA NIESCIER (1970, Polonia) The Surge; …Ish; Push/Pull; A Truck Passing a Clock Tower.
Música del album: New York Trio (CD, 2018, New Yor, Intak)
Int. Angelika Niescier saxofón alto, Christopher Tordini bajo, Gerald Cleaver bateria, Jonathan Finlayson trompeta.

21:37
JAZZ POLACO: ANGELIKA NIESCIER, saxofonista, directora y compositora
En la búsqueda de nuevos ritmos Angelika ha dejado muy clara su admiración y conexión con la comunidad de jazz en Nueva York, en el 2011 lanzo su álbum con el trio titulado Quite Simply, esta colaboración demuestra que la distancia no es un impedimento para crear algo nuevo, aunque está alejada geográficamente logra crear un vínculo estético que solo se ha fortalecido con el tiempo. El jazz no solo le ha abierto las puertas en su carrera artística, también le ha otorgado grandes cómplices y socios, como es el caso de Chris Tordini quien siempre logra darle un empujón y una estabilidad musical increíble. El álbum New York Trio cuenta con la participación de grandes músicos y ahora también amigos de Angelika, podemos escuchar a Gerald Cleaver en la batería, Jonathan Finlayson en la trompeta y Christopher Tordini en el bajo. Durante mucho tiempo Angelika se ha sentido inspirada por John Cage y es en este disco que decide aplicar algunos recursos compositivos de Cage, aunque de una manera muy personalizada.

21:39
ANGELIKA NIESCIER (1970, Polonia) Cold epiphany; Chancery Touting; 5.8
Música del album: New York Trio (CD, 2018, New Yor, Intak)
Int. Angelika Niescier saxofón alto, Christopher Tordini bajo, Gerald Cleaver bateria, Jonathan Finlayson trompeta.

21:58
JAZZ POLACO: ANGELIKA NIESCIER, saxofonista, directora y compositora

22:01
CINE SONORO-DISCOTECA 58′

22:02
HOWARD SHORE (Canadá, 1946) Selección de la banda sonora: “Maps to the Stars” (2014)
[sello: HoweRecords, 2014]

23:11
NOCTURNO ROCK -DISCOTECA 47′

23:11
BLACK COUNTRY, NEW ROAD (Francia, 1995)
Science Fair (Here Come the Sun, 2015)
The Cleaner (Asymmetry, 2013)

23:30
THE BUTTERFLY EFFECT (Australia, 1999) Worlds on Fire (Final Conversations of Kings, 2008)
RISHLOO (Estados Unidos, 2002, España)
Dead Rope Machine (Living As Ghosts With Buildings As Teeth, 2014)
SOEN (Suecia, 2004)
Savia (Cognitive, 2012)

23:54
SWANS (Inglaterra, 1987) A Little God in my Hands (In Absentia, 2002)

00:00
FIN DEL DÍA

RADIO UNAM
Sábado 29 de julio de 2023