FM| Sábado 7 mayo 2022

RADIO UNAM
PROGRAMACIÓN FM

0:05
MUJERES EN LA MÚSICA DE FUSIONES: MEREDITH MONK, 1942, EU
MEREDITH MONK & VOCAL ENSEMBLE
Primera parte de Impermanence (2008) Obra multidisciplinaria en la que música, movimiento e imagen reflejan la delicadez y el poder del espíritu humano. Meredith Monk pasó un tiempo con trabajadores y pacientes de la fundación Rosetta Life -una organización londinense que reúne artistas y pacientes terminales- y con base en sus experiencias diseñó esta evocación poética y abstracta sobre las etapas de la vida.

0:32
MÚSICA DE FUSIONES MEXICANA
JUAN CARLOS RUÍZ (1959, México; compositor y fagotista)
“La tumba de Edgar Poe”, “Fracturas internas”, “En busca de la imagen”
Int. Culto sin Nombre: Juan Carlos Ruíz, fagot y programación; Rosa Macotela, piano y voz; Karina Cortés, violín; Vicente Sánchez, percusiones.

1:01
SERIES / TESTIMONIO DE OÍDAS

2:01
VARIOS COMPOSITORESWonderwall; Black Hole Sun
Música del álbum: Trio Live (CD 2008, Alemania, Nonesuch)
Int. Trío Brad Mehldau

2:35
IRVING MAYFIELD (1977 Estados Unidos) 7th Ward B,ues; Sweet Bread on the Levee; In love all over again(for Fatimah)
Música del álbum: Book One (CD 2009, Estados Unidos, New Orleans Jazz Ochestra)
Int. Orquesta de Jazz de Nueva Orleans; dir. Irvin Mayfield

3:01
JAMIE STEWARDSON (Inglaterra) Rest area; Olive oil; Cruel Traps; Dig muse; For Dale and Roberta
Música del álbum: Jhaptal (CD 2005, España, Fresh Sound)
Int. Tony Malaby, saxofón tenor; Alexeix Tsiganov, vibráfono; Jaimie Stewardson, guitarra; John Hebert, bajo; George Shculler, batería

3:33
PAUL BLEY (1932-2016 Canadá) & HERBIE SPANIER (1928-2001 Estados Unidos) Inception; Matrix; Reflection; Dialogue; Prologue
Música del álbum: Know Time (CD 1995, Canadá, Justin Time)
Int. Paul Bley, piano; Herbie Spanier, trompetas; Geordie Mcdonald, batería y percusión

4:02
DAVE DOUGLAS (1963 Estados Unidos) Constellations; Unhooking gthe safety net; Hope ring true; Taking Sides
Música del álbum: Constellations (CD 2009, Suiza, HAT HUT)
Int. Dave Douglas, trompeta, Trío Tiny Bell

4:33
DJANGO REINHARDT (1910-1953 Bélgica) I’ve found a new baby; Mélodie au crépuscule; Artillerie lourde; Rythmes futurs; You don’t know what love is; Lady is a tramp; Valse sentimentale; Mike
Música del álbum: Djangophonie (CD 2005, Alemania, Harmonia Mundi)
Int. Florin Niculescu, violín; Latcho-Drom; Cuarteto Drina

5:01
CÁPSULAS/Poemas MC (1383) 2’37”

5:03
VARIOS COMPOSITORESR.S.V.P.; Ballad IV; Ornithology; M. Dewey D.
Música del álbum: The Loose (CD 1994, Canadá, Justin Time)
Int. Jon Ballantyne, piano; Drew Gress, bajo; Billy Hart, batería

5:34
CÁPSULAS/Éxtasis Dalí (278) 4’58”

5:39
JAMIE REYNOLDS (Canadá) Miel-Couer; Locks pt.2; Improvisation; Morning Sun; Locks pt. 3; The Feeling of Jazz
Música del álbum: Time with People (CD2012, España, Fresh Sound)
Int. Jamie Reynolds, piano; Gary Wang, bajo; Eric Doob, percusiones

6:00
HIMNO NACIONAL

6:16
TRADICIONAL DE LA INDIA
OOTHUKADU VENKATA KAVI (c.1700-1765, India, compositor)
Tillana
TRADICIONAL FOLK TUNE
Om Sakti Om; Govinda Leena Mol
Música del álbum: Aruna Sairam / Divine Inspiration (CD 2008, sello, Harmonia Mundi, Alemania) .
Int. Aruna Sairam, voz, H.N. Bhaskar, violín, J. Vaidyanathan, mridangam, Dr. S. Karthick, ghatam, A. Selvam, thavil, S. Ganapati, tabla, Girija, tanpura

6:36
CÁPSULAS/Garbanzo Libro (82) 5′

6:41
TRADICIONAL PORTUGUESA
BÉVINDA FERREIRE (1961, Portugal, cantante)
Jarkot; Libertaçào; Luz; Aparecída; Meu sol
Música del álbum: Luz (CD 2005, sello, Harmonia Mundi)
Int. Bévinda Ferreire, voz, Mat6hias Duplessy, guitarra, palmas, percusiones, Philippe de Sousa, guitarra clásica y portuguesa, Philippe Foch, tablas, batería, Stephen bedrossian, contrabajo

7:03
CÁPSULAS/Trayecto Sonoro (145) 3’07”

7:06
TRADICIONAL MÉXICANA
GERARDO TAMEZ (1948, México, compositor, guitarrista)
Tierra mestiza
La consejera
ANONIMO
La petenera (Son Huasteco)
MACEDONIO ALCALÁ (1831-1869, México, violinista, pianista, compositor)
Dios nunca muere
Música del álbum: Sonaranda – Son que ara y anda… (CD 2002, sello, Ediciones M, México)
Int. Sonaranda: Anastasia Guzmán Vázquez, guitarra, jarana huasteca, jarana jarocha, guitarra de golpe, vihuela, caracol, Álvaro López Cruz, tambores tarahumaras de agua, zapoteco, mixteco, chontal, náhuatl; jícara, raspadores, sonajas, conchas de tortuga, güiro, platillos d´rbouka, sasara, cántaros, Darío Federico, Lynn, bajo, caracol, Roberto Panzera Arballo, violin

7:30
CÁPSULAS/Lotería UNAM (15) 3’59”

7:34
TRADICIONAL MÉXICANA
ANTIOCO GARIBAY (¿?-1976, México, arpista)
El aguadulce; Las abejas; La torbellina; El veinte; La samba Amalia; La Malagueña; El gusto saleño; La huilota.
Música del álbum: Antioco Garibay y su conjunto de arpa grande La Polvadera (CD 1999, sello, CORASON, México) .
Int. Antioco Garibay, arpa grande, Leandro Corona, 1er. violín, 2a voz, Vicente Hernández, voz prima, guitarra de golpe, Isaías Corona, tamboreador, José Jiménez, 2o violín, voz.

8:04
7 de mayo 2022: 318 años de CARL HEINRICH GRAUN, compositor y tenor.Nacimiento_1704_en Uebigau-Wahrenbrück, Alemania.
Cantó en el coro de la ópera de Dresde antes de trasladarse a Brunswick, donde cantó y escribió seis óperas para compañía. Fue maestro de capilla de Federico II de Prusia (Federico ‘el Grande’) desde su ascensión al trono en 1740 hasta la muerte de Graun, diecinueve años después, en Berlín.
Graun escribió un gran número de óperas. Su ópera Cleopatra e Cesare inauguró la Opera de Berlín en 1742. Otras, como Montezuma, con libreto del Rey Federico. Ninguna de sus piezas suele interpretarse en la actualidad, aunque su pasión Der Tod Jesu (La muerte de Jesús, 1755) fue ejecutada con frecuencia en Alemania muchos años después de su muerte. Otras obras suyas comprenden conciertos y sonatas para trío.

8:06
CARL HEINRICH GRAUN (Alemania, 07 de Mayo de 1704 – 1759) .1.”Te Deum laudamus”; 3. “Te per orbem”; 7 “Te ergo quaesumus”. 3 partes del Te deum, para solistas coro y orquesta en 11 partes.
Música del álbum “Te Deum” (CD 2006, Alemania; sello: cpo) .
Int. Monika Mauch, soprano; Elisabeth von Magnus, mezzo-soprano; Bernhard Gärtner, tenor, Klaus Mertens, bajo. Lárpa festante, Basler Madrigalisten. Fritz Näf.

8:28
CÁPSULAS/Quién volviera (111) 1’47”

8:31
7 de mayo del 2022, 189 años de JOHANNES BRAHMSNacimiento_1833_Hamburgo, Alemania.
JOHANNES BRAHMS fue un compositor, pianista y director de orquesta que se mantuvo fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador, influenciado por Mozart, Haydn y, particularmente, por Beethoven y Schumann. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la ‘guerra de los románticos’. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los integrantes de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana y por Richard Wagner. Los escritores contemporáneos y posteriores lo han considerado como tradicionalista e innovador. Su música está firmemente arraigada en las estructuras y técnicas de composición de los maestros clásicos. Si bien muchos contemporáneos encontraron su música demasiado académica, su contribución y artesanía han sido admiradas por figuras posteriores tan diversas como Schönberg y Edward Elgar. La naturaleza diligente y altamente construida de sus obras fue un punto de partida y una inspiración para una generación de compositores. Sin embargo, incrustados dentro de sus meticulosas estructuras, hay motivos profundamente románticos.

8:33
JOHANNES BRAHMS (1833-1897, compositor, pianista y director de orquesta aleman) .”Allegro non troppo” y “Allegro con spirito”. 1ºy 4º movimeintos de la Sinfonía Núm. 2 en Re mayor Op. 73 (1877)
Música del álbum: “Bethoven & Brahms Symphonies 8 y 2”. (CD, 2013, Italia, Sello: Aura) .
Int. Münchener Philharmoniker, Hans Knappertsbusch.

8:59
Nacimiento_1833_Hamburgo, Alemania.

9:04
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN: ERIK SATIE
ÉRIC ALFRED LESLIE SATIE (17 de mayo de 1866 – 1 de julio de 1925) , que firmó su nombre ERIK SATIE después de 1884, fue un compositor y pianista francés.
Satie fue un artista influyente en la vanguardia parisina de finales del siglo XIX y principios del XX. Fue un precursor de movimientos artísticos posteriores como el minimalismo, la música repetitiva y el Teatro del Absurdo, mientras que su acuñación de 1917 “música de muebles” presagiaría el desarrollo de la música ambiental y de fondo.
Un excéntrico, Satie fue presentado como un “gymnopedista” en 1887, poco antes de escribir sus obras más famosas, las composiciones para piano Gymnopédies. Más tarde, también se refirió a sí mismo como un “fonometrista” (que significa “alguien que mide los sonidos”) , prefiriendo esta designación a la de “músico”, después de haber sido llamado “un técnico torpe pero sutil” en un libro sobre compositores franceses contemporáneos, publicado en 1911.
Además de su obra músical, Satie dejó un conjunto de escritos, habiendo contribuido con trabajos para una variedad de publicaciones desde el dadaísta 391 hasta la crónica de la cultura estadounidense Vanity Fair. Aunque en su vida posterior se enorgullecía de publicar su obra con su propio nombre, a finales del siglo XIX parece haber utilizado seudónimos como Virginie Lebeau y François de Paule en algunos de sus escritos publicados.

9:06
ERIK SATIE (1899-1925, Francia, compositor, pianista y escritor) 3 Gimnopedias (1888) : 1. Lenta y doloroso; 2. Lento y triste; 3. Lento y grave
5 Gnosienes (1893) : 1. Lento; 2. Con entonación; 3. Lento; 4. Lento; 5. Moderato
Música del álbum “Satie: Piano works. Daniel Varsano, Philippe Entremont”
[Grabado en marzo de 1979, en la Iglesia de du Liban, en París] (CD editado en 1992, Austria y Holanda; sello: Sony) .
Int. Daniel Varsano, piano.

9:31
CÁPSULAS/Cómo ves / Centrales (031) 4’57”

9:37
MÚSICA PARA PEQUEÑINES Y PARA MÁS GRANDES TAMBIÉN: ERIK SATIE
Fue miembro del grupo ‘De los Seis’, junto con otros compositores como Francis Poulenc, Germaine Tailleferre, Arthur Honegger, entre otros.
Conocido por su irreverencia y su agudo sentido del humor, Erik Satie, exploró tanto en sus obras musicales, como en los múltiples escritos y artículos que publicó, conceptos como el absurdo, las formas abiertas, las formas cíclicas.
Satie fue un artista influyente en la vanguardia parisina de finales del siglo XIX y principios del XX. Fue un precursor de movimientos artísticos posteriores como el minimalismo, la música repetitiva y el Teatro del Absurdo, mientras que su acuñación de 1917 “música de muebles” presagiaría el desarrollo de la música ambiental y de fondo.

9:38
ERIK SATIE (1866-1925 Francia) Canciones en forma de pera; y Tres nocturnos.
Música del álbum: ‘Satie: La obra para piano’ (Grabaciones 1967-71, 5 CDs editados en 2001, Francia; sello: EMI)
Int. Aldo Ciccolini, piano

10:00
JOCUS POCUS 58′

11:00
CÁPSULAS/Trayecto Sonoro (146) 3’33”

11:05
Mayo: 2022: 100 años de IANNIS XENAKIS
IANNIS XENAKIS nació de padres griegos que vivían en Rumania El 29 de mayo de 1922. Sus intereses de infancia incluían la rica música folclórica de su región natal, así como las matemáticas y la ingeniería, lo que le llevó a entrar en el Politécnico de Atenas con la intención de convertirse en ingeniero. Comenzó a dedicarse seriamente a la música durante este período.
Cuando estalló la II Guerra Mundial, Xenakis se unió al movimiento de la Resistencia, fue capturado, herido y condenado a muerte; pero logró escapar y naufragar en Francia hasta llegar a París. Fue aquí donde sus intereses complementarios – ingeniería y música – le llevaron a un encuentro con el arquitecto Le Corbusier, quien le presentó a dos miembros destacados de la vanguardia musical, Varèse y Messaien. Fue con estos primeros contactos en Francia que el músico autodidacta pudo encontrar el estímulo, el apoyo y la ayuda que necesitaba para publicar un artículo y dirigir varios estrenos. Incluso completó un título formal de Música bajo Messaien en la Sorbona.

11:07
Waarg (¿Dónde? en holandés 1988) , que también es fruto de la asociación entre Xenakis y la London Sinfonietta, tiene tonos oscuros y sonoridades muy compactas y pesadas. Aunque también aquí el comienzo está marcado por una nota que pasa al unísono de un instrumento de viento de madera a otro con el efecto resultante de ‘Klangfarbenmelodie’ (Melodía de timbre, en alemán) , la pieza pasa luego por masas sonoras bastante densas, a menudo con las partes instrumentales tocadas en homorritmo y combinadas a distancias reducidas : el resultado es una especie de línea homorrítmica de ‘closters’ (o racimos de notas muy próximas entre sí) en colores iridiscentes. Con el trombón, que a veces juega un papel de reconexión de estos bloques de acordes rítmicos. El esquema homo-rítmico, pulsante pero no rápido, avanza por largos golpes sólo interrumpidos por suspensiones inesperadas, casi para coger un latido más tras la pulsación insistente. La pieza avanza también desplazando la atención hacia aglomerados de escala ascendente y descendente, con segmentos melódicos ocasionales que destacan en la superficie. Una especie de coral concluye la pieza y la vincula, no sólo idealmente, a la majestuosa línea acorde-coral que utilizó Xenakis en sus obras de cámara y sus obras orquestales, de sus últimos años.

11:09
IANNIS XENAKIS (1922-2001, Grecia – Francia, compositor e ingeniero civil) Waarg (¿Dónde? en holandés 1988) , para 13 instrumentistas. Música del álbum “Milano Musica Festival: Xenakis, Varèse, Romitelli” (CD 2009, Italia, sello: Stradivarius) .
Int. Asko Ensemble; Dir. Stefan Asbury. Grabación del XIV Festival de Música de Milán. Sala Verdi, del Conservatorio “Giuseppe Verdi” de Milán, el 6 de noviembre del 2005.

11:27
Mayo: 2022: 100 años de IANNIS XENAKIS
Anastenaria ciclo formado por la trilogía de obras: Procesión de las aguas claras, compuesta entre 1952 y 1953, El Sacrificio, compuesto en 1953 y Metástasis, compuesta entre 1953 y 1954. La primera parte de la trilogía: Procesión de las aguas claras, aunque es en su mayoría una obra tonal, posee secciones que dejan entrever su estilo futuro, sobre todo en el manejo de la técnica serial.
La segunda parte: El Sacrificio, retoma muchos elementos de la cultura griega, de los ritos paganos, y desarrolla un discurso que busca describir el último atardecer antes del rito final.
Su última sección: Metástasis es el punto de quiebre entre el estilo inicial de Xenakis y lo que el mismo compositor llamaría: Música Estocástica. Al respecto, el propio Xenakis la define como: “una música construida en base al principio de la indeterminación. Los acontecimientos naturales, tales como la colisión del granizo o la lluvia sobre superficies duras, o el canto de las cigarras en un campo veraniego. Estos acontecimientos sonoros están constituidos por miles de sonidos aislados; esta multitud de sonidos, vista como una totalidad, es un nuevo acontecimiento sonoro. Este acontecimiento masivo está articulado y forma un molde temporal flexible. Las leyes estadísticas de estos acontecimientos, son las leyes de transición desde el orden absoluto al desorden total de una manera continua o explosiva. Son leyes estocásticas”.

11:29
IANNIS XENAKIS (1922-2001 Rumania) Ciclo completo de Anastenaria (1952-1954) , conformada por: Procesión de las Aguas Claras (1952-1953) para orquesta y coro mixto; El Sacrificio para orquesta (1953) ; y Metástasis (1953-1954) ; para orquesta. (CD 2003, Alemania, sello: Col Lengo) .
Int. Coro y Orquesta del Bayerischen Rundfunks, Dir. Charles Zacharie Bornstein.

11:55
CÁPSULAS/EN CLAVE MUSICAL 5′

12:03
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN DE LA UNESCO: 13. HUNGRÍA
Las obras de Balázs Kecskes D. se representan tanto en escenarios nacionales como internacionales. En 2021, será asesorado por la Fundación Peter Eötvös, durante la cual trabajará con los principales conjuntos húngaros e internacionales. El cuarteto de piano Garth Newel con sede en los Estados Unidos toca regularmente su cuarteto de piano Accusativus. Su preludio para el pianista Martin Tchiba ha estado en el repertorio del artista desde su estreno en 2018 en Saarbrücken. En el festival de música ISCM de 2019, el Coro de Cámara del Collegium Musicale de Estonia interpretó su composición coral titulada Alleluja.
En 2019, Balázs Kecskes recibió la beca artística de tres años de duración de la Academia Húngara de las Artes. Ganó la beca del Nuevo Programa Nacional de Excelencia en dos ocasiones en 2018 y 2019. También recibió el premio de composición de la Fundación Aurora Musis Amica en 2016 por su diploma de composición titulado Fragmento de Salmo. Realizó sus estudios secundarios de música en el Conservatorio de Música Béla Bartók, donde fue alumno de István Fekete Györ (composición) y Balázs Kecskés (piano) entre 2007 y 2011. Continuó su formación en el Departamento de Composición de la Academia Liszt Ferenc de Música de donde se graduó con altos honores en la clase de János Vajda en 2016. En 2015 y 2016 estudió en el Conservatorio de Música Luigi Cherubini de Florencia como alumno de Paolo Furtani. Desde 2017 es estudiante de doctorado en composición en la Academia de Música Liszt Ferenc y profesor en el Departamento de Composición de la universidad.

12:05
La base del libreto Komm (2019) , para ensamble vocal y cuarteto cuerdas, proviene de un volumen de 1977, titulado “Diálogos de Gilles Deleuze”, el filósofo y esteticista francés que contiene las conversaciones de Deleuze con Claire Parnet. Además, en el guión también aparecen fragmentos breves de Paul Thymich y el Salmo 102. Si bien Diálogos se publicó en 1977, sigue siendo de gran actualidad, ya que los fenómenos y procesos que abordan se agudizan cada vez más. La naturaleza omnipresente de Internet, la sociedad de consumo, los descubrimientos revolucionarios en los campos de la informática y la biología, todo esto conduce a la crisis, quizás al final de la cosmovisión humanista. Los límites entre humanos y animales, humanos y máquinas, hombres y mujeres se están difuminando. Se cuestionan conceptos que se creían estables, se vuelven obsoletas las oposiciones binarias, se pone en primer plano la gradualidad y el pluralismo. La naturaleza teleológica milenaria del pensamiento occidental que tiene sus raíces en el cristianismo es reemplazada por una cosmovisión de cambios y transformaciones permanentes. La débil sensación de tonalidad al comienzo de la pieza lleva al oyente a la esfera de un mundo que se desliza y se disuelve, brindándole a uno la oportunidad de hacer preguntas que surgen cuando se debate entre dos mundos. ¿Se han vuelto irrelevantes las ideas, los sentimientos, los conceptos y las obras de arte anteriores? ¿Han perdido su poder? Invito al oyente a reflexionar sobre estas cuestiones.

12:07
BALÁZS KECSKES D (1993, Hungria) Komm (2019) para cuarteto vocal y cuarteto de cuerdas.
Int. Roberta Szklenár, Soprano; Viola Thurnay, alto; József Csapó, tenor; Dömötör Pintér, bass;. Kruppa String Quartet. Dir. Marcell Dénes-Worowski.

12:34
CÁPSULAS/Éxtasis Dalí (279) 4’59”

12:40
TRIBUNA INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN DE LA UNESCO: 13. HUNGRÏA _ 14.1 RUSIA
KIRILL ARKHIPOV nació en 1987 en Novotroitsk. En 2019 se graduó del Instituto Pedagógico Estatal que lleva el nombre de M. Ippolitov-Ivanov con una licenciatura en Composición, clase del Profesor Efrem Podgaits. En 2021 se graduó de asistente-interno en la especialidad “Arte de la Composición”. K. Arkhipov es participante de la 5.ª Academia Internacional de Música (Departamento de Composición) , ganador del 2.º premio en el 6.º Concurso Internacional de Compositores en el marco del XIII Festival Internacional de las Artes Yuri Bashmet de Invierno (Sochi, 2020) . Participante del 1er laboratorio creativo de jóvenes compositores y directores “Lectura Acústica” (Centro de Drama y Dirección, Moscú, 2017) , el proyecto de la Unión de Compositores de Rusia “Lecturas de Compositor” (Kazan, 2019) .
Acerca de Anomaly (Anomalía) , el compositor escribió:
“La música del concierto es la música del momento presente, en el que los ritmos de los minimalistas chocan con las primeras obras de Rachmaninov, el expresionismo de la segunda escuela vienesa, el techno y el “sonido comercial” de los artistas populares rusos modernos. Esta realidad sonora agresiva forma un retrato sonoro de la heroína moderna: Anomalía, una especie de Lulu de nuestro tiempo”.

12:42
KIRILL ARKHIPOV (1987, Rusia) Anomaly (Anomalía) , (2019)
Int. Orpheus Radio Symphony Orchestra.; Dir. Sergey Kondrashev

13:00
SRIES/LA ARAÑA PATONA 28′

13:30
CÁPSULAS/Garbanzo Libro (83) 5′

13:36
NOVEDADES DISCOGRÁFICAS: ROSELLA SPINOSA, pianista y compositora
Graduada en piano, clavicémbalo y composición, al igual que en Derecho y Musicología, Rossella Spinosa ha tocado en algunas de las salas italianas y extranjeras más importantes como Carnegie Hall en New York, Sala Bartok Hindemith Foundation, Cohen Studio Theater de la Universidad de Cincinnati, Italian Bunke Kaikan en Tokio, Liszt Academy en Budapest, etc. Ha colaborado con compositores de prestigio (entre ellos, Paolo Castaldi, Luis De Pablo, Ivan Fedele, Giacomo Manzoni, Bernhard Lang, Misato Mochizuchi, Luis Bavalov, etc.) y le han sido encargadas obras de teatro en Europa, Canadá, EU, Rusia Sur América, Corea y Japón.

13:37
ROSSELLA SPINOSA (Italia, pianista y compositora) Genesi 19 (2011) , para orquesta;
Int: Orquesta I Pomeriggi Musicali; Dir. Alessandro Calcagnile
Not Far (2016) , para violín solo;
Int. Raphael Negri, violín;
Deux Premiers et un seul multiple (2014) , para saxofón barítono y saxofón contrabajo,
Int. Jena-Claude Dodin, saxofón barítono; Daniel Kientzy, saxofón contrabajo.
Never Forget (2015) , para violín y clarinete bajo;
Int. Raphael Negri, violín; Raffaele Bertolini, clarinete bajo (integrantes del New MADE Ensamble)
Ruhig (2013) , para piano solo.
Int: Rossella Spinosa, piano; Música del álbum: Orchestral & Chamber Works Vol. 1 (CD 2018, Italia – Sello: Stradivarius)

14:04
Música latinoamericana: ARGENTINA: Dino Saluzzi, bandaneonista
TIMOTEO “DINO” SALUZZI (nacido el 20 de mayo de 1935 en Campo Santo, provincia de Salta, Argentina) es bandoneonista, hijo de Cayetano Saluzzi y el padre del guitarrista José Maria Saluzzi.
Dino ha tocado el bandoneón desde su infancia. Y ha descrito la vivacidad de sus bocetos musicales como “un retorno imaginario” a los pequeños pueblos y aldeas de su infancia.
Durante gran parte de su juventud, Saluzzi vivió en Buenos Aires, tocando con la orquesta de Radio El Mundo. Él tocaba en orquestas para ganarse la vida, mientras viajaba con conjuntos más pequeños, a veces orientados al jazz, desarrollando un estilo personal que lo convirtió en un destacado bandoneonista en el folklore argentino y la música de vanguardia. Su carrera discográfica comienza en los años 70, junto con Gato Barbieri, cuando firmó un par de locos álbumes de lirismo con el nombre de Gaucho. Durante esta década, trabajó en muchas giras por Sudamérica y especialmente en Japón, pero siempre asociado a otros nombres, como Mariano Mores o Enrique Mario Franchini.
A través de publicidad de boca en boca (en su mayoría de músicos expatriados) , fue invitado a varios festivales de música europeos y consiguió un contrato con el sello ECM, con quienes ha producido varios discos, entre ellos Kultrum, 1982.
Desde principios de la década de 1980 en adelante, ha colaborado con músicos de jazz europeos y estadounidenses, como Charlie Haden, Tomasz Stanko, Charlie Mariano, Palle Danielsson y Al Di Meola, entre otros.
A continuación, escucharemos parte de su más reciente álbum con música para piano solo titulado ‘Imágenes’, grabado también con ECM en 2015, y en la interpretación de Horacio Lavandera, al piano.

14:06
DINO SALUZZI (1935, Argentina, bandoneonista y compositor) Imágenes (2001) ; Los Recuerdos (1998) ; y Donde Nací (1990) . Música del álbum ‘Imágenes’ (CD 2015, ECM, Alemania) . Int. Horacio Lavandera, piano.

14:31
CÁPSULAS/ Lotería UNAM (16) 4’16”

14:36
MÚSICA DE CÁMARA MEXICANA: GABRIEL ELIZONDO & IRENE CARRASCOPara continuar disfrutando de la música de Cámara Latinoamérica, les traemos el disco Azahar – para Guitarra Flamenca y Violonchelo de Gabriel Elizondo. Este material surge de la necesidad de dos músicos para expresar su amistad, Gabriel Elizondo y Patricio Osorio, realizaron un compendio, de una serie de obras de violín y guitarra que data del año 2010.
En su búsqueda de este material adaptaron de algunas composiciones de Gabriel de su disco El Arrullo de mis Muertos. Como todo el material estaba prácticamente recopilado, recurrieron a unas grabaciones en vivo y decidieron que era momento de darle un toque más moderno y llevaron el material al estudio para continuar con los arreglos de lo que ahora es un nuevo material discográfico.
Con la ayuda de Karina Cortés y de Irene Carrasco, violinista y violonchelo, respectivamente, este material creado por amigos, ayudo a contribuir a que la música flamenca pueda ser considerada como música de concierto.
Les dejamos algunas piezas de este disco para que las disfruten.

14:38
GABRIEL ELIZONDO PRIETO (1980, México, guitarrista, concertista, compositor) Los Puros (buleria) ; Redención (soleá) ; Mayo (alegrías) : Retorno (tangos)
Música del álbum: Azahar para guitarra flamenca y violoncello (CD 2017, sello, Independiente)
Int. Gabriel Elizondo, guitarra, Irene Carrasco, violoncello.

15:04
MUJERES EN LA MÚSICA: AMY BEACH
AMY MARCY CHENEY, mejor conocida como Amy Beach, nació en New Hampshire el 5 de septiembre de 1867. Niña prodigio, se dice que antes de haber cumplido un año, Amy ya podía cantar perfectamente 40 canciones, a los dos años improvisaba melodías a contrapunto de las que cantaba su madre, y a los 5 años de edad ya componía valses sencillos al piano. A los 7 años hizo sus primeros recitales públicos, interpretando obras de Handel, Beethoven y Chopin.
Su primer gran éxito fue la ‘Misa en Mi bemol mayor’, interpretada por la Handel and Haydn Society. En 1894 compuso su Sinfonía Gaélica, la cual fue la primera sinfonía compuesta e interpretada por una mujer estadounidense y le trajo el reconocimiento de Europa. Tras quedar viuda, en 1910, se fue al viejo continente a dar numerosos conciertos, pero al comienzo de la primera guerra mundial regresó a su país natal. Fue en ese periodo que se dedicó a componer obras para la ‘Sociedad de música de cámara de San Francisco’. Obras como Cuarteto de cuerdas, la ópera Cabildo y un Trío con piano, fueron compuestas durante ese periodo.
A continuación, escucharemos su Cuarteto de cuerdas, terminado en 1929; el cuerpo y la textura de este cuarteto están inspirados en 3 melodías inuit, haciendo de esta obra una maravillosa mezcla entre música académica y música folclórica. También escucharemos Pastoral para quinteto de viento, en la cual podemos ver reflejada la afición de Amy por los paisajes naturales y boscosos. Además, escucharemos el tercer de Cuatro bocetos para piano, compuestos en 1892, esta vez en un arreglo para piano y chelo.

15:06
AMY MARCY CHENEY (AMY BEACH) (1867-1944 Estados Unidos) Cuarteto de cuerdas (1929) ; Pastoral para quinteto de viento (1941) ; Tercer boceto de los ‘Cuatro bocetos para piano’ arr. para piano y chelo (1892)
Música del álbum: ‘Beach: Cuarteto de cuerdas/Sonata para violín y piano/Pastoral/Soñando’ (CD 2003, Reino Unido, Chandos)
Int. Ensamble de cámara ‘Ambache’

15:31
CÁPSULAS/Quién volviera (112) 1’33”

15:34
MUJERES EN LA MÚSICA: AMY BEACH
En 1944 Amy Beach falleció de una enfermedad cardiaca, no sin haber dejado más de 150 obras, dentro de las que encontramos obras corales, música sacra, de cámara, cantatas, y canciones con textos de Shakespeare, Robert Browning y Robert Burns. También dejó una numerosa cantidad de ensayos, artículos periodísticos y el libro ‘Diez Mandamientos para Jóvenes Compositores’ en el cual encontramos algunas de sus vivencias y sus pautas para el autoaprendizaje.
A pesar de haberse ocultado por muchos años su nombre, ya en vida Amy fue un estandarte de los logros femeninos a lo largo de la historia; en 1893 le fue encomendada la tarea de componer una obra para la apertura del ‘Pabellón de la mujer’, colocado en la Exposición Mundial Colombiana en Chicago. También fue la fundadora y primera presidenta de la Sociedad de Mujeres Compositoras Americanas. A partir de 1990 su obra fue redescubierta y reinterpretada, por historiadores, intérpretes y feministas. Su nombre salió de la sombra en la que estuvo por muchos años, y fue la primera mujer en ser memorizada en la pared de granito del Hatch Shell de Boston.
A continuación, escucharemos algunas de sus composiciones para piano, interpretadas por Kirsten Johnson, pianista y compositora estadounidense. Al álbum que escucharemos a continuación, Kirsten Johnson ha sumado algunos más, grabando de esta manera la obra completa para piano de Amy Beach

15:36
AMY MARCY CHENEY (AMY BEACH) (1867-1944, Estados Unidos) Nocturne (1924) ; By the Still Waters (1925) ; Tres piezas para piano (1932) ; Cinco Improvisaciones para Piano (1938)
Música del álbum: Amy Beach, Música para piano Vol. 4 (CD 2012, Reino Unido, Guild)
Int. Kirsten Johnson, piano.

16:00
SERIES / ESQUINAS AZAR (RTS DEL MARTES) 12′

16:13
VARIOS AUTORESMúsica del Renacimiento español e italiano del álbum “Canto Mediterráneo” (1996, Auvidis)
Int. Ensamble “Capriccio Stravagante”
Dir. Skip Sempe

16:32
CÁPSULAS/Ráfagas Pensamiento (247) 3’56”

16:37
RALPH TOWNER (1940, EUA) Obras del álbum “City Of Eyes” (1989, ECM)
Int. Ralph Towner, guitarra clásica y guitarra de 12 cuerdas;
Gary Peacock, bajo;
Jerry Granelli, batería

17:00
SERIES / SABEN LAS PALABRAS 28′ (RTS DEL LINES)

17:46
DOMENICO SCARLATTI (1685-1757, Italia) Obras en transcripción para acordeón (2001, sello Winter & Winter)
Int. Teodoro Anzellotti

18:01
SERIES / MUNDOFONÍAS

19:00
SERIES / ISLAS RESONANTES

19:52
ESTER MÄGI (1922, Estonia) “Bukoolika” (1983) (2007, Toccata Classics)
Int. Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia;
Dir. Arvo Volmer

20:02
/CONTEXTO RADIODRAMA
Nancy Cárdenas, la añorada maestra, directora de teatro y cine, dramaturga y activista por los derechos de los homosexuales, fue una colaboradora fundamental de Radio Universidad. En los años 60 fungió como jefa de producción de la emisora y participó activamente en la realización de la serie titulada “Nuevo teatro”, creada para conquistar a un público fresco con las piezas teatrales del momento.
Nancy Cárdenas dirigió más de la mitad de las obras de esta serie, tradujo del inglés varias de ellas e incorporó en su selección las creaciones de escritoras mexicanas como Rosario Castellanos, Luisa Josefina Hernández y Marcela del Río.
La serie se inaugura con la primera obra dramática de la Maestra: “El cántaro seco”, que revela el abuso de terratenientes de un pequeño pueblo del Mezquital que obligan a campesinos pobres a cederles sus tierras como pago de sus deudas.
A continuación, lo invitamos a escuchar “El cántaro seco”, la primera obra teatral de Nancy Cárdenas bajo su dirección. Esta grabación es una de las joyas de la colección de ficción sonora inscrita en el Registro Memoria del Mundo de México 2021, de la UNESCO. Ojalá la disfruten.

20:02
SERIES / R-DRAMAS El Cántaro Seco DURACION 26’31”

20:31
Coleman Hawkins es considerado el primer gran saxofonista de jazz, y uno de los mejores a lo largo de la historia de dicha música; se considera que estableció los fundamentos del lenguaje del saxofón en el jazz (hasta ese entonces considerado un instrumento irrelevante para el género) , así como muchas de sus posibilidades tímbricas.
Nació el 21 de noviembre de 1904 en Missouri, Estados Unidos. Desde los cinco años estudió piano, violonchelo a partir de los siete y a partir de los nueve el saxofón tenor. Para completar sus estudios de música clásica, en 1919 se traslada a Chicago, donde conocerá por primera vez el jazz.
Siendo un profesional de la música a sus cortos doce años, entra a formar parte del grupo de músicos acompañantes de la cantante de blues Mamie Smith, lo cual lo dará a conocer en los círculos de jazz.
En 1924 entra a la orquesta de Fletcher Henderson como el saxofón estrella, y permaneció dentro de ella diez años; durante todo ese tiempo, el saxofón de Hawkins estipuló la pauta estilística de la mayoría de los saxofonistas de jazz.
Durante los siguientes cinco años, Hawkins se fue a Europa, en donde pudo tocar junto a grandes jazzistas como Django Reinhardt, Stephane Grappeli, Benny Carter y Alix Combille.

20:33
JIMMY McHUGH (1894-1969 Estados Unidos)On the sunny side of the Street (1930)
JOHNNY GREEN (1908-1989 Estados Unidos)
Body and soul (1930)
FATS WALLER (1904-1943 Estados Unidos)
Honeysuckle Rose (1929)
COLEMAN HAWKINS (1904-1969 Estados Unidos)
Rainbow mist; Cattin’ a keynote
COLE PORTER (1891-1964 Estados Unidos)
Night and Day (1932)
AL DUBIN (1891-1945 Estados Unidos)
I only have eyes for you (1934)
EDGAR SAMPSON (1907-1973 Estados Unidos)
Stompin’ at the Savoy (1933) .
Música del álbum: ‘Coleman Hawkins: Body and Soul, 1933-1949’ (CD 2001, Europa, Naxos Jazz Legends)
Int. Coleman Hawkins, saxofón tenor; Teddy Wilson, piano; Coleman Hawkins Sax Ensemble; Coleman Hawkins Quintet; Coleman Hawkins Rhythm; Cozy Cole All-stars

21:01
CÁPSULAS/Peso Colibrí (882) 1’31”

21:04
A su regreso a Estados Unidos, Hawkins permaneció en la escena jazzística, esta vez de la mano de jóvenes músicos como Thelonious Monk, Dizzy Gillespie y Don Byas. Unos jóvenes Miles Davis y Max Roach también serían sus músicos acompañantes en alguna ocasión. Hawkins siguió grabando música hasta 1965, cuatro años antes de su muerte. Colaboró como invitado en grabaciones de Monk, Coltrane, Roach y Eric Dolphy; también estuvo en una sesión con Duke Ellington y Sonny Rollins (quien, por cierto, al igual que Coltrane, encontró en Coleman Hawkins una gran inspiración) .
El estilo de Hawkins, lleno de complejas líneas melódicas, improvisaciones sobre armonías difíciles, y rápidos vibratos, siguió influenciando a diversos jazzistas, incluso después del auge de Lester Young (quien tenía una manera más lírica, fluida y suave de tocar el saxofón) .
A continuación, escucharemos a Benny Wallace, heredero del legado al saxofón de Coleman Hawkins, quien, en compañía de otros siete músicos, rinde un homenaje a Hawkins en el álbum que escucharemos. ‘Disorder at the Border – La música de Coleman Hawkins’, fue grabado en vivo en el Festival de Jazz de Berlín, el 6 de noviembre del 2004.

21:06
PAUL DUPONT (1989-1980, Estados Unidos) & ALLAN STUARTRosita (1923)
COLEMAN HAWKINS (1904-1969, Estados Unidos)
Bean and the boys (1948)
Música del álbum: Disorder at the Border – The music of Coleman Hawkins (CD 2007, Alemania, Enja Records)
Int. Bennie Wallace, saxofón tenor; Brad Leali y Jesse Davis, saxofón alto; Adan Schroeder, saxofón barítono; Ray Anderson, trombón; Terell Stafford, trompeta; Donald Vega, piano; Danton Boller, contrabajo.

21:28
CÁPSULAS/Cómo ves / Centrales (031) 4’57”

21:34
JAZZ: Cuarteto HUMAN FEEL
El cuarteto de jazz Human Feel fue formado en 1987 en Boston, Estados Unidos. Surge cuando Andrew D’Angelo, Jim Black y Chris Speed coinciden en la escuela; unos años después se une Kurt Rosenwinkel. Con una especial conexión entre sus 4 integrantes, Human Feel tiene una larga trayectoria, pues han tocado y grabado juntos por más de 30 años. Su sonido a menudo es inclasificable, pues su música contiene diversas influencias, que van desde la música contemporánea y de cámara, el free jazz, hasta el rock alternativo y el grunge. Sus piezas tienen momentos feroces y viscerales, pero también atmósferas joviales y sentimentales. Human Feel disfruta moverse a través de la conmoción y el asombro, dirigiendo sus piezas hacia caminos inesperados; como si fueran parajes y claros musicales fuera de lo común, sus canciones terminan a kilómetros de distancia del sentir de donde partieron. En un juego casi telepático, los saxofonistas D’Angelo y Chris Speed crean tejidos melódicos; la guitarra de Rosenwinkel nos transporta a lugares más etéreos y añade momentos introspectivos y misteriosos a sus piezas; la batería de Jim Black, por su parte, explosiva, audaz, pero siempre precisa, se encarga de establecer rítmicas fuera de lo común. A continuación, escucharemos su más reciente álbum: ‘Gold’, grabado en 2019.

21:36
HUMAN FEEL (1987 Estados Unidos) Alar Vome; Imaginary Friend; G_D; Stina Blues
Música del álbum: Gold (CD 2019, Suiza, Intakt Records)
Int. Human Feel: Andrew D’Angelo, saxofón alto, clarinet bajo; Jim Black, batería; Kurt Rosenwinkel, guitarra; Chris Speed, saxofón tenor, clarinete

22:02
CINE SONORO-DISCOTECA 58′

22:03
RALPH BURNS (Estados Unidos, 1922) Selección de la banda sonora de: All That Jazz (1979)
[sello: Casablanca, 1993]

23:11
NOCTURNO ROCK -DISCOTECA 47′

23:12
KLAUS SCHULZE (Alemania, 1947- 2022) Brave Old Sequence (Beyond Recall, 1991)
Wish You Where There, pt. 5 (Dark Side of the Moog, I)
Freeze (Angst, 2017)
Castles (The Crime of Suspence, 2017)

23:44
KLAUS SCHULZE (Alemania, 1947- 2022) Windy Time (Timewind, 1975)
Last not Least (La Vie Electronic, 1972)
Georg Trakl (X, 1978)

00:00
FIN DEL DÍA

RADIO UNAM
Sábado 7 de mayo de 2022